Las posibilidades descriptivas de la cámara fotográfica

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Madrid, Mapfre, Nixon

©Nicholas Nixon – “The Brown Sisters”

A Nicholas Nixon le conocía por la fantástica y a la vez sencilla serie de las “Brown Sisters”, en la cual el artista retrata su mujer junto con las hermanas de ella desde el 1975, cada año hasta hoy, siempre en el mismo orden compositivo de las modelos. Esta es una serie a mitad camino entre la objetividad documental y la íntima belleza emocional de un álbum familiar; desde la sencillez de la mirada, nos hace reflexionar sobre el inexorable paso del tiempo, sobre el proceso de envejecimiento y hasta sobre el inevitable dolor de la pérdida. Muchos de nosotros estoy seguro que tenemos algo parecido entre nuestras fotografías familiares. Yo mismo procuro hacer una foto familiar cada año (aunque no preservando el mismo orden en la composición) que luego incluyo en el calendario que creo y regalo a los más estrictos familiares en las Navidades; lo voy haciendo desde que mis hijos eran muy pequeños y antes de descubrir la serie de las hermanas Brown. Yo mismo me doy cuenta con el pasar de los años, de la importancia emotiva y documental de lo que estoy haciendo y a veces me encuentro pensado cosas del tipo: “a ver el año que viene si conseguimos estar todos”; “a ver en quien se va a notar estas discontinuidades que el tiempo nos reserva de vez en cuando”; “hay que pensar en reunir la familia para hacer la foto”. Es un mecanismo de refuerzo de los lazos familiares.

Volviendo a la exposición retrospectiva de Nicholas Nixon en la Fundación Mapfre en Madrid (hasta el 7 de Enero), además de la serie de las hermanas Brown (incluida en la exposición), se pueden admirar más de 200 fotografías que están claramente diferenciadas en dos mundos: los panoramas urbanos y los retratos. En ambos casos, estamos hablando de una fotografía nítida, precisa, con composiciones elegantes y refinadas. Nixon empezó con fotografiar los paisajes urbanos para luego migrar hacia el retrato. En la exposición, hay una serie que es la evidencia de este traspaso, se trata de la serie “Porches” en la cual el artista retrata personas y escenas familiares en los porches de sus casas; en este lugar intermedio entre el público y el privado, entre el paisaje y el retrato.

En las imágenes de Nixon percibo lentitud, entendida como el incansable e ineluctable trabajo del tiempo sobre las cosas y las personas; lentitud que se hace tristeza en la serie “Ancianos” retratados en las residencias donde Nixon trabajaba como voluntario; lentitud que se hace sufrimiento y desgarro en la serie “People witha AIDS”; lentitud que se hace dulce compaña en las imágenes intimas de la serie “Parejas”.

Nixon es un autor que nos hace sentir su implicación personal en las imágenes que hace y con los temas tratados; nos hace además percibir lo que normalmente pasa desapercibido cuando miramos con superficialidad nuestra cotidianeidad.

 

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El itinerario convencional en GetxoPhoto 2017

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Futuro, GetxoPhoto

En la entrada de la semana pasada, enfoqué mi atención a las propuestas innovadoras presentadas en GetxoPhoto, esta semana os hablaré del recorrido tradicional dedicado a la fotografía.

La primera consideración que quiero hacer y que mirando el mapa salta a la vista claramente, es la importancia extremadamente marginal que se ha querido dar a la Participación Popular (PoP en el mapa), relegándola completamente fuera del circuito principal y en una zona de Getxo que no proporciona ningún motivo de atracción para la gente; es como si los organizadores hubieran querido decir a la gente que ha ofrecido con ilusión sus creaciones para la iniciativa: “¡piérdete!”. En mi opinión se debería dar mucha más importancia en GetxoPhoto a la participación popular, vista la naturaleza “callejera” del evento. Debería ser una oportunidad para que “puedan ver la luz” muchísimas más propuestas de anónimos artistas locales y no, en un contexto que quiere ser a la vez internacional y popular.

Yo también envié mi propuesta sobre el tema: “el futuro ya está aquí”, pero mi foto no fue seleccionada para la exposición. Hasta el último momento tuve serias dudas si enviar la imagen que finalmente envié o se era mejor la otra que no he enviado. ¿Alguien quiere decirme cuales de las dos habría enviado si hubiera sido en mi lugar? 1-Milenial Big-Bang o 2-Raíces de Futuro? (ver la imagen en portada de esta entrada y dejad vuestra preferencia en los comentarios)

Las propuestas más atractivas del recorrido para mi han sido:

SOUP: estremecedoras (por belleza estética y por denuncia) imágenes creadas utilizando residuos de plástico encontrados por la artista Mandy Barker en las playas de todo el mundo.

ABANDONED: destacaría la instalación en la vieja gasolinera abandonada de Algorta, que ofrece un escenario perfecto para las imágenes de Richard Allenbay-Pratt que plantea la hipótesis de un Dubai desierto después del fin de la era del petróleo, con la subyacente denuncia de la insostenibilidad del sistema económico actual.

FOOD: en este caso también la localización es perfecta (no sé si opinan lo mismo los carniceros del Mercado cubierto de Algorta) para unas imágenes que denuncian la no-humanidad del proceso que nos permite de comer carne diariamente. Las imágenes de Henk Wildshut, me han recordado el libro de Michel Faber “Bajo la piel” en el cual, los animales que mataban para proporcionar la carne a la mensa de otros seres vivientes, eran los humanos.

ESTE NO ES EL PARAISO de María Portaluppi: imágenes muy conmovedoras de animales en cautividad. En la mirada o en la gestualidad de los animales retratados se lee una profunda tristeza y nostalgia del alejado hábitat natural; esta sensación viene reforzada por una muy acertada atmosfera de sombra. En mi opinión, de la serie presentada, habría eliminado la imagen del acuario y la imagen de una planta trepante; no transmitían ni de lejos las sensaciones de las demás imagines.

Por otro lado, en mi opinión, había propuestas de las cuales se hubiera podido prescindir tranquilamente:

STANDARD de Roger Eberhard: dípticos de habitaciones de una misma cadena hotelera alrededor del mundo, con asociadas las vistas que se pueden admirar de sus ventanas. Tema visto y re-visto, frito y re-frito. Hasta yo tengo una serie de este tipo hecha en mis andares por el mundo como consultor, que nunca he querido editar, porque me parece perder tiempo por la banalidad del mensaje…pero mira, quizás me equivoqué!

PEST CONTROL de Tania Franco Klein. Forzosamente conceptual. Pretender que la gente entienda la relación entre la plaga de las palomas, el mensaje que se quería transmitir de (in)-comunicación entre personas y su realización visual es como pretender que la gente aprecie una pizza hecha sin levadura, con tomates madurados en el sol Antártico y con mozzarella hecha con leche de tigre!!!

 

 

Nuevas conversaciones en GetxoPhoto 2017

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Ali Eslam, GetxoPhoto, Realidad Virtual

Aunque la edición 2017 se acaba de finalizar, si tuviera que aconsejar por dónde empezar la visita a GetxoPhoto, sin lugar a duda diría por la Sala Torrrene, por las propuestas innovadoras que allí se ofrecían. Dos sobre todas: “Jaywalkers” de Dries Depoorter y “Death Tolls experience” de Ali Eslami.

En general, las propuestas visuales que se presentaban en esta sala, ofrecían al visitante interesantes oportunidades de reflexión sobre lo que es y será el arte visual que, con las nuevas tecnologías, va asumiendo formas y contenidos que se alejan enormemente de lo que tradicionalmente ha sido la aproximación a un cuadro, a una fotografía y hasta a un vídeo. Se trata de una (re)-evolución que causará perdedores y ganadores; seguidores y detractores; re-ajustes y carreras hacia adelante. Está claro para mí que, en un contexto como este, la fotografía está destinada a revisar y reconstruir el mensaje que ofrece si no quiere desaparecer como forma de arte visual. Tendría en mi opinión que dejar la exagerada tendencia conceptual en la cual se ha metido en los últimos años, porque las nuevas formas de arte visual ofrecen un vehículo mucho más potente y expresivo, y recuperar el contacto directo con la esfera sensorial; volver a la artesanía del proceso; re-descubrir la dimensión más íntimamente emocional.

En Jaywalkers, Dries Depoorter (artista Belga aunque dice que vive “on-line”) nos mete en el mundo horrible y agobiante del “Gran Hermano” que todo ve, controla y nos delata. Ha “hackeado” tres cámaras de seguridad en EEUU y en Canada, permitiéndonos de ver “live” lo que ocurre in tres anónimos cruces de carreteras con semáforos, de vete a saber cuál ciudad. Asociada a cada pantalla hay un pulsante rojo que podemos apretar si vemos un peatón o un coche que pasa con el rojo. Si esto ocurre, automáticamente se envía una denuncia por e-mail a la comisaría más cercana!!!

En Death Tools Experience, Ali Eslami nos materializa violentamente y visualmente los asépticos números de muertos relativos a las guerras actuales y a los flujos migratorios, que nos hemos acostumbrados a escuchar casi diariamente como frías estadísticas y no por lo que realmente son: personas que ya no existen, con todo lo que esto conlleva en su entorno. Para esto, nos propone un fascinante, inquietante, poético, brutal viaje de realidad virtual, en el cual el espectador se transforma en testigo presencial del inmenso número de cadáveres alineados y envueltos en bolsas blancas, haciéndonos sentir cercanos al drama y llegando a tocar nuestras cuerdas más íntimas de culpabilidad. Sus planos visuales son de una tal belleza y de una poética tan altamente sensible que, en parte amortiguan la crudeza del mensaje, raptándonos, centrifugándonos y devolviéndonos aquella compasión y empatía que hemos perdido.

La próxima semana os contaré del resto de las exposiciones que he visitado en GetxoPhoto.

 

 

 

De gira a Italia con el “Gusto dell’Arte”

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Basilicata, Exposiciones, I Sassi, Italia, Italy, Matera

La vida está hecha de días que no dicen nada y de momentos que lo son todo. La sabiduría está en saber disfrutar cada día pero también en el saber gustar de manera especial, la plenitud de los momentos. A mí me encanta hacer fotos, intento crear un canal de comunicación a través de mis fotos, disfruto trabajando en preparar mis fotos para que puedan ver la luz y así tener la oportunidad de encontrar la mirada y las emociones de otras personas. Cuando se da esta oportunidad, el círculo se cierra y me siento apaciguado y en armonía con todo. En Abril de este año, gané el primer premio de la sección gráfica digital del Premio Arte Novara. Entre Junio y Septiembre, su director artístico, el indómito e indomable Vincenzo Scardigno, “hace una gira” con las obras de los artistas; el tour “Il Gusto dell’Arte”, empezó en Oleggio, para luego tocar Matera, Molfetta, Reggio Calabria y finalizar en Novara.

La segunda etapa del tour es Matera, ciudad patrimonio de la humanidad (será además Capital Europea de la cultura en 2019), que sin lugar a duda, merece la pena ir a visitar. Matera es también la ciudad en la cual tengo la mitad de mis raíces; ha sido la ciudad en la cual vivía mi abuela y donde iba a pasar mis veranos de niño. En estos días y hasta el 6 de Agosto, mis dos obras: “Il Pesce Volante” e “Musica” están expuestas en dos lugares de ensueño: Casa Cava y el Convento de San Agostino. Podéis imaginar la tremenda ilusión y emoción que todo eso me genera y la inmensa gana de compartirlo. A continuación os dejo algunas imágenes de la inauguración de ayer, en la cual estuvieron mi madre y parte de mi familia. Es realmente especial saber que gracias a mis obras visuales, la distancia física que nos separa (ellos viven allí e yo en Bilbao), se ha podido anular por un momento y hemos vuelto a pisar lugares y espacios que nos veían juntos en otra época  (han pasado casi 35 años), cuando todavía vivía mi abuela.

Siguiente etapa: ¡REGGIO CALABRIA!

Para los más curiosos, invito a ver este breve video que trasmite bien el “sentimiento de ser Lucano” para quien, como yo, vive lejos de su Tierra

 

SOROLLA y la LUZ: cuando pintura y fotografía se encuentran

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Madrid, PHE, PhotoEspaña, Pintura, Sorolla

 

Foto by Photosatriani

Este año el Museo Sorolla (un rincón de paz y de luz en una Madrid enfocada) es una de las sedes de PHE. La razón es la exposición “Sorolla en su paraíso” (hasta el 1 de Octubre, comisario Publio López-Mondéjar) que, a través de unas fotografías de gran calidad, ofrece una visión íntima y sorprendente del “paraíso” familiar y laboral del gran pintor. Una especie de biografía visual, sentimental y artística que ayuda a entender la “visión fotográfica” que Sorolla tenía en su manera de ver.

Los cuadros de Joaquín Sorolla me han siempre atraído por la manera con la cual el artista pone a la luz como gran protagonista; una luz que me lleva derecho al Mediterráneo con sus olores y sus colores intensos y saturados. Cuando estoy delante de un cuadro de Sorolla o cuando se entra en lo que fue su último estudio, parece que se está en la playa junto con sus modelos o sobrevolando la escena pintada. Otro aspecto “fotográfico” que ha hecho que las pinturas de Sorolla me han siempre llegado con intensidad, es la perspectiva que normalmente elije en sus cuadros. Es una perspectiva muy dinámica, que acentúa la cotidianeidad de las escenas retratadas y que contribuye a sentirse como parte de aquel momento de vida. La exposición fotográfica de alguna manera nos ofrece justo este punto de vista: la oportunidad de ver el “making-of” de algunos de los cuadros más representativos del pintor.

Lo que esta exposición me ha permitido, es transformar mis percepciones en conocimiento, visto que he podido profundizar en la relación que Sorolla tuvo con la fotografía. Más que una relación fue una compenetración. Cuando el pintor tenía unos 18 años, un amigo suyo, le presentó al fotógrafo Antonio García Peris que parece necesitaba un ayudante y decidió contratarle; con el pasar del tiempo Peris acogió Sorolla en su casa (el pintor se quedó huérfano con solo dos años y vivía con sus tíos) y le facilitó la posibilidad de dedicarse a la pintura y le introdujo en los círculos artísticos de la ciudad; junto con el fotógrafo, Sorolla experimentaba en su estudio con la luz y con el retoque. El gran amor, fuente de inspiración y esposa de Joaquín Sorolla (Clotilde) era la hija de Antonio García Peris.

Antonio García Peris-1906

Quería destacar la imagen de la portada de este artículo (que está incluida en la exposición del Museo Sorolla), cuyo autor es Antonio García Peris. Se trata de una escena familiar alrededor de una mesa de una belleza estremecedora tanto por la luz, como por la puesta en escena y la composición; para mí una verdadera obra maestra, considerando además que la toma es del 1907.

El otro grande fotógrafo con el cual Sorolla se vinculó cuando ya se mudó a Madrid con toda su familia, fue el Danés Christian Franzen (un importante retratista de la época), al cual Sorolla dedicó este bonito retrato y con el cual colaboró en algún proyecto.

Sorolla se sirvió además de la fotografía para fijar en sus cuadros el invisible o lo fugaz que normalmente escapa a nuestra mirada o que se diluye con el pasar del tiempo. La exposición no muestra este aspecto, si no el contexto y los escenarios en los cuales Sorolla desarrollaba su vida y su trabajo. Se trata de unas 60 imágenes entre las cuales hay muchos retratos del pintor, pero también escenarios en los cuales Sorolla iba instalando su caballete para pintar sus cuadros, fotos familiares, etc. Este link os da la oportunidad de tener una buena idea de lo que se puede disfrutar en la exposición en el Museo Sorolla. Propongo a continuación otra evidencia de la importancia que la fotografía hubo en la vida de Sorolla; se trata de una retrato que hizo a su hija María en la playa de Biarritz, en el cual la mujer tiene en mano una cámara fotográfica.

Un último apunte; Sorolla también coleccionó fotografías que ahora son parte de los fondos del Museo. En el ámbito de PHE17 (hasta el 20 de Junio), en la Casa de América ha habido una exposición de imágenes de paisajes de Estados Unidos hechos por Carleton Watkins y que Sorolla recibió en regalo del fundador de la Hispanic Society .

Desde la página web del Museo Sorolla, se puede descargar gratuitamente el primer volumen de un interesantísimo catálogo sobre la colección de fotografía antigua conservada en el museo.Fotografia Museo Sorolla

 

 

Café Lehmitz: la belleza de los invisibles

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Café, García-Alix, Madrid, Petersen, PHE

La sensibilidad es sin lugar a duda una calidad esencial para que una imagen trasmita algo; más allá de la apariencia y para que genere en el observador la curiosidad (o la necesidad) de saber más, de conocer la historia que está detrás de aquella imagen. Anders Petersen en la serie Café Lehmitz (PHE17-Madrid, Sección Carta Blanca curada por Alberto García-Alix en CentroCentro Cibeles hasta el 17 de Septiembre) alcanza totalmente este objetivo, dejándonos entrar en un mundo en el cual la sociedad no suele o no quiere mirar, presentándonos sus protagonistas desde una perspectiva de humana complicidad, autenticidad y cercanía.

El fotógrafo sueco descubrió casualmente el Café Lehmitz que estaba situado en el barrio rojo de Hamburgo y por 3 años frecuentó este café que era un punto de encuentro de los que normalmente se etiqueta como “personas marginales”, con el objetivo de retratar la dignidad de estas personas que allí encontraban chispas de despreocupación, complicidad, alegría, amor. El fotógrafo llegó a ser uno de ellos y esta cercanía a las “guerras personales” de los clientes del Café Lehmitz, le ha permitido sacar unas imágenes que nos hacen sentir parte de aquel entorno; que nos hacen empatizar con aquellas historias; que nos juzgan y nos hacen reflexionar sobre la hipocresía con la cual solemos apartar nuestra mirada sobre “los diferentes” para convencernos que no son parte de la misma sociedad a la cual nosotros pertenecemos.

Como dice Alberto García-Alix, “Petersen nos hipnotiza, se adueña del aire”. Pero, además de la belleza de cada una de las imágenes que forman la exposición, el diseño de la instalación de la misma (comisariada por Nicolás Combarro) ayuda todavía más a sumergirse en el lugar hasta hacernos sentir como un cliente más del Café Lehmitz. El aspecto casual y curioso, que ha sido determinante para que tuviera una valoración tan alta de esta exposición, es que, sin saberlo, entré por lo que el comisario había diseñado ser como el final de la exposición: una sala cuyas paredes estaban totalmente “empapeladas” con la impresión de las tiras de negativos hechas por Anders Petersen, incluidas las anotaciones que el mismo hacía durante el proceso de visionado y selección. Verse y sentirse envueltos por tantas imágenes, cada una llena de tanta expresividad, complicidad, soledad, alegría fugaz, fracaso, me hizo empatizar con cada uno de los clientes del bar, con sus historias, sus “guerras”, sus necesidades de ser comprendidos y amados, aunque sea por solo algunos minutos. Una sensación fuertísima, asombrosa, demoledora; un torbellino de emociones que muy pocas veces he probado mirando una exposición de fotografía.

Un bellísimo audiovisual en una de las salas en las que se divide la exposición, permite profundizar y entender todavía mejor lo que era el mundo del Café Lehmitz y las historias de sus clientes, tanto que luego, volviendo a mirar las imágenes colgadas en las salas, las emociones probadas inicialmente, se multiplicaban todavía más y queda muy claro como el fotógrafo ha sabido encerrar en sus imágenes la cercanía y la complicidad con las cuales su sensibilidad vivía y se impregnaba de las historias que pasaban en el Café Lehmitz.

¡ I M P E R D I B L E !

 

 

En el mismo CentroCentro Cibeles, está también otra exposición que merece la pena de ser vista y disfrutada con mucha atención; se trata de Pistas de Bailes de Teresa Margolles que trata el tema de la prostitución en Ciudad Juárez de una manera realmente original pero al mismo tiempo cruda y realista.

 

 

Photoespaña XX: como organizarse para optimizar la visita

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Jardin Botanico, Madrid, PHE, PhotoEspaña

 

Este año PhotoEspaña (31 de Mayo–27 de Agosto) cumple 20 años; un hito muy importante para una manifestación que ha alcanzado una grande resonancia nacional e internacional. También este año he conseguido estar en esta cita que para mí se traduce siempre en un torbellino visual. Realizar mi visita anual a PhotoEspaña, depende de una combinación de muchos factores que, para poderse dar, necesitan mucho trabajo previo y una capacidad extrema de encaje. Esto, por un lado me permite disfrutar con más intensidad de las exposiciones que consigo visitar, por otro lado pero, el tiempo que dispongo es muy limitado respeto a la envergadura del evento y necesito optimizar el tiempo y tomar dolorosas decisiones para descartar alguna exposición (además de renunciar a todas las actividades colaterales que se organizan para el público). Limitándome únicamente a la sede principal de Madrid (hay otras sedes en España y en otras naciones), esta tarea se ha hecho todavía más compleja este año, debido al XX aniversario: el número de exposiciones ha crecido notablemente y están distribuidas en unas 45 sedes diferentes; además de las históricas secciones Oficial y Festival Off, se ha añadido la sección Carta Blanca que ha sido curada por Alberto García-Alix.

 

Comparto aquí los criterios que he aplicado para optimizar la visita y maximizar el número de exposiciones visitadas, con la esperanza que os puedan servir para facilitar la toma de decisión en vuestra visita. En mi caso disponía de un día entero en Junio, algunas tardes a partir de las 19h y un medio día en Julio

Para poder planificar en el detalle la visita, es imprescindible bajarse el plano de la exposiciones e ir husmeando las diferentes exposiciones, navegando en el sitio web de PHE que desafortunadamente (es un fallo importante de esta edición) no proporciona buenos contenidos visuales (mucho texto y muy pocas imágenes para poderse hacer de antemano una buena idea de cada exposición). Lo ideal sería disponer de la Guía PHE que desafortunadamente no se puede adquirir a través de la página web (aunque sea en formato digital); se puede comprar solo en los puntos librería de PHE en Madrid (9.50€).

Disponiendo de este conjunto de información, el problema que se pone es: “qué criterios aplico para seleccionar las exposiciones que voy a ver? Cuáles descarto?” Después de haberlo intentando de diferentes maneras, creo que lo mejor es organizar el tour por contigüidad física de los diferentes espacios expositivos. Como se puede ver en el mapa anterior, personalmente he dividido el mapa en tres zonas A-B-C y, en función de mis criterios (y de la info recopilada en newsletters artísticas) he señalado las expos en el mapa en rojo (MUST), negro (NICE TO GO) y dejando sin señalar aquellas que me parecían prescindibles. Las exposiciones que han quedado fuera de estas tres áreas también las he señalado en rojo o negro para organizar visitas específicas, aprovechando los huecos de disponibilidad que disponía por las tardes. Usar el criterio de contigüidad física de los espacios expositivos, nos permite además limitar bastante el impacto de un factor que quizás muchos no consideran como importante y que pero al final va a condicionar muchísimo nuestra capacidad de realización del plan diseñado cómodamente en nuestra casa: el calor infernal que podemos encontrar en una Madrid veraniega; a mí me han tocado temperaturas máximas de unos 36-40 grados y os aseguro que no es una broma deambular por las calles de Madrid con estas temperaturas, a pesar de agua, protector solar, gorro, etc…

 

En la tabla de abajo, he hecho mis recomendaciones, de acuerdo a mis personales criterios de gusto e interés; la lista incluye todas aquellas exposiciones que seleccioné como merecedoras de una visita, pero he valorado únicamente aquellas que he podido visitar hasta el día de hoy. Espero que mi perspectiva pueda servir para organizar vuestra visita a PHE17 con el objetivo de optimizar los tiempos pero sobre todo para disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente dinámico y feliz. Cualquier comentario o discrepancia respeto a mis sugerencias, bienvenida sea! Estaré encantado adjuntarla a esta entrada para proporcionar puntos de vistas diferentes.

Los dípticos que ilustran esta entrada son de Photosatriani y representan un paralelismo visual de dos espacios mágicos en Madrid: el Jardín Botánico y un sitio multi-uso ubicado en Malasaña: el Paracaidista; ambos dos acogen exposiciones de PHE17. ¡A disfrutar!

Lewis Baltz: claustrofobia urbana

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Lewis Baltz, Madrid, New Topography, Stephen Shore

R166 Baltz Garage Door IP10 001

Cuando visité la exposición-retrospectiva de este “monstruo sagrado” de la historia de la fotografía (Fundación Mapfre, Sala Barbara de Braganza, Madrid. Hasta el 4 de Junio) salí algo decepcionado y hasta deprimido. Para mí, el arte (y por lo tanto la fotografía también) tiene que hacer pensar, denunciar, emocionar y mil cosas más pero, debido a que el arte penetra a través de nuestros sentidos, tiene necesariamente que tener una fuerte componente estética y de armonía; algo como un himno a la “belleza” (en el caso de la fotografía, de tipo visual). Las imágenes de Lewis Baltz no tienen seguramente esta característica. Tampoco ayuda en este intento perceptivo, la “frialdad” con la cual el comisario de la exposición (Urs Stahel) ha querido estructurarla: por bloques cronológicos, cada uno de los cuales, demasiado descriptivo y con muy poco espacio para la interpretación; para rematar la cosa, mi conocimiento preliminar sobre este autor era realmente muy pobre. Todos estos factores, hicieron que mi sensación a la salida de la exposición no fue ciertamente positiva.

Pero, vista la envergadura del artista en cuestión, no me podía conformar con esto y entonces recurrí a Anna Mola, una persona muy competente en historia de la fotografía y que me está ayudando a poner orden en mi producción fotográfica. Le pedí de hablarme de Lewis Baltz; ella entonces me propuso un módulo de su curso de historia de la fotografía, que me proporcionó las claves para entender y profundizar en el mensaje encerrado en la fotografía de Baltz. Despojar la realidad de todo lo que se considera “bonito”, ha sido un ejercicio de coherencia durante toda la vida de este autor, que ha querido fotografiar la ausencia. ¡Es verdad! en las imágenes de Baltz, se extraña siempre algo; pero no es solo un extrañar algo físico, como por ejemplo el cielo que nunca aparece o si lo hace es un magma lácteo sin significado; si no, que es extrañar algo que tiene a que ver con nuestra origen animal, con nuestro instinto de supervivencia. En las imágenes de Lewis Baltz no existe un escape, una salida, una posibilidad de salvación; se necesita huir de allí, aunque sea simplemente con la mirada, pero no se puede. Esto genera ansiedad, malestar, nos incómoda. Esta es la calve con la cual este autor quiere remover nuestras emociones y para ello ha elegido la no-estética. Todo esto es seguramente interesante, muy interesante pero…

Lewis Baltz pertenece a la generación de fotógrafos agrupados en la exposición New Topographics que puso en duda el concepto del paisaje estéticamente bello; en este grupo hubo mucha “variabilidad” en la materialización de este concepto común y Baltz seguramente fue uno de lo más intransigentes en mostrarnos esta no-estética. En este mismo grupo, estaba por ejemplo también Stephen Shore y sus imágenes, aunque tienen como sujeto la misma, desafortunada intervención del hombre en el paisaje, son estéticamente atractivas, son un “himno” a la belleza que se encuentra en la fealdad. Una cuestión de perspectiva, de interpretación, de saturación, de composición, de postproducción, lo que sea, pero extremadamente importante para que sus imágenes sean estéticamente y armónicamente bellas. Resultado que personalmente comparto y que está más alineada con mi ser.

Gracias Lewis Baltz y Anna Mola por haberme provocado este torbellino de consideraciones, que seguramente añadirán un granito de sabiduría en mi bagaje como fotógrafo y también como persona.

Las HUELLAS de la Maestra

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Huellas, La Fabrica, Madrid, Pilar Pequeño

copyright Pilar Pequeño photography

Pilar Pequeño es quizás la persona que más influencia mi manera de entender la fotografía. Su manera de aproximarse al sujeto que retrata, nos habla de una fotografía a tiempo lento que me recuerda la excelente cocina “crudi-vegana” que tanto está de moda, en la cual se preservan todas las cualidades de los ingredientes que componen el plato, gracias a la lentitud de los tiempos de cocción que no suelen superar los 40 grados; así la fotografía de Pilar Pequeño nos hechiza por la delicadeza de la mirada, por la empatía que la fotógrafa establece con los objetos o paisajes y por la “limpieza” de sus imágenes, fruto de su infatigable, paciente y refinado perfeccionismo.

Conocí a Pilar en un taller organizado por PIC.A (mayo 2015); congeniamos de inmediato, tanto que sus enseñanzas tuvieron un profundo calado en mi ser y Pilar Pequeño, junto quizás con Larry Fink (estuve en un taller con él en el muy lejano 1995), son, sin lugar a duda, mis Maestros fotográficos; dos personalidades a los antípodas, que conviven en mi pensamiento fotográfico.

El libro “Huellas” (en la colección de La Fábrica), es el resultado de un largo y pautado trabajo hecho en dos lugares: Baixo Miño y Mar Menor, geográficamente muy distantes pero con fuertes nexos con la vida personal de la autora. Estos dos lugares tan diferentes, se encuentran en el libro, para hablarnos de ruinas (que, como dice Rosa Olivares en el texto de presentación, “constituyen la eternidad, porque están después de la muerte”); de como la Naturaleza se retoma lo que el Hombre le ha robado; del paso del tiempo no solo en el lugar fotografiado, sino también en la mirada de la fotógrafa.

El mismo lugar, ha sido fotografiado por Pilar a distancia de unos 8 años; las imágenes hechas la primera vez son en blanco y negro; aquellas hechas 8 años después son a colores; las dos tomas, intentan mantener la misma perspectiva y condiciones de luz y esto añade un elemento más en nuestro pensamiento cuando miramos las imágenes de “Huellas”, llenas de sugerencias y de vida, entendida como huellas de historias de gente que un tiempo llenó aquellos lugares.

Como comentó de manera magistral María Teresa Gutiérrez Barranco durante la presentación del libro, las “Huellas” de Pilar Pequeño se ofrecen al espectador, mostrándonos una belleza recóndita, que atrae nuestra mirada y nos invita a comprenderlas, hasta llegar a la compenetración.

Las “Huellas” de Pilar Pequeño se transformarán en una exposición en el ámbito del Festival Off de PHE17 (arranca el 31 de Mayo en Madrid); mayores informaciones en http://www.phe.es/es/phe (al momento el contenido no está todavía disponible).

Cuaderno de bitácora de un premio

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Novara, Pesce, Premio, Volante

¡Esta semana me merezco una entrada en este blog; nunca lo he hecho pero de vez en cuando, hay que compartir la ilusión vivida en momentos importantes!

El Complesso Monumentale del Broletto en Novara (Italia), ha acogido el 16º Premio d’Arte Novara, en el cual mi imagen “Pesce Volante”, ha ganado el Primer Premio en la sección “grafica digital”, con la siguiente motivación: “A primera vista surge de inmediato la elegancia compositiva de la elaboración digital y el brillo del color, que hacen la imagen dinámica y atractiva. La habilidad en el uso de las nuevas técnicas expresivas, permite que el trabajo sea actual y moderno, apreciado también por las generaciones más jóvenes”.

La imagen que he presentado visualiza la perseverancia necesaria, que a veces tiene que alcanzar la testarudez, para que nuestros sueños puedan hacerse realidad. Un pez es un pez, ¡no puede volar! El Pterois Volitans lo hace en el agua, gracias a sus movimientos elegantes y sosegados y al desarrollo de sus aletas. Este Pterois Volitans del acuario de San Sebastián, no se conformaba con eso, quería volar de verdad, libre, en el aire. Tampoco se rindió cuando sus colegas le decían que estaba loco; fue entonces que me pidió idearle un artilugio que le permitiera hacerlo. Entonces lo encerré en unas pompas de jabón que obtuvo a partir de las bolas reflectantes de la obra “El gran árbol y el ojo” de Anish Kapoor, instalada en el exterior del museo Guggenheim. Así, encerrado en estas pompas de jabón, el Pterois Volitans pudo volar de verdad.

Volviendo al premio: la preparación de la obra, su envío, su recepción en Novara, el montaje de la exposición, son todas etapas imprescindibles para llegar preparados al día de la inauguración. Los organizadores, capitaneados por Vincenzo Scardigno y coadyuvado por Chiara Bovio, han estado a la altura de las circunstancias.

El día 1 de Abril hubo el evento inaugural, en el cual no pude estar; en las imágenes de abajo se ve mi imagen dialogando con sus vecinos de pared; en la otra, el jurado congregado delante del Pesce Volante durante su valoración.

Decidí ir a Novara para el día de la premiación, porque me habían llegado muy buenas noticias sobre la acogida de mi obra; además, estando Novara no muy lejos de Ivrea donde viví por 10 años, aprovecharía la oportunidad para encontrar algunos de mis amigos. Fue un fin de semana redondo, culminado el 9 de Abril, día en el cual las noticias se hicieron realidad y recibí con enorme orgullo el Primer Premio de la sección gráfica digital.

Todas aquellas personas que tienen pasión por el arte somos conscientes de cuanto difícil es poder disfrutar de un logro como lo que he podido vivir el fin de semana pasado. Son cosas que casi alcanzan llenar las larguísimas travesías de desierto que con paciencia, pasión y perseverancia hacemos, para que nuestras obras puedan ver la luz. Como lo mejor en un viaje, es siempre el camino que se hace, continuemos a crear y a mostrar, a pesar de la aridez que nos rodea; un premio es como un oasis en el cual reponernos para luego continuar con humildad y fuerza, nuestro andar.

Os presento algunos de los demás ganadores con los cuales he compartido el placer de la victoria: Loriana Valentini (pintura), Paola Bartolacci (escultura), Michela Minotti (pintura), Lino Budano (grafica digital):