10 Friday Apr 2020
Cerdeña no es solo playa y mar…la parte interior de la isla reserva importantes sorpresas tanto paisajisticas como arquitecturales. La Basílica de Saccargia (del año 1100) es un perfecto ejemplo de estos tesoros.
30 Monday Mar 2020
Posted in Deep & Daily, Landscapes, Network & Nomadism, Sea, Silence, Travel & Reportage
En estos tiempos de coronavirus, viajar es una palabra prohibida, un pecado mortal, un reato penal. Esto nos enseña que algo tan embebido en nuestro DNA es realmente un dono precioso que deberíamos aprender a apreciar y a disfrutar en cada segundo que pasamos fuera de nuestras casas. En este sentido deberíamos además reflexionar sobre las modalidades con las cuales viajamos; tiene que primar el respeto hacia el lugar y sus habitantes; tenemos que acabar con la tentación de teatralizar todo, adoptando una actitud de aprendices y no de “conquistadores”; tenemos que limitar los selfies y el compartir inmediato de nuestras vivencias, para sustituirlos con el humilde acercamiento a la gente, a sus costumbres y a su cultura; más capacidad de escucha y menos afirmaciones tajantes hacia lo que vemos y vivimos. Ser más viajeros y menos turistas.
En estos tiempos de “Smart working”, también hay que hacer “Smart travels”. Os invito a hacerlo con la entrada que escribí para el blog de viajes “DosViajando” sobre Cerdeña.
A pesar de ser una isla, la población de la Cerdeña históricamente huía de la mar. La mar era la puerta abierta a las invasiones, incursiones, muerte, atrocidades, robos. La gente de Cerdeña, aprovechando de la orografía montañosa de la isla, prefería asentarse en el interior, donde era más fácil defenderse, avistar el enemigo sin que él se rendiera cuenta de ser visto y por lo tanto sorprenderle en emboscadas. Por lo tanto, la cultura ancestral sarda es una cultura de pastoreo, de silencios, de soledad, de pocas palabras. Su riquísima cocina prima la carne al pescado, el horno a la plancha, el queso al marisco, las calorías a la ligereza. Sus magníficos postres saben a miel, a queso, a almendras, a tocino. El mar está al alcance de todos en pocos kilómetros: se va, se disfruta de él y al final del día se vuelve a casa.
Para más detalles e imágenes de esta Cerdeña, os invito a visitar este link.
En mi nueva web tenéis la serie completa de imágenes sobre esta Cerdeña
09 Monday Mar 2020
Posted in Abstracto, Architecture, Awards, Deep & Daily, Events & Exhibitions, Galleries & Museums
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Arbóreo, Architecture, Awards, Barcelona, Events, Exhibitions
El día 3 de Marzo, en la Galería FotoNostrum en Barcelona se ha inaugurado la exposición relacionada a dos importantes concursos fotográficos internacionales: el 14º Pollux Award y el 14º Julia Margaret Cameron Award.
He tenido el honor y el inmenso placer de estar allí presente por la mención de honor que mi serie “Colored Phantasmagoria” ha obtenido en la sección “Abstract” del concurso Pollux Award y por otra mención de honor que la imagen “Lake of Arboreal Swans” ha obtenido en la misma sección.
Colored Phantasmagoria es una serie de imágenes hechas en el Mercat dels Encants en Barcelona. La Fantasmagoría es una estimulación de los sentidos obtenida al representar la realidad a través de la ilusión visual. Con mis imágenes me gustaría dejar a que la mente del observador se sienta libre para “volar” donde quiera ir, dependiendo de un recuerdo, un color, una emoción vivida, almacenada y redescubierta.
La imagen Lake of Arboreal Swans es una de las muchas experimentaciones que hago con los árboles. Estar frente a estos seres majestuosos genera en mí una sensación de armonía interna que se nutre de esta percepción de infinito que los árboles me transmiten. Utilicé la composición originalmente capturada, para crear un nuevo espacio tanto físico como emocional para intentar representar las sensaciones que los árboles generan en mí.
Volviendo a la inauguración de la exposición, ha sido un evento sobrio y elegante, en el cual primaban las imágenes y sus autores que llegaban de todas las partes del mundo y que allí han tenido la oportunidad de intercambio y contacto. Me gustaría aquí mencionar a algunos, cuyos trabajos me han especialmente atraído.
Snezhana von Büdingen con su proyecto Meeting Sophie
Cherlaine Collette con su proyecto Marvels
Jenny Evans con su proyecto Broken
…como siempre ocurre….después de un pico ahora me espera quizás una travers…como siempre ocurre… después de un pico ahora me espera quizás una travesada en el desierto…pero no hay alternativa…a continuar creando porque crear significa entrar en el reino de las posibilidades!
28 Friday Feb 2020
La Cerdeña tiene para mi el mejor mar del Mediterraneo y unos paisajes escondidos de una belleza sobrecogedora. Cuando estaba allí, rodeado por el silencio y una Naturaleza maravillosa, me sentía en el Paraíso.
Las maravillas de la Cerdeña os esperan en Photosatriani
14 Friday Feb 2020
31 Friday Jan 2020
Posted in Deep & Daily
Después de unas semanas en Italia, vuelvo a España donde visitaremos un rincón de la provincia de Huesca, para luego volver a Asturias. Estaremos en España durante un mes…
¡Jumping Spain os espera!
13 Monday Jan 2020
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Hasta el 26 de Enero en Tabacalera Madrid, se puede ver una exposición que me parece un grito de libertad. Se trata de FLORES del director de cine Pedro Almodovar e del pintor Jorge Galindo.
Flores es el resultado de un trabajo conjunto de los dos artistas que ha tenido como punto de partida las fotografías de bodegones de jarrones y flores que Pedro Almodovar lleva haciendo desde hace tres años.
En los videos que se pueden ver en la exposición, se puede apreciar la manera de trabajar conjunta de los dos artistas usando la pintura y los colores como medio para re-interpretar las fotografías originales y crear nuevos significados. A veces se ha tratado de diálogos entre los dos, otras veces de monólogos simultáneos que han provocado “fuegos artificiales” de colores en las gigantografías de las fotografías de Pedro Almodovar que estaba tiradas en el suelo o colgadas en las paredes del estudio de Galindo.
Lo que obtuvieron, son unas piezas de muy grandes dimensiones que, al verlas, me han trasmitido una fuerte sensación de libertad, de energía, de pasión, de danza creativa, de acción y que me empujó a hacer unas fotos de lo que estaba viviendo, usando la única cámara que tenía a mi disposición en aquel momento: mi móvil. Además, yo he siempre querido (sin poderlo realizar hasta al momento) que mis fotos fueran la base para que un pintor o un artista gráfico las interpretara, añadiendo y modificando mis imágenes. Por todo esto, en aquel momento me sentí muy compenetrado con la acción artística de Almodovar y Galindo y no pude resistirme en hacer fotos para añadir una interpretación más a los cuadros de los dos artistas y de como estos en mi opinión dialogaban con la arquitectura de las salas.
El resultado es un dialogo visual entre colores, energía, vida por un lado (las obras de Almodovar/Galindo) y abandono, tristeza y muerte por el otro (las salas “pseudo-abandonadas” de Tabacalera). Ambas dimensiones se refuerzan mutuamente en este juego de contrastes: los vivaces cuadros de Almodovar/Galindo adquieren por contraste todavía más fuerza vital y las salas de Tabacalera con sus arrugas, heridas, tuberías, adquieren una belleza arqueológico-futurista, casi épica.
10 Friday Jan 2020
Posted in Architecture, Deep & Daily, Il Venerdí di Photosatriani, Sea, Travel & Reportage
El verano pasado mi gran amigo Antonello nos regaló unos días en un sitio muy exclusivo en la Costiera Amalfitana. Estaremos dos semanas más en este lugar pero, quien quiera ver más, puede pichar aquí
30 Monday Dec 2019
De vez en cuando es bueno ser consciente de que hoy, de que ahora, estamos fabricando las nostalgias que descongelarán algún futuro. (Mario Benedetti)
Ha llegado el final de año, tiempo de reflexiones y de consuntivos; el año pasado no pude mantener la tradición de desear desde este blog un feliz año nuevo a través de una pequeña reflexión. La última la hice en el 2017 sobre la importancia de las imperfecciones en el proceso creativo. Este año es sobre la resiliencia en el proceso creativo.
Vivimos en un mundo tecnológicamente avanzado y emocionalmente primitivo, en el cual el sentir y el vivir están tan alejados que, en lugar de apoyarse, se obstaculizan. Este aspecto, genera la necesidad de sobre-ocupar el tiempo para no dar espacio a la introspección o a “dañinas” esquizofrenias emocionales.
Una manera para intentar realinear lo que vivimos con lo que sentimos es entrar en contacto con el arte o, todavía mejor, practicando el arte; no importa si bien o si mal, pero si se hace arte en la mejor manera que podamos, habremos creado algo a través de un proceso que necesariamente es introspectivo y que necesariamente nos obliga a bucear en nuestro caos reordenando ideas, pensamientos, sensaciones, recuerdos, miedos, experiencias.
Crear nos ofrece un escape, pero también desarrolla la empatía y nos permite apreciar lo que tenemos y lo que somos. Lo que a menudo olvidamos, es que antes de crear algo significativo o simplemente que sea capaz de trasmitir emociones en quien son los receptores de nuestra arte, hay que equivocarse ciento y cientos de veces y cientos y cientos de veces levantarse y perseverar en el sendero estrecho de la creación.
¿Por qué digo todo esto? porque estoy pasando por uno de los recurrentes periodos de confusión y desmotivación artística, en los cuales me olvido de mi legado, siento que siempre estoy persiguiendo, que llego tarde, que no soy capaz de proponer nada que tenga un eco en los demás. Son muchos los factores que me llevan a este abismo: un concurso fotografico en el cual había repuesto mucha ilusión que ha ninguneado mis obras; la sensación de pertenecer a un pelotón muy grande que muestra un pedaleo y una fuerza que no siento tener; la participación a un taller de un fotógrafo de éxito durante el cual visualizo la distancia entre lo que soy y lo que necesito aprender; el poco tiempo que puedo dedicar plenamente a la fotografía; la sensación de estar en el “borgiano” jardín de los senderos que se bifurcan y tener que optar siempre por el camino más torcido.
La pregunta que está siempre en el aire es: “¿para qué estoy haciendo todo eso?” ya sé que la respuesta más sensata es: “para mí, para mi disfrute”, pero en ella siempre se cuela algo de vanidad o simplemente el deseo de saber que mi mensaje alguien lo recibe y corresponde, creando así una comunicación a través del lenguaje universal de la fotografía. Cuando lo primero no es suficiente y el segundo no proporciona las respuestas deseadas, entonces, nace la disilusión, la insatisfacción, a veces el abandono.
Como dice Cristian Mihai en uno de sus innumerables artículos en el blog Irevuo, “la pasión tiene poco a que ver con la euforia y todo con la paciencia”. No se trata de tener un subidón, se trata más bien de resistencia, resiliencia y perseverancia. Se trata de equivocarse, de ser burlado, de pasar olímpicamente de lo que piensen y digan los demás, de dudas, de miedos, de rechazos, de silencios y de incomprensiones. Pero….,pero al final no hay mejor remedio que volver a intentarlo porque es lo que nos gusta hacer, porque ya sabemos que volveremos a quererlo una vez más. Es nuestra fuerza, nuestra manera de expresarnos, nuestro grito contra la soledad. Senza l’arte non moriremmo, ma ci sentiremmo meno vivi
Mis deseos para este nuevo año que arranca en breve, es para toda persona que no se cansa de luchar para que lo que creamos tenga un reflejo, un eco en los demás. FELIZ 2020!
Un parcial consuelo para mi es saber que lo que siento es algo común en las personas que crean y se expresan a través de alguna forma de arte. Invito todos a leer estos dos artículos que mi amiga Marcela Tinoco ha compartido en su página FB. Ambos escritos son de Carmen Reviriego que llega a mí misma conclusión, aportando un enfoque de quien trabaja en el mercado del arte. El primero es “El arte, una actividad solo para valientes”; el segundo es “Arte, el arma del futuro”
09 Monday Dec 2019
¿Que se obtendría si alguien nos fotografiara en el momento en el cual estamos mirando una foto en la cual otras personas están mirando una obra de arte que a su vez mira las personas que la están mirando?… esto es lo que he llegado a pensar cuando estaba inmerso en las salas del Guggenheim de Bilbao (hasta el 19 de enero) dedicadas a la fotografía de Thomas Struth. ¿Y si volviéramos a hacer lo mismo hasta el infinito? Obtendríamos un abismo de miradas que miran como cuando de pequeño, con mis primas, nos poníamos en el medio de dos espejos que se reflejaban en el cuarto de dormir de mi abuela, restituyéndonos un abismo recursivo de nuestras personas.
La retrospectiva que el Guggenheim de Bilbao dedica al fotógrafo Thomas Struth es realmente impresionante e imperdible; una importante cantidad de imágenes, agrupadas en un conjunto de temáticas que espacian desde el retrato a los paisajes, pasando por retratos a animales muertos, paisajes tecnológicos, casi macros y sobre todo imágenes que muestran miradas que miran en una mareante espiral en la cual quien mira pierde la orientación, hasta llegar a cuestionarse su propio rol en este cuadro de realidad “Escheriana”. A continuación, dejo alguna consideración sobre las series que más me han atraído.
Se trata de imágenes de grandísimo formato que retraen una selva “anónima” en todos sus detalles; se trata de fotografía inmersiva en el sentido que el espectador tiene la sensación de entrar en aquellos lugares y el proceso que se desarrolla no tiene nada a que ver con la contemplación visual, sino que se acerca más a un viaje meditativo o un viaje en el tiempo porque en nuestra mirada no tenemos ninguna referencia que pueda condicionar nuestra perspectiva o juicio.
Esta serie y en particular las imágenes de los laboratorios de investigación espacial, plantas de energía nuclear, laboratorios tecnológicos, quirófanos y plataformas de perforación, son para mí la pieza más fuerte de toda la exposición. El artista ha fotografiado con muchísimo cuidado, detalle, curiosidad y con una fabulosa capacidad de observación y síntesis de espacios complejos: estaciones de trabajo, experimentos científicos e híper-tecnológicos, nuevos desarrollos, investigaciones, procesos de medición e intervenciones que, en algún momento futuro, de forma directa o indirecta, entrarán en nuestras vidas y cambiarán su curso. Se trata de lugares e infraestructuras que normalmente nadie ve porque nadie puede acceder a ellos que, bajo la interpretación visual del fotógrafo, adquieren una insospechable belleza visual hecha de formas, colores y complejidad. Thomas Struth se enfoca en experimentos complejos cuando todavía son prototipos, para transmitirnos la importancia del enfoque “prueba y ensayo” como herramientas para transformar la sociedad contemporánea y explora la estética de la vanguardia tecnológica, la experimentación y la innovación en la actividad humana.
Para mí, la segunda serie más impactante presentada en el Guggenheim es la que retrae los animales tenidos en cautividad y muertos por causas naturales, antes que les hicieron la autopsia en el instituto zoológico Leibniz. La primera sensación que he tenido es de rechazo. Luego me fijé en la dignidad que desprendían estos animales y que fue una clara intención de Struth, a través de poses cuidadosamente buscadas y con una toma desde el alto. Deteniéndome delante de estas imágenes, me fijé luego en pequeños detalles de desgarro en la exterioridad de estos animales que muestran la fragilidad y la sacralidad de la vida, ofreciendo una imagen del pasaje entre la vida y la muerte.
