CONTEMPORANEA: arte e identidad

Tags

Anna Rivelli, Basilicata, Contemporanea, Exhibitions, Exposiciones, Matera, Potenza

Exposición Contemporanea
Museo Acheologico Potenza (Basilicata)

 

Recién llegado de mis vacaciones Navideñas en Basilicata, estaba reflexionando sobre las oportunidades artísticas que mi tierra me ha ofrecido durante mi breve estancia. Sin lugar a dudas, cabe destacar que, a partir del 1 de Enero del 2019, Matera es Capital Europea de la Cultura; esto conllevará un conjunto de eventos a lo largo de todo el año que conviene tener en consideración, para planificar alguna escapada o una estancia más larga en esta ciudad (Matera) y en esta región (Basilicata), que merece un viaje enfocado al descubrimiento pausado de tesoros escondidos en la “marginalidad” en la cual la Basilicata ha sido relegada por demasiado tiempo.

Esta vez también he vuelto a visitar Matera y allí he hecho más fotografías de “I Sassi” que revelaré con ritmo pausado para ir enriqueciendo la serie que dedico a la Capital Europea de la Cultura 2019.

 

I Sassi di Matera
fotografía: Giuseppe Satriani

Este artículo quiero pero dedicarlo a una exposición que he podido ver en el Museo Arqueológico de Potenza y que estará en Matera desde el 16 de Febrero hasta el 10 de Marzo  en el “Ex ospedale San Rocco”. Se trata de la exposición CONTEMPORÁNEA, sobre la generación 1930-1960 de pintores e grabadores Lucani, ideada, realizada y comisariada por Anna Rivelli. Se trata de una exposición que tiene una doble vertiente: por un lado tiene el mérito de recopilar en un único espacio físico, muchas obras de arte visual que, por geografía y por la escasa atención de las entidades públicas locales, nunca habían compartido un mismo espacio y nunca habían llegado a representar una región Italiana a menudo olvidada, a veces hasta con la complacencia de sus gentes; la segunda vertiente de esta exposición es para mí el grito violento y decidido de identidad de un territorio que, al mismo tiempo representa también un claro proyecto de futuro.

Como la misma Anna Rivelli escribe en el magnífico catálogo de la exposición: “la marginalidad geográfica de la Basilicata puede haber incidido negativamente sobre la visibilidad de los artistas, pero seguramente no en la sustancia de sus obras; porque no puede existir ninguna marginalidad allí donde existe el pensamiento del “Hombre”.

Lo mío es una invitación a descubrir la Basilicata, sus tesoros paisajísticos y artísticos, empezando con la exposición CONTEMPORANEA, de la cual he extraído una serie de imágenes de algunos de los autores allí presentes. He elegido aquellas obras con más cercanía a la fotografía, a las cuales he añadido aquellas obras que más impacto emotivo han provocado en mi cuando he visitado la exposición.

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

Advertisements

4km de Fotografía en Madrid

Tags

Fotografía, Madrid, Prado, Restaurantes

Se habla muchas veces de la “milla de oro” pero ¿Qué os parecería si en lugar de una, fueran dos y media las millas de fotografía que se pueden disfrutar este Octubre en Madrid? Es una oportunidad única para ver grandes maestros de la fotografía entre los cuales 12 premios nacionales de fotografía en tan pocos kilómetros. Se trata de cinco exposiciones en cinco espacios expositivos de grande atractivo, que reconciliarían hasta la persona más insensible, con la belleza y el acto creativo. De estas cinco exposiciones, dos (Terré en el Canal Isabel II y Chema Madoz en la galería Elvira González) cierran a principio de Noviembre, las otras tres, se podrán visitar hasta el principio del año nuevo.

No vivo en Madrid, pero allí voy a menudo por trabajo; esta vez he pensado en un plan de visitas que combina la trascendencia del arte (entendida como la capacidad que tiene el arte de hacernos pasar de un ámbito a otro, atravesando el límite que los separa), con la concreción de la comida. ¡De esta manera he querido enriquecer el placer visual con un placer algo más…visceral!

Ricardo Terré (Canal Isabel II) – la fotografía que se encuentra en el siempre impactante escenario de la torre del agua del Canal Isabel II es una fotografía directa, sensible, de gestos, de saber mirar, de saber encontrar en la normalidad la chispa de la belleza que atrapa porque nos permite identificarnos en lo que vemos. Es lo que hoy en día se identifica como fotografía documental intimista, en la cual “la lucha diaria” no se ve, pero es latente en los instantes inmortalizados, en los cuales siempre hay un detalle (el famoso “punctum” de Barthes) que nos permite conectar con el momento retratado. A esta exposición asocié el restaurante “El ingrediente” que ofrece una comida delicada, pero con carácter que se puede degustar también en forma de medias raciones. Una comida que mucho definirían de fusión pero que en mi opinión es mejor no encasillar porque lo que se encuentra allí son platos que exaltan las mezclas de sabores y que el solo paladar puede definir; platos en apariencia de “toda la vida”, que encierran siempre algún ingrediente inesperado que les da el toque de unicidad.

Chema Madoz (Galería Elvira González) – Una puesta en escena diáfana en un espacio diáfano es, en mi opinión, el gran acierto de esta exposición porque así se exaltan las fotografías del artista que necesitan de espacio mental para ser interpretadas por cada visitante, más allá del primer impacto que suele pintar una sonrisa entre ironía, sorpresa y fascinación para la genialidad juguetona del autor. El mundo de Chema Madoz es el mundo del improbable que no llega ser imposible, usando objetos tan comunes que nadie pensaría que pudieran tener otra vida en un mundo paralelo. En este sentido, considero que exista un paralelismo conceptual entre Chema Madoz y Escher. A esta exposición asocié el restaurante “Mama Campo” que ofrece una comida ecológica en la espléndida plaza Olavide, con mesas tanto en el interior, como en el exterior. “Higos, sardina ahumada y crema de idiázabal”, el “poke de atún y ají amarillo”, o los “mezzi paccheri con ragout de rabo de ternera” son un ejemplo de una combinación de platos inolvidables.

Humberto Rivas (Fundación Mapfre-Sala Barbara de Barganza) – desconocía por completo este autor, pero su obra me ha impactado tan fuertemente que me ha generado la necesidad de profundizar en su legado. Sus paisajes urbanos sin personas retratan esquinas de calles o edificios abandonados aparentemente sin interés, que su mirada transforma en lugares llenos de misteriosa belleza y desconcertante seducción. A mí me han especialmente fascinado los paisajes a colores que el retrataba usando tiempos largos de exposición e imprimiendo las fotos en Cibachrome (papel fotográfico ad elevado contraste), obteniendo al contrario, unos sorprendentes colores muy tenues y poco contrastados, tanto que la impresión que se tiene es como si alguien hubiera pintado las calles para luego dejar desteñir el color con el paso del tiempo. En las antípodas de lo que acabo de describir están sus retratos completamente aislados del contexto vital de los modelos, para los cuales usaba una luz muy dura y directa. Para mí son sublimes los retratos a los muñecos abandonados y encontrados en algún rincón callejero. A esta exposición asocié el restaurante indio “Tandoori Station” en el cual se pueden degustar unos curries realmente especiales y unos tandoori muy logrados, siempre acompañados por una gran variedad de diferentes panes y/o arroces. Una mención a parte merecen dos complementos: el Raita (yogur con tomate, pepino y cebolla) y sobre todo el Achar (salsa de mango verde, guindillas, lima)

12 Fotografos en el museo del Prado (Edificio Villanueva, galería baja norte) – doce premios nacionales de fotografía han sido invitados (para conmemorar el bicentenario de la institución) a proporcionar su particular visión del museo o de sus obras y ofrecernos, a través de sus miradas, nuevas perspectiva y nuevos estímulos para visitar este museo. Es muy llamativo que un museo como el Prado, haya elegido la fotografía como medio expresivo para conmemorar su bicentenario; algo realmente halagador para la Fotografía porque demuestra la potencia de su lenguaje comunicativo, a pesar de la banalización a la cual está sometida, por la inundación visual a la cual estamos sometidos diariamente. Esta misma razón quizás explica el porque el Prado ha decidido hacer pagar el billete completo del Museo (15€) para poder disfrutar de estas obras fotografías; en mi opinión, esta elección limitará y mucho la difusión de esta iniciativa, más allá de las personas que ya iban a visitar el museo. Bueno, quizás alguien (como yo) se anima a volver al Prado porque haya esta exposición, pero me parece que esta no va a ser la elección de muchos (existe siempre la posibilidad, “chupándose” largas colas, de entrar gratis casi todos los días en las dos últimas horas de abertura del museo). De las obras expuestas, destacaría los delicadísimos y a la vez impactantes bodegones de Pilar Pequeño, mi maestra y sobre todo maestra de la luz natural; las múltiples exposiciones de partes de un mismo cuadro que Alberto García-Alix reconstruye en una única imagen que contiene una gran fuerza magnética y de dolor; las perspectivas enmarcadas por puertas entreabiertas de cuadros de condotieros que parecen invitarnos a entrar en su época y en su historia de Bleda y Rosa; los paisajes collages de Javier Vallhonrat sobre suelos de bosques que el fotografió y habitados por elementos naturales extraídos de cuadros presentes en el Prado; los espacios vacíos, contenedores de ausencia de Aitor Ortiz. A esta exposición asocié el restaurante Chuka que, en un entorno informal pero acogedor, ofrece ramen, gyozas y varios tipos de dim sum, riquísimos ejemplos de la mezcla entre la cocina china y japonesa. Para mí, ¡IMPERDIBLE!

Luigi Ghirri (Museo Reina Sofía) – se trata de una retrospectiva muy amplia sobre la obra de este fundamental fotógrafo italiano. Todavía no he tenido la oportunidad de visitarla, por lo tanto no proporciono ninguna opinión, limitándome a señalar la exposición como una oportunidad que no se puede desperdiciar. Tenemos tiempo hasta el 7 de Enero. Aquí también hay que pagar el ingreso al museo (10€) pero se puede aprovechar para disfrutar también de la exposición siempre fotográfica sobre el grupo Afal y sobra Dorothea Tanning. Cuando iré al museo para ver esta exposición, seguramente aprovecharé para volver a la Taqueria del Alamillo, un mexicano de gusto y con carácter, que dispone de una pequeña terraza en unos de los rincones de Madrid que más me gustan.

GETXOPHOTO: ¡jump Trump!

Tags

Euskadi, GetxoPhoto

Si tuviera que encerrar en una imagen GetxoPhoto2018, no tendría ninguna duda en asociarlo a la performance popular sobre la obra de Erik Kessels y Thomas Maialaender. Del 6 al 9 de septiembre había la posibilidad de “vengarse” del hombre que, con su gran sabiduría y “buen hacer”, quiere arreglar el mundo basándose únicamente en SU verdad, fundamentada por “fake news” e intereses personales y pasándose por alto instituciones, reglas, leyes y convivencia. Un salto para golpear allí “donde más duele” en la cara de Trump.

¿Qué tiene a que ver todo esto con un festival de fotografía? Creo que es en la naturaleza de GetxoPhoto, explorar las diferentes maneras de acercar el arte visual a la gente que pasea por sus calles. Considero muy acertadas estas iniciativas porque la fotografía tiene siempre que transmitir un mensaje de belleza, pero también tiene que evocar emociones, denunciar, contar historias, provocar. Si se puede interactuar con las imágenes, todo esto se transforma en algo tangible y por lo tanto más efectivo.

El tema de esta edición de GetxoPhoto (hasta el 30 de septiembre) es muy exigente: “Postconflicto: reformulando el diálogo”; en mi opinión, no es un tema adecuado para una manifestación pensada también para la gente que no necesariamente entienda o es amante de la fotografía (digo esto porque estando muchas de las imágenes al aire libre, esta situación se puede dar a menudo). Continúo pensando que GetxoPhoto tiene que perseverar y potenciar el “corte popular”, porque es lo que lo distingue respeto a otros miles de festivales de fotografía que proliferan por el mundo. En este sentido, la edición de este año, no es seguramente una de la más logradas; hay imágenes en los lugares al aire libre que no pueden ser retenidas por una mirada distraída de los transeúntes porque, para ser apreciadas, necesitan un entendimiento de lo que hay detrás de las imágenes, del sustrato conceptual que las sostiene. Personalmente pienso que en la calle habría que poner imágenes visualmente atractivas, que evocan o despiertan emociones con un mensaje visual epidérmico en el cual la belleza visual tiene que primar a lo “conceptual” del autor. Dicho en otras palabras, la imagen visualmente atractiva, tiene que provocar la curiosidad en el transeúnte para querer descubrir lo que hay detrás, y no al revés porque, en este caso, estaríamos alejando la fotografía de la gente. El riesgo es lo de generar la idea que los fotógrafos ya no saben hacen hablar las imágenes por sí solas, si no que necesitan a soporte de las imágenes, un discurso escrito porque, sin este último, la misma imagen pierde gran parte de su significado y belleza.

El tema de esta edición prima trabajos conceptuales que solo la intimidad de una sala, en la cual haya un texto y otros soportes que proporcionar una explicación del trabajo, permite al mensaje del autor llegar a quien mira su trabajo. ¡Con esto no quiero decir que no veo bien que se hagan exposiciones en lugares cerrados, al revés! Me parece que esta dualidad “indoor/outdoor” da la posibilidad de multiplicar la oferta visual, solo que las imágenes para los exteriores deberían estar pensadas para que la gente se enamore de la imagen y que este enamoramiento les conduzca a entender más del trabajo del autor (y no al revés).

Magnificos ejemplos de lo que quiero decir, los encontramos en los trabajos: “When I am Laid in Earth” de Simon Norfolk o “Home” de Gohar Dashti (ambos en Ereaga hondartza).

 

Decidir cual ha sido para mi la mejor exposición, ha requerido un cierto tiempo de reflexión. Para elegir mi preferida, descarté al final las dos exposiciones sobre la guerra civil: “Ellos y Nosotros” de Sofía Moro (una serie de dípticos con retratos en ByN de supervivientes de ambos bandos) y “El laberinto mágico” de Julián Barón (imágenes sobrepuestas que recuerdan el formarse de los recuerdos). Ambas están magistralmente ambientadas en Punta Begoña, integrándose a la perfección con los locales decadentes, que encierran un suntuoso pasado y un presente hecho de recuerdos.

“Sand Castles” de Markel Redondo es la exposición (en la Sala Amezti) que considero mejor de todo GetxoPhoto. Encierra un mensaje de fuerte denuncia hacia la pasividad de las autoridades que han permitido que la especulación edilicia antes de la crisis del 2008, generara ciudades fantasmas que hoy se derrumban como castillos de arenas; además, tanto el video como las imágenes (tomadas con un dron), son estéticamente muy atractivas y capturan la mirada del visitador, haciéndonos reflexionar e indignar de la mala gestión de ciertas autoridades que llenan sus bolsillos sin el respeto de la “cosa” y de la opinión pública.

En esta edición destacaría también el nuevo, magnífico panfleto que ilustra las localizaciones de las exposiciones y el horario en el caso de las exposiciones “indoor”; contiene además todas las iniciativas planificadas y una pequeña presentación de cada una de los autores y sus obras. Otra cosa muy positiva que hay que señalar, es la primera convocación de una “Open Call” en la que, cualquier autor podía presentar su propuesta sobre el tema Postconflicto. Ha ganado la serie “Margin of Excess” de Max Pinckers, una denuncia delle “fake news” y de como un cierto tipo de prensa las usa para sacar beneficios.

Continúo a pensar que la sede elegida para exponer las imágenes seleccionadas de la participación popular (PoP), es totalmente equivocada; el aula de cultura está totalmente fuera del circuito y por lo tanto olvidada por la gran mayoría de los visitadores. Esto constituye para mí una afrenta para los aficionados que han querido contribuir con sus propias fotografías a este evento. Es el segundo año que lo subrayo, pero a nadie parece importarle mucho…

 

20.000 horas de revuelo

Tags

Discapacidad Intelectual, Madrid, PhotoEspaña

La discapacidad intelectual es un mundo infinito en el cual normalmente se entra, cruzando un espejo. ¡Si!, un espejo en el cual antes de todo nos reflejamos las personas que nos definimos “normales” y luego, a través de este “espejo liquido”, accedemos a un mundo increíble, lleno de sorpresas y de misterios. El viaje que nos espera necesita mucha dedicación, paciencia, perseverancia, amor, abertura mental, empatía, pero en el recibimos enseñanzas, perspectivas diferentes sobre la vida y sobre lo que realmente importa, esencialidad, sinceridad y mucho, muchísimo amor. Todo esto lo digo como padre de un chico con Sindrome de Down y es con todo esto en el corazón, que quise visitar la exposición (dentro PhotoEspaña18) “Al borde del aeropuerto” en el Centro Cultural Gloria Fuentes en Barajas (hasta el 28 de Agosto). El autor se llama Antonio Martín “Michael” y es una persona con discapacidad intelectual que por más de 20 años ha retratado sus vecinos del barrio de la Alameda de Osuna en Madrid y sus compañeros del centro ocupacional de Envera. Sus retratos son francos, directos, solares como posiblemente es su manera de ver el mundo y las personas (llego a esta conclusión, extrapolándola desde la perspectiva que también tiene mi hijo hacia el mundo que lo rodea). Para alcanzar el resultado obtenido por Michael, tan desenfadado y a la vez preciso, habrá seguramente ayudado su manera de aproximarse a la gente y la predisposición de la gente a abrirse delante una persona con diversidad funcional.

La característica común de todas las imágenes hechas por “Michael” es que sus modelos están siempre sentados; sería muy interesante entender el porqué de este punto de vista que usa el autor para retratar a sus modelos; además las personas retratadas están sentadas siempre sobre un mismo cojín que el mismo les ofrece.

El conjunto de las imágenes expuestas constituye una excelente memoria visual del barrio y de sus protagonistas, una colección de instantes de vida desde el punto de vista de una persona con discapacidad intelectual, que nos ofrece aquellos instantes que él ha decidido y querido recordar, pero creo que, por encima de todo, las imágenes de “Michael” enseñan las capacidades de esta persona y (como el mismo panfleto de la exposición dice), representan el triunfo sobre el desconocimiento y la incomprensión.

También los modelitos de edificios que se ven en las fotos que comparto, son obra de la paciencia y de las capacidades de “Michael”

 

 

No todo lo que podría revelarse hay que revelarlo

Tags

Blanca Berlín, Museo Romanticismo, PhotoEspaña

No sé cómo arrancar este artículo. Me llegan a la mente un montón de posibilidades, pero ninguna muy convincente: el bombardeo visual al cual estamos sometidos en la era de la fotografía digital, pide a gritos la vuelta a un proceso basado en la tradición en el cual las imágenes se vuelven tangibles y tocables; mi dilema creativo permanente que me columpia periódicamente entre la fotografía a alta definición y la fotografía evocadora; la experimentación fotográfica enfocada a encontrar formas y soportes innovadores respeto a los habituales para inventar maneras alternativas de comunicarse a través de la fotografía. Desarrollar cualquiera de los temas enunciados anteriormente, me permitiría tener un marco teórico y general para luego hablar especificadamente de dos exposiciones que vi en PhotoEspaña 2018 y que en definitiva son el objeto principal de este artículo y la causa de mis elucubraciones con las cuales quería arrancar este artículo. Así que lo mejor es empezar a hablar justo de las dos exposiciones que han sido el origen de todo esto.

En la Galería Blanca Berlín (hasta el 8 de Septiembre), Alberto Ros expone “El camino del tao”. El tao es “el origen”, es un camino circular por el cual todos transitamos hasta ser reabsorbidos por él. Es por lo tanto un concepto muy relacionado con la Naturaleza Madre. Pero no es de la base teórica usada por Alberto Ros para su trabajo, que quería hablar. Lo que me fascinó de esta exposición fue la técnica usada por el artista para obtener sus imágenes. El “clorofilotipo” es un proceso que es parte de la antotipia, que usa extractos de plantas para el revelado a contacto, de las imágenes. En el caso del “clorofilotipo”, se usa la misma clorofila contenida en las hojas, come superficie sensible en la cual revelar las imágenes, a través de un lentísimo proceso de transferencia por contacto de la imagen, desde el soporte fotográfico original a la hoja que actúa como papel fotográfico, gracias a la exposición a la luz solar. El resultado son piezas visuales únicas sobre hojas, que revelan imágenes evocadoras, que generan una sensación de paz y serenidad, a la vez que un deambular de la mente a la búsqueda de algún vivido personal para asociarlo con esa imagen efímera revelada en la hoja y que nos ha obligado a pensar.

En el Museo del Romanticismo (hasta el 23 de Septiembre), expone “La experimentación pictorialista” de Tomás de Acillona. En este caso estamos hablando de fotografía experimental entre el 1920 y el 1950 usando la técnica de la goma bicromatada que de Acillona perfeccionó junto su amigo músico Andrés Isasi. Lo que me gusta pensar es que, a pesar de que los críticos atribuyen a de Acillona más bien méritos por la maestría que había llegado a tener en el proceso técnico de revelado, la colaboración con el amigo músico, había contaminado también al fotógrafo que elegía los sujetos para transmitir determinadas emociones que el sentía y no solo porque necesitaba “material” para refinar su dominio de la técnica de revelado. Es verdad que sus imágenes espacian desde los retratos hasta los bodegones, pasando por el paisaje y hasta el reportaje, en mi opinión, en las imágenes de la exposición comisariada por Mikel Lertxundi Galiana, existe como un factor común hecho de silencio y soledad (para nada negativa).

Poniendo a factor común las dos exposiciones, me parece poder afirmar que en ambos casos se trata de fotografía experimental volcada a conseguir imágenes evocadoras en las cuales el verdadero “revelado” es solo parcialmente obtenido en el proceso técnico; parte de este proceso ocurre en nuestras mentes a través de nuestros pensamientos evocados por algún aspecto visual que ha capturado nuestra atención en la imagen que vemos. De esta manera, nuestras mentes revelan con nitidez algún aspecto y dejan en la vaguedad otros, sumando una nueva unicidad en las ya únicas piezas artísticas que estamos mirando. Este proceso inconsciente, me recuerda mucho el proceso muy consciente que el fotógrafo hace cuando trabaja en una imagen a alta definición para revelar con luz algún detalle que permite subir a dimensiones superiores una imagen de por sí muy bella y dejando deliberadamente en la sombra o en un segundo plano otros detalles que no queremos que se revelen.

Para quien ama la fotografía en soporte no digitale, recuerdo que, cada mes de Mayo, en Vilassar de Dalt y en Barcelona se organiza REVELA’T; en la edición de este año también mi amiga Conchi Martínez ha participado con su Cuaderno de Viaje.

 

 

Disfrutar de PhotoEspaña 2018, sin morir en el intento

Tags

Exhibitions, Exposiciones, PHE, PhotoEspaña

PhotoEspaña es un evento con una magnitud siempre más grande; Madrid sigue siendo la sede principal, aunque este año PHE18 (hasta el 26 de Agosto) tiene hasta 20 sedes en otras ciudades distribuidas geográficamente no solo en el territorio nacional si no en todo el mundo. Aunque nos quisiéramos limitar al solo Madrid, los 64 lugares que albergan las exposiciones son demasiados para poder disfrutar de la totalidad de ellas. Este aspecto, se hace todavía más inmanejable para alguien como yo que no vive en Madrid. ¡Así que no hay más remedio que planificarse! Comparto mi manera de hacerlo, considerando que tenía a disposición un día entero y unas cuatro horas más distribuidas en dos tardes a partir de las 18h.

El punto de partida es sin lugar a duda la web de PHE18 en la cual se encuentran descritas todas las exposiciones del evento, estructuradas en las cuatro categorías: Carta Blanca, Sección Oficial, Festival Off y Sedes Invitadas. La comisaria de esta edición de PHE es Cristina de Middel que ha elegido como tema “el juego”.  Un tema “rompedor”. Jugando se pueden crear realidades imposibles o romper las reglas vigentes y los prejuicios sin sufrir las consecuencias de ser abiertamente revolucionario. Como dice la misma de Middel: “el juego y la fotografía están ambas alejadas de la verdad”.

Volviendo al trabajo de planificación de la visita, como decía con anterioridad, el punto de partida tiene que ser la web de PhotoEspaña; el sitio continúa a ser muy poco amigable, con una navegación compleja y a veces ambigua y sobre todo con unos contenidos sobre las exposiciones que a veces no ayudan en la tarea de entender de antemano lo que nos vamos a encontrar: esto vale tanto para la parte escrita, pero sobre todo por la parte visual: hay muy pocas, poquísimas imágenes de cada exposición.

Una vez finalizada la tarea exploratoria de las diferentes propuestas expositivas, (lleva su tiempo), tenía más o menos claro las exposiciones que me interesaban y aquellas de las cuales habría podido prescindir. El siguiente paso fundamental, es bajarse e imprimirse el utilísimo plano de las exposiciones en el cual he ido redondeando con un círculo azul todas aquellas exposiciones que había seleccionado en el paso anterior.

Una vez hecho este trabajo, a un simple vistazo del plano, se puede apreciar la distribución de las exposiciones seleccionadas en el espacio y así es fácil agruparlas por cercanía física. En mi caso están claramente definidos:

• Un claro aglomerado principal (en rojo en el mapa que adjunto) con un anexo lateral (en marrón)
• Dos otros microcircuitos independientes (en verde y en naranja en el mapa)
• Un punto aislado (en rosa en el mapa)

 

Estos aglomerados me han permitido además definir la prioridad de visita: el circuito rojo primero (con la opción del “anexo” marrón), el circuito naranja como segundo (porque me interesaban las impresiones en hojas, expuesta en la galería Blanca Berlín); el circuito verde como tercero. Definido el macro-orden, el siguiente paso ha sido definir una secuencia dentro del Circuito Rojo; para esto es imprescindible volver al sitio web de PHE para conocer los días y los horarios de abertura de cada exposición. El resultado final de este trabajo es el recorrido que se puede ver en la imagen de arriba.

Escribo esta entrada después de haber podido dedicar el día entero a mi disposición y unas dos horas más, visitando las exposiciones de PHE18 de acuerdo con el plan que me hice. Más abajo, comparto una tabla con los detalles sobre las exposiciones visitadas y mis juicios, de acuerdo con mis personalísimos criterios de gusto e interés. A continuación, las galardonadas (por Photosatriani)…

A las exposiciones visitadas, he añadido la visión de la película “La línea de sombra”, un bellísimo retrato de Alberto García-Alix, un revolucionario visual. Una película hecha con mucho respeto y compenetración, además que con mucho saber hacer por Nicolás Combarro Esta película se proyecta en los Cines Renoir Princesas cerca de Plaza de España (pases a las 16.10-18.30-20.30 y 22.30), vale absolutamente la pena irla a ver (aunque cuando fui, había solo 6 personas en la sala, un pena!)

Espero que mi experiencia y mis sugerencias puedan servir para organizar vuestra visita a PHE18 y para optimizar los tiempos. Por encima de todo, no olvidéis de disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente feliz. Cualquier comentario o añadido respeto a mis sugerencias, será siempre bienvenido.

 

Forest Fascination

Tags

Alberi, Árboles, Logroño, Museo, Trees

image by Photosatriani

Me encanta descubrir pequeños tesoros en la provincia. Las grandes ciudades tienen miles de oportunidades para enriquecer el alma a través de la cultura; en la provincia, estas oportunidades son siempre inferiores en cantidad, aunque a veces compiten en calidad con aquellas presentes en las urbes. En el polígono industrial de Agoncillo (a las puertas de Logroño), la empresa Würth (que tiene allí su centro logístico para la zona Norte), inauguró en el 2007 uno de los 16 espacios distribuidos en diferentes países europeos dedicado al arte y la cultura. El Museo Würth es un edificio con una arquitectura elegante y transparente y se ubica a lado del almacén de la empresa alemana.

La historia de la humanidad está íntimamente ligada a los bosques, a través de una dualidad de visiones que encierran sensaciones de refugio y de misterio; de vida y de muerte, de libertad e introspección. La propuesta expositiva actual del Museo Würth: La llamada del bosque, árboles y madera en pintura y escultura de la colección Würth (hasta el 28 de Abril del 2019), ofrece un recorrido, hecho de 100 obras entre pinturas y esculturas, para aproximarse a esta doble visión de los bosques y para hacernos reflexionar sobre la importancia de los mismos, tanto como lugares de paz, cuanto como elementos fundamentales para nuestra sobrevivencia.

La imagen de abajo es una interpretación personal de una magnífica obra de Robert Longo (presente en la exposición de Logroño) de un bosque pintado con carboncillo. Al verse, el cuadro parece una fotografía por su realismo visual. La imagen, se trata de una toma fotográfica en la cual, aprovechando los reflejos generados por el cristal del enmarcado, he introducido una figura humana en el bosque de Longo, subrayándola con una luz azulita que contrasta con la niebla que reina en el bosque.

 

La “no-fotografía” de Thomas Nölle

Tags

Exposiciones, Madrid, Museo Romanticismo, Nölle

Imagen de Giuseppe Satriani

La última vez que estuvo en el Museo del Romanticismo en Madrid, me enamoré de la visión evocadora de la fotografía de Miroslav Tichý en la edición 2016 de Photoespaña. Cuando vi que el mismo museo proponía una nueva exposición fotográfica (By the Way de Thomas Nölle, hasta el 15 de Abril) pensé que no podía perderme esta nueva cita, alentado además por el hecho que en el panfleto ilustrativo de la exposición, se define el trabajo de Thomas Nölle como un “ensayo visual sobre la experiencia momentánea de la mirada en tránsito sobre el paisaje”.

Antes de hablar de la exposición, me gustaría denunciar el muy malo horario de apertura del Museo del Romanticismo, más bien apto para quien trabaja a tiempo parcial que para aquellos que trabajamos a jornada completa. Un horario invernal, aunque sea continuado, de las 9.30 a la 18.30, dificulta mucho visitar el museo durante la semana laboral.

La exposición está en una sala lateral del museo y no se necesita pagar la entrada. El autor ha también derivado un libro de este trabajo y en este libro Norval Bitello, define este ensayo como un ejemplo de “no-fotografía”, en el sentido que la cámara es como si se transformara en pincel y pintura de imágenes interiores.

Las imágenes expuestas se basan en la huella que la luz deja en el sensor de la cámara cuando hay movimiento, o bien del artista en la toma, o de lo elementos retratados. Las sensaciones que estas imágenes transmiten, tienen a que ver con la inmaterialidad, la volatilidad, la transitoriedad, la fluidez, la fugacidad; son románticas en el sentido que activan una cierta nostalgia no bien definida pero que tiene a que ver con lo vivido de cada uno, con la sensación de plenitud que a veces conseguimos vivir en los momentos mágicos de nuestra vida. Las imágenes de Nölle se alejan del realismo e invitan a permanecer en el rectangulo de la fotografía, para arrancar un dialogo entre el paisaje y el mundo interior del espectador. Un proceso totalmente contrario a lo que diariamente estamos sometidos por la avalancha de instantaneas que estamos acostumbrados a absorber fugazmente.

La exposición y las imágenes de Thomas Nölle no constituyen una obra maestra, pero seguramente son una oportunidad para ensimismarse y entender que la nitidez, la inmediatez, la historia no son necesariamente elementos esenciales para comunicarse visualmente con los demás; que existen muchos mundos visuales paralelos y cada uno de ellos es una dimensión en la cual los espectadores tienen la oportunidad de reflejar sus propias emociones, en un viaje de conocimiento a veces documental, a veces estetico y otras veces evocador.

Yo mismo, hace muchos años tuve una etapa fotográfica de este tipo; aquí presento una pequeña serie de no-imágenes hechas por mi

Ninguna de las imágenes de la galería está hecha por Thomas Nölle; las imágenes pertenecen a la serie “Presenze” de Giuseppe Satriani

La ciudad de la Luz

Tags

Autochrome, Cinema, Fete Lumieres, Hermanos Lumiere, Lyon

©Photosatriani

Os quiero contar una historia que he vivido recientemente. Una historia hecha de coincidencias que mágicamente se cruzan y que piden ser aprovechadas porque parecen ser propuestas por el “aliento del Universo” que conspira para que disfrutemos.

En Octubre, en una de mis noches Madrileñas de trabajo, decidí ir al cine y, después de mucho pensar, me decanté por algo relacionado con el arte visual; elegí ¡LUMIÈRE! Comienza la aventura de Thierry Frémaux. Una película BELLISIMA sobre el cinematógrafo de los hermanos Lumière. Esta pelicula es la secuencia de 158 “micro-peliculas” hechas entre los finales del ‘800/comienzos del ‘900 por los hermanos Lumière, que han sido recuperadas y restauradas por el Institut Lumière de Lyon. Thierry Fémaux, director de este instituto y además director del Festival de Cannes, ha recopilado con maestría estas películas, las ha estructuradas en “capítulos” y además proporciona la voz fuera de campo, que nos conduce en la exploración de los primeros pasos del cine y nos revela detalles que iluminan la inspiración creadora de los hermanos Lumière.

imagen del Blog Macguffin007

Estos dos hombres fueron capaces de materializar una idea que “estaba en el aire”; se revelaron artistas y directores de cine, inventaron técnicas de toma que todavía usan los directores de cine actuales, crearon el moderno concepto de cineasta. Sus películas cuentan la vida de aquella época no solo en Francia sino también en otros Países del mundo (cine documental) pero también retraen verdaderas actuaciones de “actores” (cine cómico-grotesco). En aquella época, aquellas películas constituían la revolución de los conceptos relacionados a la percepción visual y los hermanos Lumière tenían un poder convocatorio impresionante en la alta burguesía de la época; al día de hoy sus películas son para nosotros una clave para que nuestra imaginación dibuje la vida de entonces y se emocione por los sencillos guiones con los cuales se contaban historias mínimas, hechas de gestos cotidianos y de alguna simpática sobre-actuación.

El día después, todavía de resaca por las sensaciones probadas la noche anterior, decidí ir a ver la exposición de Alfonse Mucha, el fundador del Art Nuveau (hasta el 25 de Febrero en el Palacio de Gaviria). Mientras me sentía suavemente rozado por las litografías de mujeres estilizadas y de colores delicados de este artista Checo, pensaba que más o menos Mucha y los hermanos Lumière coincidieron en el “espacio-tiempo”: los años coincidían y Alfonse Mucha residió en Francia por mucho tiempo. Justo cuando estaba ensimismado en estas correlaciones, la audio-guía incluida en el precio del billete, habló de la vertiente artístico-fotográfica de Mucha y de la profunda amistad entre Mucha y los hermanos Lumière! No podía dar crédito a esta coincidencia tan inesperada. Mucha usó la fotografía como medio creativo (sus imágenes son muy actuales en los planos, poses y luces), además usó la fotografía como punto de partida de muchos trabajos que realizó. ¡Mucha pensaba que la fotografía iba a hacer morir la pintura! Mientras tanto, sus amigos (los hermanos Lumière) le mostraron el invento del cinematógrafo, antes de hacerlo público y la primera proyección cinematográfica hecha por los hermanos Lumière, se hizo en el atelier de Mucha.

En aquel momento no sabía que el día después me iba a ofrecer una pieza más del puzzle que estaba componiendo. Volviendo a casa en avión, estaba leyendo la revista de la aerolínea (cosa que no suelo hacer a menudo) y justo me encontré con la Fête de Lumières en Lyon ¡que desconocía totalmente! Lyon-Mucha-los hermanos Lumière…¡¡¡fue la cuadratura del círculo!!! No lo pensé dos veces, después de una rápida consulta con la familia, nos organizamos para cerrar el círculo y organizamos el viaje a Lyon para ver la Fête de Lumières y los lugares de los hermanos Lumière y de Mucha… y desde Lyon os estoy contando esta historia…

Lyon es una ciudad con carácter, elegante, acuática (está en medio de dos ríos: el Ródano y la Saona), con un centro histórico renacentista y unos barrios entre el bohemio y el “casual-chic”, en los cuales se percibe una importante componente artística en el estilo de vida de sus habitantes y sin lugar a dudas, una sensibilidad difundida en el apreciarla.

©Photosatriani

La Fête de Lumières es algo único que merece la pena ser vivido, a pesar de las noches heladas y de la cantidad impresionante de personas que atrae. Por cuatro noches, muchos rincones de la ciudad, calles, plazas, parques, se visten de luz, creando una atmosfera mágica. Este festival tiene sus orígenes en la fiesta popular que los lioneses celebran el 8 de Diciembre; en este día cada lionés pone en la ventana de su casa una vela encendida en honor de la Virgen; esta tradición se ha ido evolucionando en el tiempo, hasta llegar a la dimensión de hoy, cuando ha llegado a ser el principal evento mundial de los artistas lumínicos.

©Photosatriani

La oportunidad no podía ser desaprovechada, así que de día, cuando las instalaciones lumínicas estaban apagadas, visitamos el Istitut Lumière. Después de que todas las piezas del puzzle habían encajado, entrar en este lugar, fue para mí muy emocionante y además me llevé una sorpresa inesperada. Fue como si el cine con todo su imaginario: la sala oscura, la audiencia llena de gente desconocida, el milagro de la imagen en movimiento en la pantalla grande se materializara en una espiral de sensaciones que viajaba por mi cuerpo. La familia Lumière trabajó en equipo para lograr lo que lograron; mientras los hermanos Auguste y Luis inventaron la cámara cinematográfica, el padre Antoine (hombre de negocios no siempre acertados) tuvo la intuición de la fruición colectiva del cine, organizando proyecciones públicas y de pago. Además de la cámara cinematográfica, los hermanos Lumière (precisamente Luis que parece haber sido el más innovador) inventaron también el Autochrome (esta fue la sorpresa que me dejó asombrado); una técnica basada en el proceso de síntesis aditiva que, simplificando muchísimo, se basa en la superposición de tres disparos consecutivos de la cámara y de una placa de millones de granos de almidón de patatas trituradas, en tres colores diferente, para obtener fotografías en colores!!!

Esta historia empezó una noche Madrileña en soledad y dos meses después, la historia se acaba en una fría noche invernal de un Lyon repleto de gente, de luces y de ambiente. Ahora queda solo el regreso que apela a un necesario proceso de decantación, para que la multitud de conceptos, sonidos, imágenes, olores, sabores, evaporen en el inconsciente. Este post es parte de este proceso.

Las posibilidades descriptivas de la cámara fotográfica

Tags

Madrid, Mapfre, Nixon

©Nicholas Nixon – “The Brown Sisters”

A Nicholas Nixon le conocía por la fantástica y a la vez sencilla serie de las “Brown Sisters”, en la cual el artista retrata su mujer junto con las hermanas de ella desde el 1975, cada año hasta hoy, siempre en el mismo orden compositivo de las modelos. Esta es una serie a mitad camino entre la objetividad documental y la íntima belleza emocional de un álbum familiar; desde la sencillez de la mirada, nos hace reflexionar sobre el inexorable paso del tiempo, sobre el proceso de envejecimiento y hasta sobre el inevitable dolor de la pérdida. Muchos de nosotros estoy seguro que tenemos algo parecido entre nuestras fotografías familiares. Yo mismo procuro hacer una foto familiar cada año (aunque no preservando el mismo orden en la composición) que luego incluyo en el calendario que creo y regalo a los más estrictos familiares en las Navidades; lo voy haciendo desde que mis hijos eran muy pequeños y antes de descubrir la serie de las hermanas Brown. Yo mismo me doy cuenta con el pasar de los años, de la importancia emotiva y documental de lo que estoy haciendo y a veces me encuentro pensado cosas del tipo: “a ver el año que viene si conseguimos estar todos”; “a ver en quien se va a notar estas discontinuidades que el tiempo nos reserva de vez en cuando”; “hay que pensar en reunir la familia para hacer la foto”. Es un mecanismo de refuerzo de los lazos familiares.

Volviendo a la exposición retrospectiva de Nicholas Nixon en la Fundación Mapfre en Madrid (hasta el 7 de Enero), además de la serie de las hermanas Brown (incluida en la exposición), se pueden admirar más de 200 fotografías que están claramente diferenciadas en dos mundos: los panoramas urbanos y los retratos. En ambos casos, estamos hablando de una fotografía nítida, precisa, con composiciones elegantes y refinadas. Nixon empezó con fotografiar los paisajes urbanos para luego migrar hacia el retrato. En la exposición, hay una serie que es la evidencia de este traspaso, se trata de la serie “Porches” en la cual el artista retrata personas y escenas familiares en los porches de sus casas; en este lugar intermedio entre el público y el privado, entre el paisaje y el retrato.

En las imágenes de Nixon percibo lentitud, entendida como el incansable e ineluctable trabajo del tiempo sobre las cosas y las personas; lentitud que se hace tristeza en la serie “Ancianos” retratados en las residencias donde Nixon trabajaba como voluntario; lentitud que se hace sufrimiento y desgarro en la serie “People witha AIDS”; lentitud que se hace dulce compaña en las imágenes intimas de la serie “Parejas”.

Nixon es un autor que nos hace sentir su implicación personal en las imágenes que hace y con los temas tratados; nos hace además percibir lo que normalmente pasa desapercibido cuando miramos con superficialidad nuestra cotidianeidad.