Il Venerdí di Photosatriani N. 238

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Bilbao, Gery, Guggenheim, Purple, Spain, titanio, titanium, Window

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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N.238

Il Venerdí di Photosatriani N. 237

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Anish Kapoor, Bilbao, Euskadi, Guggenheim, La Salve, Spain

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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N.237

El Gugenheim de Frank Gehry, se mezcla en esta imagen con una escultura de Anish Kapoor y con el puente de La Salve de Juan Batanero, creando un cityscape único para una purple city

Il Venerdí di Photosatriani N. 236

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Bilbao, Clouds, Epic, Euskadi, Guggenheim, Spain

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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – de la serie “Purple Cities” – Venerdí Photosatriani N. 236

Il Venerdí di Photosatriani N. 234

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Bilbao, City, Euskadi, Guggenheim, River, Spain, Spider

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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N.234

¡Ya es hora de volver a casa! Después de un mes en el Parque Natural de Somiedo y de otro mes en el Alentejo Portugués, vuelvo a casa con una serie de ocho imágenes del Guggenheim de Bilbao. Estas imágenes pertenecen a la serie “Purple Cities”, haciendo un guiño a la mítica “Purple Rain” de Prince. En esta canción, el artista quiso expresar la necesidad de un nuevo comienzo. La ciudad es el laboratorio de nuevos comienzos y de nuevas identidades; es el lugar del anonimato que a veces nos hace sentir libres y otras, profundamente solos; es el supermercado de los deseos; es el paisaje de arquitecturas mutantes.

Bilbao es un bellísimo ejemplo de ciudad que ha sabido transformarse para generar un nuevo comienzo

Olas Negras con Aleteo de Mariposas

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Butterfly, Digital Art, Fundación Telefonica, Madrid, Mariposas, Olas, Sea, teamLAB, Waves

Black Waves: lost, inmersed and reborn

Una de las exposiciones que he visitado en PHE19, ha sido la que para mí es la mejor propuesta expositiva del certamen, montada en el Espacio Fundación Telefónica sobre Wiliam Klein. Cuando estuvo allí, vi el anuncio que, en el mismo Espacio, había una instalación de teamLAB. Desconocía totalmente a teamLAB pero, como la exposición parecía tener a que ver con el mar y como acabo de finalizar la serie Absolute Sea, decidí aprovechar y subir a la cuarta planta del edificio. Entrar en aquella sala, ha sido como entrar en otro mundo: oscuridad total, silencio, roto únicamente por un sonido relajante; una enorme pared frente a mi repleta de mariposas que volaban en un enjambre coloreado; a los dos lados, olas negras con espuma blanca que se movían con un ritmo incesante y dramático. Había entrado en el mundo creado por el colectivo artístico, ahora compuesto por unos cuatrocientos profesionales entre artistas, programadores, matemáticos, ingenieros, animadores digitales y arquitectos, llamado teamLAB. Este colectivo usa la tecnología para crear piezas artísticas inmersivas, que modifican y expanden nuestras experiencias sensoriales, invitándonos además a ser parte activa de la “perfromance”.  La interacción de los espectadores con la pared de las mariposas (Flutter Batterflies, born from hands) generaba la aparición y desaparición de mariposas y consecuentemente se generaban cambios en la forma del enjambre y de su dirección de vuelo. Una sensación bellísima porque uno se siente vinculado con otros seres vivientes y con la Naturaleza en general. La intervención de más de una persona a la vez genera una combinación de posibilidades que dejan totalmente embrujado al espectador.

Flutter Batterflies, born from hands

A lo largo de todas las paredes de la enorme sala, continuaba el incesante moverse de una enorme masa de agua negra y de espuma blanca (Black Waves: lost, inmersed and reborn) que, gracias también a algunos espejos presentes en puntos estratégicos, hacía sentir al espectador inmergido en un océano infinito de agua, de espuma, de ritmo y de belleza, sintiéndose como parte de él, una partícula más que se mueve e interactúa con lo que se está viviendo. La cosa sorprendente, por lo menos para mí que soy informático de formación, es ver cómo está perfectamente resuelto el complicadísimo tema de hacer interactuar armónicamente y coherentemente las masas de aguas que se chocan; habrá miles y miles de combinaciones diferentes en estos choque pero en ninguno de los casos que he presenciado allí, ha habido un resultado no-armónico de estos choques. ¡Una pasada! Para quien tiene la curiosidad de conocer un poco más la filosofía de team LAB, vea este vídeo.

Vuelta a la Naturaleza

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Frost, IGPOTY, Pineta, Trees

COMMENDED en IGPOTY 2019 sección ByN

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Tengo el enorme orgullo de que dos imágenes de la serie “Vuelta a la Naturaleza” que estoy preparando, hayan sido elegidas como “Commended” en la sección ByN del concurso IGPOTY 2019.

La génesis de la serie “Vuelta a la Naturaleza” deriva de la consideración que para mi el “post-social”, tema del próximo GETXOPHOTO, va a ser obligatoriamente la vuelta a la Naturaleza.

Cuando me paro a pensar sobre la tendencia actual que prima el dominio de la “urbe” y que conlleva a la concentración de la vida humana hacia ellas; cuando al anterior sumo la constatación de que existe una necesidad exasperada de querer compartir nuestros vivires a través de las redes sociales que crean la ilusión de pertenecer a una única Comunidad de “amigos”; llego siempre a la misma conclusión: el post-social es la vuelta a la Naturaleza y al Silencio.

La Naturaleza tiene que volver a ser el escenario de nuestro “teatro”; la belleza está allí y no hace falta irla a buscar en sitios exóticos; está a lado de nuestra propia casa, en los descampados a las afueras de nuestras ciudades, en los espacios verdes que se pueden ver en la lejanía.

El enfoque que he querido dar a las imágenes de la serie y por lo tanto que se refleja también en las dos imágenes que han concursado y “ganado” en IGPOTY, quiere destacar la importancia de la esencia de las formas naturales, la necesidad de querer preservar la biodiversidad, la simplificación y la necesaria empatía con nuestro entorno hecho de silencio y de sonidos amortiguados. Para amplificar la sensación atemporal de estos espacios he introducido en las imágenes el concepto de los “cielos líquidos” para proporcionar a las imágenes una cierta teatralidad, el telón de nosotros mismos que se abre a la Naturaleza, a la sencillez y al silencio.

Pinchad aquí para ver la serie casi completa.

L’Arca di Noé Calci(ficata)

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Animals, Italy, Museo, Pisa

Un museo de historia natural único, en un rincón de la Toscana

Certosa di Calci – Museo di Storia Naturale

No hay cosa más satisfactoria para mí que encontrar fragmentos de unicidad en los sitios fuera de los recorridos habituales del turismo grupal organizado. Hice la universidad en la ciudad de Pisa y, en el verano del año pasado, organicé una quedada con los amigos de entonces. Cogí alojamiento en un bonito agroturismo en Calci, un pueblo no muy lejos de Pisa. Calci, además de ser el pueblo donde vive mi amigo Daniele, con el cual hice la tesis final del curso universitario, es conocido por tener una preciosa Certosa. En este edificio histórico tiene sede una joya absoluta y escondida: la Universidad de Pisa es dueña y gestiona uno de los museos de historia natural más antiguos del mundo. Este museo contiene una de las colecciones mejor cuidada y de mayor variedad de especies, de animales embalsamados del mundo. Consta de una galería dedicada a los mamíferos que muestra más de 300 ejemplares; otra dedicada a los anfibios y a los reptiles; otra, dedicada a los cetáceos. Una verdadera arca de Noé petrificada que, considerando el nombre del pueblo en la cual se encuentra, Calci, he querido definir “Calcificada”.

Estar allí en medio de cientos de animales que parecen vivos, aunque estén inmobles, conlleva la sensación de ser transportado en el tiempo, hasta la época de los grandes naturalistas-científicos-exploradores de antaño que han sentado la base de importantes teorías, como ha podido ser Darwin o de métodos para dar una taxonomía de los seres vivos, como ha podido ser Linneo. El revelado de mis imágenes ha querido reflejar esta sensación que vivía cuando visitaba las salas de este museo. Me gusta pensar que el resultado obtenido se parezca a una serie de imágenes que podrían perfectamente haberse encontrado en un cajón de un archivador del museo de historia natural de la Universidad de Pisa que fue casualmente encontrado por el entonces director Ezio Tongiorgi cuando, a finales de los años setenta, trasladó las piezas guardadas en tres sitios diferentes de Pisa, reuniéndolos en la Certosa de Calci. Un estudio del material encontrado atribuyó las imágenes a un fotógrafo anónimo que había sido encargado de retratar las especies que pertenecían a la colección de entonces, a finales del ‘800, comienzos ‘900, por los entonces directores del museo: Paolo Savi y luego Sebastiano Richiardi. Os invito a entrar en este maravilloso mundo…

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CONTEMPORANEA: arte e identidad

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Anna Rivelli, Basilicata, Contemporanea, Exhibitions, Exposiciones, Matera, Potenza

Exposición Contemporanea
Museo Acheologico Potenza (Basilicata)

 

Recién llegado de mis vacaciones Navideñas en Basilicata, estaba reflexionando sobre las oportunidades artísticas que mi tierra me ha ofrecido durante mi breve estancia. Sin lugar a dudas, cabe destacar que, a partir del 1 de Enero del 2019, Matera es Capital Europea de la Cultura; esto conllevará un conjunto de eventos a lo largo de todo el año que conviene tener en consideración, para planificar alguna escapada o una estancia más larga en esta ciudad (Matera) y en esta región (Basilicata), que merece un viaje enfocado al descubrimiento pausado de tesoros escondidos en la “marginalidad” en la cual la Basilicata ha sido relegada por demasiado tiempo.

Esta vez también he vuelto a visitar Matera y allí he hecho más fotografías de “I Sassi” que revelaré con ritmo pausado para ir enriqueciendo la serie que dedico a la Capital Europea de la Cultura 2019.

 

I Sassi di Matera
fotografía: Giuseppe Satriani

Este artículo quiero pero dedicarlo a una exposición que he podido ver en el Museo Arqueológico de Potenza y que estará en Matera desde el 16 de Febrero hasta el 10 de Marzo  en el “Ex ospedale San Rocco”. Se trata de la exposición CONTEMPORÁNEA, sobre la generación 1930-1960 de pintores e grabadores Lucani, ideada, realizada y comisariada por Anna Rivelli. Se trata de una exposición que tiene una doble vertiente: por un lado tiene el mérito de recopilar en un único espacio físico, muchas obras de arte visual que, por geografía y por la escasa atención de las entidades públicas locales, nunca habían compartido un mismo espacio y nunca habían llegado a representar una región Italiana a menudo olvidada, a veces hasta con la complacencia de sus gentes; la segunda vertiente de esta exposición es para mí el grito violento y decidido de identidad de un territorio que, al mismo tiempo representa también un claro proyecto de futuro.

Como la misma Anna Rivelli escribe en el magnífico catálogo de la exposición: “la marginalidad geográfica de la Basilicata puede haber incidido negativamente sobre la visibilidad de los artistas, pero seguramente no en la sustancia de sus obras; porque no puede existir ninguna marginalidad allí donde existe el pensamiento del “Hombre”.

Lo mío es una invitación a descubrir la Basilicata, sus tesoros paisajísticos y artísticos, empezando con la exposición CONTEMPORANEA, de la cual he extraído una serie de imágenes de algunos de los autores allí presentes. He elegido aquellas obras con más cercanía a la fotografía, a las cuales he añadido aquellas obras que más impacto emotivo han provocado en mi cuando he visitado la exposición.

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4km de Fotografía en Madrid

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Fotografía, Madrid, Prado, Restaurantes

Se habla muchas veces de la “milla de oro” pero ¿Qué os parecería si en lugar de una, fueran dos y media las millas de fotografía que se pueden disfrutar este Octubre en Madrid? Es una oportunidad única para ver grandes maestros de la fotografía entre los cuales 12 premios nacionales de fotografía en tan pocos kilómetros. Se trata de cinco exposiciones en cinco espacios expositivos de grande atractivo, que reconciliarían hasta la persona más insensible, con la belleza y el acto creativo. De estas cinco exposiciones, dos (Terré en el Canal Isabel II y Chema Madoz en la galería Elvira González) cierran a principio de Noviembre, las otras tres, se podrán visitar hasta el principio del año nuevo.

No vivo en Madrid, pero allí voy a menudo por trabajo; esta vez he pensado en un plan de visitas que combina la trascendencia del arte (entendida como la capacidad que tiene el arte de hacernos pasar de un ámbito a otro, atravesando el límite que los separa), con la concreción de la comida. ¡De esta manera he querido enriquecer el placer visual con un placer algo más…visceral!

Ricardo Terré (Canal Isabel II) – la fotografía que se encuentra en el siempre impactante escenario de la torre del agua del Canal Isabel II es una fotografía directa, sensible, de gestos, de saber mirar, de saber encontrar en la normalidad la chispa de la belleza que atrapa porque nos permite identificarnos en lo que vemos. Es lo que hoy en día se identifica como fotografía documental intimista, en la cual “la lucha diaria” no se ve, pero es latente en los instantes inmortalizados, en los cuales siempre hay un detalle (el famoso “punctum” de Barthes) que nos permite conectar con el momento retratado. A esta exposición asocié el restaurante “El ingrediente” que ofrece una comida delicada, pero con carácter que se puede degustar también en forma de medias raciones. Una comida que mucho definirían de fusión pero que en mi opinión es mejor no encasillar porque lo que se encuentra allí son platos que exaltan las mezclas de sabores y que el solo paladar puede definir; platos en apariencia de “toda la vida”, que encierran siempre algún ingrediente inesperado que les da el toque de unicidad.

Chema Madoz (Galería Elvira González) – Una puesta en escena diáfana en un espacio diáfano es, en mi opinión, el gran acierto de esta exposición porque así se exaltan las fotografías del artista que necesitan de espacio mental para ser interpretadas por cada visitante, más allá del primer impacto que suele pintar una sonrisa entre ironía, sorpresa y fascinación para la genialidad juguetona del autor. El mundo de Chema Madoz es el mundo del improbable que no llega ser imposible, usando objetos tan comunes que nadie pensaría que pudieran tener otra vida en un mundo paralelo. En este sentido, considero que exista un paralelismo conceptual entre Chema Madoz y Escher. A esta exposición asocié el restaurante “Mama Campo” que ofrece una comida ecológica en la espléndida plaza Olavide, con mesas tanto en el interior, como en el exterior. “Higos, sardina ahumada y crema de idiázabal”, el “poke de atún y ají amarillo”, o los “mezzi paccheri con ragout de rabo de ternera” son un ejemplo de una combinación de platos inolvidables.

Humberto Rivas (Fundación Mapfre-Sala Barbara de Barganza) – desconocía por completo este autor, pero su obra me ha impactado tan fuertemente que me ha generado la necesidad de profundizar en su legado. Sus paisajes urbanos sin personas retratan esquinas de calles o edificios abandonados aparentemente sin interés, que su mirada transforma en lugares llenos de misteriosa belleza y desconcertante seducción. A mí me han especialmente fascinado los paisajes a colores que el retrataba usando tiempos largos de exposición e imprimiendo las fotos en Cibachrome (papel fotográfico ad elevado contraste), obteniendo al contrario, unos sorprendentes colores muy tenues y poco contrastados, tanto que la impresión que se tiene es como si alguien hubiera pintado las calles para luego dejar desteñir el color con el paso del tiempo. En las antípodas de lo que acabo de describir están sus retratos completamente aislados del contexto vital de los modelos, para los cuales usaba una luz muy dura y directa. Para mí son sublimes los retratos a los muñecos abandonados y encontrados en algún rincón callejero. A esta exposición asocié el restaurante indio “Tandoori Station” en el cual se pueden degustar unos curries realmente especiales y unos tandoori muy logrados, siempre acompañados por una gran variedad de diferentes panes y/o arroces. Una mención a parte merecen dos complementos: el Raita (yogur con tomate, pepino y cebolla) y sobre todo el Achar (salsa de mango verde, guindillas, lima)

12 Fotografos en el museo del Prado (Edificio Villanueva, galería baja norte) – doce premios nacionales de fotografía han sido invitados (para conmemorar el bicentenario de la institución) a proporcionar su particular visión del museo o de sus obras y ofrecernos, a través de sus miradas, nuevas perspectiva y nuevos estímulos para visitar este museo. Es muy llamativo que un museo como el Prado, haya elegido la fotografía como medio expresivo para conmemorar su bicentenario; algo realmente halagador para la Fotografía porque demuestra la potencia de su lenguaje comunicativo, a pesar de la banalización a la cual está sometida, por la inundación visual a la cual estamos sometidos diariamente. Esta misma razón quizás explica el porque el Prado ha decidido hacer pagar el billete completo del Museo (15€) para poder disfrutar de estas obras fotografías; en mi opinión, esta elección limitará y mucho la difusión de esta iniciativa, más allá de las personas que ya iban a visitar el museo. Bueno, quizás alguien (como yo) se anima a volver al Prado porque haya esta exposición, pero me parece que esta no va a ser la elección de muchos (existe siempre la posibilidad, “chupándose” largas colas, de entrar gratis casi todos los días en las dos últimas horas de abertura del museo). De las obras expuestas, destacaría los delicadísimos y a la vez impactantes bodegones de Pilar Pequeño, mi maestra y sobre todo maestra de la luz natural; las múltiples exposiciones de partes de un mismo cuadro que Alberto García-Alix reconstruye en una única imagen que contiene una gran fuerza magnética y de dolor; las perspectivas enmarcadas por puertas entreabiertas de cuadros de condotieros que parecen invitarnos a entrar en su época y en su historia de Bleda y Rosa; los paisajes collages de Javier Vallhonrat sobre suelos de bosques que el fotografió y habitados por elementos naturales extraídos de cuadros presentes en el Prado; los espacios vacíos, contenedores de ausencia de Aitor Ortiz. A esta exposición asocié el restaurante Chuka que, en un entorno informal pero acogedor, ofrece ramen, gyozas y varios tipos de dim sum, riquísimos ejemplos de la mezcla entre la cocina china y japonesa. Para mí, ¡IMPERDIBLE!

Luigi Ghirri (Museo Reina Sofía) – se trata de una retrospectiva muy amplia sobre la obra de este fundamental fotógrafo italiano. Todavía no he tenido la oportunidad de visitarla, por lo tanto no proporciono ninguna opinión, limitándome a señalar la exposición como una oportunidad que no se puede desperdiciar. Tenemos tiempo hasta el 7 de Enero. Aquí también hay que pagar el ingreso al museo (10€) pero se puede aprovechar para disfrutar también de la exposición siempre fotográfica sobre el grupo Afal y sobra Dorothea Tanning. Cuando iré al museo para ver esta exposición, seguramente aprovecharé para volver a la Taqueria del Alamillo, un mexicano de gusto y con carácter, que dispone de una pequeña terraza en unos de los rincones de Madrid que más me gustan.

La importancia de las imperfecciones en el proceso creativo

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Creativity, Opinión, Reflexiones

Consumimos y producimos masivamente pero, ¿Cuándo creamos? Crear necesita tiempo y trabajo, justo lo que normalmente falta, sobre todo para aquellos creadores que luchan todavía para ser conocidos y reconocidos. La creación es un proceso lento de viaje y de reflexión, que no necesariamente da frutos inmediatos; una persona que crea, o cuando una persona crea, busca y rebusca en sí mismo entre sentimientos, recuerdos, ideas, experiencias, pulsiones, algo que encierre todo este proceso y que además sea capaz de transmitirlo a los demás que miran su creación. La tendencia global que todos vivimos en el día a día y en la que todos estamos metidos, es que se invierte tiempo y esfuerzo en lo fútil porque parece que para que lo creado sea valioso, tiene que transformarse en viral. Poco importa la reflexión, la lentitud, el recorrido. Si tenemos nuestros “me gusta”, si se comparte, si se hace viral, entonces es exitoso. Esta manera de mostrar nuestras creaciones, rápida y cortoplacista, merma la perseverancia de quien crea, tanto que, si se quiere abarcar algún proyecto más profundo o más largo, el esfuerzo necesario nos parece inviable y sobre todo inútil.

Por otro lado, desde que el mundo es mundo y continuará a ser así, una persona que crea y sus creaciones están expuestas constantemente al juicio y a la valoración permanente de quien las miran, analizan, sienten y opinan. Todo esto es muy duro, contribuye a hacer tambalear la confianza porque es como estar permanentemente en un columpio o todavía peor, en una montaña rusa, alternando momentos de poesía con otros de total desarmonía y vértigo.

En este contexto, no existen alternativas: hay que asumir los picos y las valles sin exaltarse y sin deprimirse; hay que asumir la falta de confianza periódica; hay que escuchar lo que dice la gente, sabiendo pero discernir lo que vale del ruido y continuar a andar, recordando que todos los pasos suman y que a veces es legítimo aspirar a una percepción a “baja resolución”, para ignorar los detalles que revelan la mezquindad y para difuminar los contornos.

Crear es una herramienta esencial de crecimiento; es una manera de percibir el mundo usando plenamente los sentidos; crear no es una huida de lo real, sino que es pura inmersión en el real porque quien crea busca la belleza en la cotidianeidad llena de imperfecciones, usando una visión poética o personal, para afirmar su propia originalidad sin esperar que los demás “nos elijan”. Si nos acostumbramos a habitar con plenitud la parte imperfecta de nuestra vida y sabemos transformarla en posibilidad, en colores, en formas, en perspectivas, en luz, en olores, en pensamientos, entonces estamos creando y si creamos de esta manera, no nos importará si nuestra creación se queda desconocida para el resto del mundo porque lo que hemos creado es suficiente para darnos felicidad y plenitud.

Mi deseo para todos nosotros es que en el Nuevo Año seamos capaces de invertir la inercia de una vida inmediata con el poder positivo de la creación.