Il Venerdí di Photosatriani N. 108

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Bosque, Mediterraneo, Pinar

Arbóreo N.47 – Bosque de Pinos a la amanecer

Il Venerdí di Photosatriani N. 107

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Árboles, Lucha, Trees

Arbóreo N. 46 – Lucha Silenciosa 4

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 106

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Árboles, Lucha, Navarra, Trees

Arbóreo N. 45 – Lucha Silenciosa 3

Il Venerdí di Photosatriani N. 105

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Árboles, Hayas, Lucha, Trees

Arbóreo N. 45 – Lucha Silenciosa 2

La presencia-ausencia: Francesca Woodman

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Francesca Woodman, Galeria Arte, Madrid

Untitled, Providence,Rhode Island, 1976. Gelatina de bromuro de plata. Papel: 20,3 cm x 25,4 cm. Imagen: 14,3 cm x 14,6 cm. Ed. 40

Bernal Espacio es una galería de arte, efímera. Aparece y desaparece en distintos lugares, dependiendo de la conveniencia y del contenido de la propuesta expositiva. Tan efímera que, buscando su dirección en Google Maps la localización de la exposición Ausencia/Presencia de Francesca Woodman, aparecía como Bernal Espacio en la c/Cohello en Madrid… pero, allí no había ninguna galería (la hubo por un breve periodo de tiempo el año pasado). Actualmente la galería, como la Araba Fenice, ha vuelto a aparecer en la c/Lope de Vega 17, en pleno barrio de Las Letras y estará allí, hasta el 31 de Mayo (para luego volver a desaparecer), con 30 fotografías de Francesca Woodman.

Google, a pesar de presumir “agilidad”, es más lento y torpe en actualizar la información de su “Maps” y todavía se obstina a mantener una dirección inexistente, a pesar de las muchas peticiones del dueño de Bernal Espacio Galería para que borre una información incorrecta; continuando así, dentro de algunos años, se podrán encontrar una infinidad de Bernal Espacio en toda la geografía Madrileña… pero esta es otra historia que no tiene nada a que ver con el arte visual…volvemos entonces a las imágenes de Francesca Woodman.

Su fotografía siempre me ha atraído como un potente imán, a pesar que sus imágenes parecen estar siempre al borde de la desaparición (o justo por esta misma razón), las fotografías de Francesca, son capaces de penetrar hondo en mi ser, que empatiza con el mundo emocional tan complejo, sensible, oscuro, nostálgico, vívido, incomprendido de esta chica que empezó a experimentar con la fotografía a la edad de 13 años, poniendo su cuerpo como modelo en los límites de espacios decadentes, para exaltar la fugacidad de nuestra existencia. Como dice el curador de esta exposición: “Francesca nos revela la presencia latente de la ausencia a través de la evanescencia de sus fotografías”.

Las imágenes de Francesca Woodman están a la venta y sus precios oscilan entre 6.000 y 9.500€; cada copia está firmada por los padres de la artista (su padre murió hace un mes y su madre tiene 83 años; Francesca tendría ahora 59 años) y son numeradas (series de 40).

En un rincón del barrio de Las Letras de Madrid, una galería efímera, con una propuesta visual tremendamente real, fuerte, embrujadora y bellísima en su evanescencia.

Dediqué hace algún tiempo otra entrada de este blog a Francesca Woodman, haciendo un paralelismo (ahora diría algo forzado pero no del todo) con una chica actual que tuvo un momento en el que me parecía que sus fotografías recalcaban de alguna manera el mensaje visual de Francesca Woodman.

 

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 104

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Árboles, Lucha, Trees

Arbóreo N. 43 – Lucha Silenciosa 1

A partir de esta semana y para 4 semanas, publicaré unos trípticos que he creado para denunciar (a través de metáforas visuales) el acoso a que estamos sometiendo a los árboles, los bosques y las forestas

Las HUELLAS de la Maestra

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Huellas, La Fabrica, Madrid, Pilar Pequeño

copyright Pilar Pequeño photography

Pilar Pequeño es quizás la persona que más influencia mi manera de entender la fotografía. Su manera de aproximarse al sujeto que retrata, nos habla de una fotografía a tiempo lento que me recuerda la excelente cocina “crudi-vegana” que tanto está de moda, en la cual se preservan todas las cualidades de los ingredientes que componen el plato, gracias a la lentitud de los tiempos de cocción que no suelen superar los 40 grados; así la fotografía de Pilar Pequeño nos hechiza por la delicadeza de la mirada, por la empatía que la fotógrafa establece con los objetos o paisajes y por la “limpieza” de sus imágenes, fruto de su infatigable, paciente y refinado perfeccionismo.

Conocí a Pilar en un taller organizado por PIC.A (mayo 2015); congeniamos de inmediato, tanto que sus enseñanzas tuvieron un profundo calado en mi ser y Pilar Pequeño, junto quizás con Larry Fink (estuve en un taller con él en el muy lejano 1995), son, sin lugar a duda, mis Maestros fotográficos; dos personalidades a los antípodas, que conviven en mi pensamiento fotográfico.

El libro “Huellas” (en la colección de La Fábrica), es el resultado de un largo y pautado trabajo hecho en dos lugares: Baixo Miño y Mar Menor, geográficamente muy distantes pero con fuertes nexos con la vida personal de la autora. Estos dos lugares tan diferentes, se encuentran en el libro, para hablarnos de ruinas (que, como dice Rosa Olivares en el texto de presentación, “constituyen la eternidad, porque están después de la muerte”); de como la Naturaleza se retoma lo que el Hombre le ha robado; del paso del tiempo no solo en el lugar fotografiado, sino también en la mirada de la fotógrafa.

El mismo lugar, ha sido fotografiado por Pilar a distancia de unos 8 años; las imágenes hechas la primera vez son en blanco y negro; aquellas hechas 8 años después son a colores; las dos tomas, intentan mantener la misma perspectiva y condiciones de luz y esto añade un elemento más en nuestro pensamiento cuando miramos las imágenes de “Huellas”, llenas de sugerencias y de vida, entendida como huellas de historias de gente que un tiempo llenó aquellos lugares.

Como comentó de manera magistral María Teresa Gutiérrez Barranco durante la presentación del libro, las “Huellas” de Pilar Pequeño se ofrecen al espectador, mostrándonos una belleza recóndita, que atrae nuestra mirada y nos invita a comprenderlas, hasta llegar a la compenetración.

Las “Huellas” de Pilar Pequeño se transformarán en una exposición en el ámbito del Festival Off de PHE17 (arranca el 31 de Mayo en Madrid); mayores informaciones en http://www.phe.es/es/phe (al momento el contenido no está todavía disponible).

Collages híbridos en tierra de sueños

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Collage, Conner, Cristina Rodero, India, Madrid

foto Photosatriani

Es una enriquecedora rutina que he consolidado en el tiempo; cada vez que tengo la oportunidad de pasar algún día en Madrid, es buena práctica personal la de visitar por lo menos una exposición, aprovechando las muchas posibilidades que esta ciudad ofrece al visitante. La semana pasada mi interés cayó sobre dos “joyas” cercanas en cuanto a lugar donde se exponían pero a los antípodas en cuanto a mensaje y estética. La exposición “Es todo cierto” en el Reina Sofía de Bruce Conner (hasta el 22 de Mayo) y la exposición “Tierra de sueños” de Cristina García Rodero en el Caixa Forum (hasta el 28 de Mayo).

Bruce Conner es un artista multi-facetico, poliédrico, anti-artista y muchísimas cosas más, con una inmensa producción que abarca desde el dibujo hasta escultura, desde el collage hasta la fotografía, desde los “assemblage” hasta el collage cinematográfico, desde la pintura hasta las manchas de tinta. Un tripudio de la polinización entre géneros, una fantasmagoría de mundos híbridos que dialogan con el espectador, lo embrujan y lo hacen pensar, sentir y fantasear.

El primer tipo de propuesta que ha hecho vibrar mis sentidos han sido los collage de grabados, en los cuales el artista creaba “no-personajes” y “no-lugares” a partir de antiguos grabados. El resultado es extraordinariamente parecido a los Antihéroes de Susana Blasco (ella trabaja fotografiando collages obtenidos con viejas fotografías y objetos). La cosa sorprendente es que, hablando con Susana, me ha dicho que ella no conocía la obra de Conner y que “menuda sorpresa” ha tenido cuando se la he presentado…una vez más la evidencia que existen conexiones invisibles y que el arte es circular.

 

 

 

foto cogida en: http://jacindarussellart.blogspot.it

 

Otra creatura de Conner son los Assemblage; consisten en unas esculturas hechas con objetos encontrados y normalmente encerrados en medias de nailon que regalan a estas composiciones de objetos, la sensación de haber dado con ellos en el “desván” de la abuela, llena de telarañas. Otra propuesta bellísima en su sencillez conceptual y material, y atractiva visualmente aunque de compleja fruición, son las manchas de tintas, obtenidas dejando caer un poco de tinta en un papel y luego doblándolo. El resultado son composiciones simétricas que recuerdan los mundos de Escher y que Conner presenta como piezas individuales o juntas, en secuencias de figuras que dejan visualizar el infinito.

https://it.pinterest.com/pin/328551735288144558/  No puedo no mencionar también sus películas que para mí son realmente collage cinematográficos, que Conner obtenía montando pequeñas secuencias de película encontrada o hecha por el. El resultado son películas con un ritmo vertiginoso, acompañadas por un sonido que acentúa todavía más el frenesí de la película. La que más emoción me ha generado, ha sido Breakaway; son 6 minutos de video totalmente cautivador, en el cual una modelo (Toni Basil) se mueve y baila al ritmo de la canción homónima; un himno al cuerpo visto como un instrumento para sentirse libres; una experiencia que no es fácil olvidar; un estilo luego copiado pero difícilmente alcanzado por muchos directores de videoclips.

Quien ama la fotografía, conoce y aprecia a Cristina García Rodero, una mujer capaz de estar donde ninguna otra persona se atreve a ir, además con una cámara en mano y haciendo fotos, para mostrar la esencia de ritos, pueblos, gente a través del sentimiento de las personas que retrata. En mi opinión en Tierra de sueños, su mirada ha seguido un proceso diferente, más pausado, más profundo y menos de “robo”; sus imágenes nos hablan sobre todo de mujeres en la India rural, de los olvidados entre los olvidados; de los marginados dentro de los inexistentes. Sus imágenes a tamaño natural y con unos colores brillantísimos, contrastan fuertemente con el contenido visualizado en las mismas, generando sensaciones fuertes en el espectador porque es como si un grito silencioso se adueñara de él. El efecto es que el espectador se siente inmerso in aquella tierra de sueños, hasta tal punto que pruebas la necesidad de ofrecer tu ayuda.

Asturias en la mirada de Chema Madoz

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Asturias, Chema Madoz, Conde Duque, Madrid

imagen de Chema Madoz – pertenece al sitio web de la exposición en el Conde Duque

Ir a una exposición de Chema Madoz es como volver a casa de tus padres. Sabes lo que te vas a encontrar pero deseas fuertemente ir, para volver a sentir emociones, olores y sensaciones profundas, que solo allí se pueden vivir. Me aproximé a la exposición “El viajero inmóvil” en el Conde Duque en Madrid (abierta hasta el 16 de Abril), con este deseo de “vuelta a casa” pero, lo que allí encontré fue otra cosa, igualmente emotiva, pero otra cosa. Se trata de la quinta edición de “Miradas de Asturias”, una iniciativa promovida por la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, en la cual se invita a un prestigioso fotógrafo, a ofrecer una mirada personal sobre aspectos de esta región. Hace dos años vi la edición en la cual la fotógrafa invitada había sido Ouka Leele; este año, la mirada sobre Asturias la ofrece Chema Madoz.

Normalmente, Chema Madoz empieza su recorrido conceptual desde la observación de un objeto, revelándonos nuevas perspectivas simbólicas que están encerradas en aquel objeto, muchas veces con un toque de ironía. En el caso de esta exposición, el autor ha hecho el recorrido invertido: ha convertido en objetos, un espacio geográfico, sus gentes, sus tradiciones y más en general, el concepto de Asturia que se sedimenta después de haber visitado aquella región. El resultado de este viaje ha sido una serie de fotografías en las cuales hay mucha mar, bosques, manzanas, madera; sus objetos creados recuerdan: el tiempo que corre y la lentitud del mismo; la unión del mare y del monte; el contraste entre el áspero tiempo atmosférico y el acogedor calor de sus gentes y de las casa en las cuales viven.

A pesar que el autor ha hecho el recorrido invertido respeto a lo que nos tiene acostumbrados, también a las fotos sobre Asturias, se puede perfectamente aplicar lo que Chema Madoz suele decir sobre sus creaciones: “mis fotos respiran en silencio; dejan ver la meditación que hay detrás de ellas” y a un espectador como yo, le toca “simplemente” ponerse las alas y dejarse llevar por los pensamientos y las sensaciones.

Aprovecho esta entrada sobre Asturias para sugerir de husmear en la obra de un fotógrafo Asturiano, fallecido recientemente y poco conocido, Eladio Begega, que ha dejado un impresionante legado de imágenes altamente emotivas que retraen la vida rural de la gente de Asturias; sus imágenes se dan la manos con las del Gallego Virxilio Vieitez que pude ver en una exposición en Madrid hace ya 7 años.

 

La Tortuga Roja

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Dibujos Animados, Esencia, Film, Tortuga

Casi nunca escribo entradas sobre películas (la última fue La sal de la Tierra, la pelicula de Wim Wenders sobre la vida de Sebastiao Salgado en Enero del 2015), porque desafortunadamente no tengo muchas oportunidades para ir al cine y también porque los contenidos de este blog me gusta mantenerlos lo más posible alineados a lo que he definido que fuera su alcance: “emotional photography, visual art and visual poetry”. La tortuga roja, la última producción de los míticos estudios Ghibli y dirigida por Michael Dudock De Wit, tiene todos los ingredientes tanto visuales como emocionales, para entrar de par en par en este blog.

Se trata de una película de animación en la cual no se dice ni una palabra, por lo tanto la potencia del mensaje es dejado exclusivamente a las imágenes, a los silencios, a los sonidos de la Naturaleza y a la música. Es un relato visual y emocional repleto de sensibilidad, de belleza y de espiritualidad, que pide al espectador calma y abandono para que su magnetismo se haga con nosotros y nos lleva a probar tensión, sorpresa, empatía, desgarro, tristeza, resignación conmoción; todas emociones de grandísimo calado que me han dejado como vaciado y “limpio”.

El mensaje que he captado es a la vez sencillo y extremadamente complejo si lo mapeamos con los valores predominantes de nuestra sociedad. Es la vuelta a la esencialidad, a lo que realmente cuenta en el ciclo vital del Hombre: la convivencia respetuosa con la Naturaleza en todo su esplendor y crueldad; la realización en los valores de la familia, del trabajo y del amor; la no necesidad de poseer mucho o “vivir a la grande” para poder alcanzar la felicidad; la perseverancia necesaria para realizar lo que se considere importante; la sabiduría en el aceptar con serenidad los eventos inevitables del ciclo vital; la belleza del más alto acto de amor altruista que un ser humano he llamado a hacer: cuidar, educar y preparar su descendencia, para poderle dar una vida propia y a menudo alejada del mundo en lo que han crecido y donde los padres normalmente se quedan.

Una gran película unos dibujos de una belleza sencilla y profunda, una narración basada en la empatía emocional sobre los grandes temas de nuestra existencia.