Fantasmagoría en Barcelona

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Arbóreo, Architecture, Awards, Barcelona, Events, Exhibitions

El día 3 de Marzo, en la Galería FotoNostrum en Barcelona se ha inaugurado la exposición relacionada a dos importantes concursos fotográficos internacionales: el 14º Pollux Award y el 14º Julia Margaret Cameron Award.

Entrada de la Galería FotoNostrum en Barcelona

He tenido el honor y el inmenso placer de estar allí presente por la mención de honor que mi serie “Colored Phantasmagoria” ha obtenido en la sección “Abstract” del concurso Pollux Award y por otra mención de honor que la imagen “Lake of Arboreal Swans” ha obtenido en la misma sección.

Colored Phantasmagoria es una serie de imágenes hechas en el Mercat dels Encants en Barcelona. La Fantasmagoría es una estimulación de los sentidos obtenida al representar la realidad a través de la ilusión visual. Con mis imágenes me gustaría dejar a que la mente del observador se sienta libre para “volar” donde quiera ir, dependiendo de un recuerdo, un color, una emoción vivida, almacenada y redescubierta.

La imagen Lake of Arboreal Swans es una de las muchas experimentaciones que hago con los árboles. Estar frente a estos seres majestuosos genera en mí una sensación de armonía interna que se nutre de esta percepción de infinito que los árboles me transmiten. Utilicé la composición originalmente capturada, para crear un nuevo espacio tanto físico como emocional para intentar representar las sensaciones que los árboles generan en mí.

Volviendo a la inauguración de la exposición, ha sido un evento sobrio y elegante, en el cual primaban las imágenes y sus autores que llegaban de todas las partes del mundo y que allí han tenido la oportunidad de intercambio y contacto. Me gustaría aquí mencionar a algunos, cuyos trabajos me han especialmente atraído.

Snezhana von Büdingen con su proyecto Meeting Sophie            

Cherlaine Collette con su proyecto Marvels

Jenny Evans con su proyecto Broken

…como siempre ocurre….después de un pico ahora me espera quizás una travers…como siempre ocurre… después de un pico ahora me espera quizás una travesada en el desierto…pero no hay alternativa…a continuar creando porque crear significa entrar en el reino de las posibilidades!

Visionado de porfolios por Thomas Struth, la perspectiva de un oyente

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Bilbao, Guggenheim, Portfolio, Thomas Struth, Visionado

La selección final

En ocasión del cierre de la exposición “Thomas Struth”, el Museo Guggenheim de Bilbao ha organizado un visionado de porfolios fotográficos por parte del autor. Cinco autores, seleccionados por el equipo curatorial del Museo, han podido presentar sus trabajos para recibir una visión crítica por parte del artista. Mi propuesta no fue seleccionada, pero el equipo curatorial, me invitó a mí y a otros cuatro candidatos a participar como oyentes en el taller. 

En este artículo, comparto un resumen de lo que pude escuchar y aprender allí porque pienso que podría ser de gran utilidad a otras personas que se encontrarán en una situación similar. También para proporcionar alguna pincelada más sobre Thomas Struth, después de haber compartido con el cuatro horas muy intensas y ricas de enseñanzas.

Fases del Visionado

La primera cosa que pedía Thomas Struth a quien le iba a mostrar su propuesta visual, era disponer sus fotos encima de una gran mesa y de agruparlas según un criterio personal. Durante este tiempo, Thomas no hacía ninguna pregunta y tampoco quería que la persona dijera nada. Simplemente silencio, el ruido del papel deslizando encima de la mesa, las dudas de la persona, la mirada radiográfica de Thomas Struth.

Acabada esta tarea y después de una breve presentación del autor, Thomas empezaba a hacer preguntas, del tipo:

• ¿Qué has estudiado? ¿has hecho algún estudio artístico?
• ¿Cuál es tu profesión?
• A parte de la fotografía ¿cuáles son tus otros campos de interés?
• ¿Cuál es tu legado fotografico?
• ¿Tienes un plan para tu vida artística?
• ¿Cuál es “tu héroe” en la pintura y en la fotografía?

Después de haber obtenido, aclarado y procesado estos datos, pasaba a hacer preguntas sobre los trabajos propuestos, que nerviosamente estaban esperando encima de la mesa. Arrancaba esta segunda fase, con preguntas del tipo:

• Háblame de las imágenes que propones
• Dime las que tu prefieres o las que son para ti “las mejores”
• ¿Qué tipo de sentimiento quieres expresar con esta serie?
• ¿Has expuesto o publicado esta serie?
• ¿Crees que la gente que ha visto estas fotografías han percibido lo que tu querías transmitir?
• ¿Por qué has seleccionado estos trabajos para mostrármelos o porque de los dos trabajos que has traído, has querido mostrarme antes este?
• ¿Cuál es el objetivo de tus trabajos fotográficos? ¿Quieres exponerlos en un espacio? ¿Quieres hacer un libro? ¿Quieres proponerlos en un concurso?

En la tercera fase del visionado, Thomas Struth entraba en acción, proponiendo otras combinaciones de las imágenes, recortando alguna para quitar “espacio innecesario”, jugando al descarte, poniendo las imágenes al revés… mientras tanto hablaba y aquí tenéis algunos de estos pensamientos que se hacían palabras siempre expresadas en un tono más bien bajo, con calma, con extremo respeto hacia la persona que sometía los trabajos a su juicio; tanto respeto, que a veces parecía que no estaba seguro de lo que decía:

• Hay siempre que cuestionarse el porque hemos hecho una foto de una manera dada y de buscar siempre si hay otras maneras de hacer la misma foto. Hay que tener siempre una razón por la cual se quiere hacer una foto y luego ser consecuente con el modo en el cual hago aquella foto.
• Hay que ser exigentes con uno mismo durante la toma, para elegir la perspectiva y el encuadre más adecuado a lo que sentimos e intentar no poner demasiadas cosas dentro.
• Hay que ser directos, claros en el mensaje que se quiere transmitir y para eso es necesario encuadrar lo estrictamente necesario, sin dejar mucho “aire” alrededor de lo que es el sujeto de nuestra foto. Esto vale también a la hora de seleccionar las imágenes que mejor representan lo que queremos expresar. Hay que tener coraje y quedarse con 3, máximo 5 imágenes y estas imágenes tienen que encerrar todo y solo aquello que queremos expresar.
• No hay que buscar la estética, si no que la estética tiene que estar al servicio del mensaje
• Las imágenes siempre trabajan juntas, aunque en apariencia no haya una secuencia entre ellas. Las imágenes son como notas musicales: para crear una música, hay que ponerlas juntas de alguna manera. ¡En la creación, nada depende del caso!
• Se pueden crear diferentes músicas (historias), simplemente dependiendo de que fotos seleccionamos y como componemos la secuencia entre ellas.
• No me gusta mucho ver foto detrás de foto, para mi tiene sentido únicamente ver el dialogo que diferentes fotos tienen en el espacio en lo que las colocamos
• Hay que mantenerse fiel a lo que se sentía cuando se hizo la foto y crear una música de acuerdo con esto y nunca para ofrecer la melodía que gustaría escuchar a los que van a ver nuestras imágenes
• El tiempo asociado a la fotografía no es tanto aquel que se gasta en hacer la foto, si no aquel que nos lleva a querer hacer aquella foto
• Cristalizar una emoción a través de la comparación, esto es la esencia y la ventaja de la fotografía

www.photosatriani.com – el escaparate de un apasionado fotógrafo

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Artigiano, Bottega, Escaparate, Fotografía, Photosatriani, Porfolio, Portfolio, Website

La fotografía es un medio de expresión; un vehículo de comunicación. Hacer fotografías, crear imágenes, si luego estas se guardan en un cajón, o todavía peor, en el disco duro del ordenador y nadie las ve, es como hablar en el desierto o tocar música en un cuarto anecoico. Por supuesto queda la posibilidad del disfrute personal pero entonces ya no tendríamos comunicación.

La génesis

Un día, paseando por el centro histórico de Huesca, en la plaza Luis López Allué (creo recordar), me paré delante del escaparate de una lonja, en la cual, un artista local exponía unos delicados, coloreados y emotivos dibujos de paisajes de Los Monegros. Quedé atrapado delante de aquellas pequeñas obras porque consiguieron sintonizarse con algún sentimiento que albergaba en mi interior.

Lo mismo ocurrió otra vez muchos años atrás y a miles de kilómetros de distancias de Huesca cuando, en Cairns (Queensland, Australia), encontré una tienda de un fotógrafo local especializado en fotografía panorámica de paisajes.

Los dos artistas, estaban buscando la manera de sacar sus obras a la luz en el intento no solo de vender, si no también de dialogar con la gente que pasaba por allí. Desde entonces, siempre tuve este deseo romántico de montar mi propria lonja en algún lugar de Euskadi o de la Basilicata en el que mis fotografías pudieran buscar el dialogo con los transeúntes.

Internet y los social networks han abierto un nuevo mundo de escaparates virtuales que seguramente han ayudado a los artistas de Huesca y de Cairns a amplificar el alcance de sus intentos de dar a conocer sus obras. Tener un escaparate virtual es hoy en día una necesidad básica de cualquier persona que, a través de sus obras, quiere instaurar un dialogo con los demás y de esta manera llegar a exponerlas o a venderlas.

Por muchas razones diferentes, a mi me ha costado muchísimo poder montar mi propio escaparate, pero hoy, este deseo lo he podido transformar en realidad. Se llama www.photosatriani.com  y quiero mimarlo en el tiempo tanto en contenidos como en visibilidad, para que los transeúntes puedan encontrarlo y así permitir que mis creaciones vean la luz, puedan dialogar y las pueda vender o exponer.

El Porfolio

www.photosatriani.com completa mi presencia en Internet que hasta ahora se basaba en el Blog, en mi página “social” y en una galería de imágenes “desordenadas”.

Entra en la sección Porfolio de mi sitio web; está estructurada en tres áreas que están siendo aquellas en las que concentro mis trabajos fotográficos:

• HABITAT: fotografías de paisajes catalogadas por países
• ARCHITECTURE: fotografías de paisajes urbanos y arquitectónica
• CONCEPT: proyectos fotográficos sobre diferentes temáticas que voy desarrollando de acuerdo con la inspiración del momento

Networking

Además de ir actualizando periódicamente los contenidos del sitio, ahora me queda el trabajo más complejo: hacer que la gente llegue a mi escaparate, convencerla a entrar y a ir husmeando en las diferentes galerías. Si esto ocurre y si mis imágenes les convencen, espero que se genere un virtuoso contagio basado en el “boca a boca”.

Cada uno de vosotros puede aportar su granito en este intento, compartiendo, si quiere, la dirección www.photosatriani.com  en vuestras redes y entre vuestros amigos. Además, cualquiera persona que lea este artículo, puede contactarme a través de la página de contacto del sitio web, estaré encantado de dialogar con ellas.

Si por comunicación entendemos la posibilidad de entrar en contacto con otras personas a través del intercambio de información, emociones o sentimientos, es necesario una acción biunívoca entre por lo menos dos partes. www.photosatriani.com es mi intento para que esto ocurra alrededor de mis creaciones visuales, con cualquier persona de cualquier parte del mundo.

https://www.photosatriani.com/

FLORES en Tabacalera

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Almodovar, Flores, Flowers, Galindo, Madrid, Tabacalera

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  Entrada de la exposición Flores en Tabacalera Madrid

Hasta el 26 de Enero en Tabacalera Madrid, se puede ver una exposición que me parece un grito de libertad. Se trata de FLORES del director de cine Pedro Almodovar e del pintor Jorge Galindo.

Flores es el resultado de un trabajo conjunto de los dos artistas que ha tenido como punto de partida las fotografías de bodegones de jarrones y flores que Pedro Almodovar lleva haciendo desde hace tres años.

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En los videos que se pueden ver en la exposición, se puede apreciar la manera de trabajar conjunta de los dos artistas usando la pintura y los colores como medio para re-interpretar las fotografías originales y crear nuevos significados. A veces se ha tratado de diálogos entre los dos, otras veces de monólogos simultáneos que han provocado “fuegos artificiales” de colores en las gigantografías de las fotografías de Pedro Almodovar que estaba tiradas en el suelo o colgadas en las paredes del estudio de Galindo.

Lo que obtuvieron, son unas piezas de muy grandes dimensiones que, al verlas, me han trasmitido una fuerte sensación de libertad, de energía, de pasión, de danza creativa, de acción y que me empujó a hacer unas fotos de lo que estaba viviendo, usando la única cámara que tenía a mi disposición en aquel momento: mi móvil. Además, yo he siempre querido (sin poderlo realizar hasta al momento) que mis fotos fueran la base para que un pintor o un artista gráfico las interpretara, añadiendo y modificando mis imágenes. Por todo esto, en aquel momento me sentí muy compenetrado con la acción artística de Almodovar y Galindo y no pude resistirme en hacer fotos para añadir una interpretación más a los cuadros de los dos artistas y de como estos en mi opinión dialogaban con la arquitectura de las salas.

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  El dialogo entre colores, energía, vida y abandono, tristeza y muerte

El resultado es un dialogo visual entre colores, energía, vida por un lado (las obras de Almodovar/Galindo) y abandono, tristeza y muerte por el otro (las salas “pseudo-abandonadas” de Tabacalera). Ambas dimensiones se refuerzan mutuamente en este juego de contrastes: los vivaces cuadros de Almodovar/Galindo adquieren por contraste todavía más fuerza vital y las salas de Tabacalera con sus arrugas, heridas, tuberías, adquieren una belleza arqueológico-futurista, casi épica.

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Ambas dimensiones se refuerzan mutuamente en este juego de contrastes

Miradas que miran: Thomas Struth en el Guggenheim

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Bilbao, Exhibitions, Exposiciones, Guggenheim, Thomas Struth

¿Que se obtendría si alguien nos fotografiara en el momento en el cual estamos mirando una foto en la cual otras personas están mirando una obra de arte que a su vez mira las personas que la están mirando?… esto es lo que he llegado a pensar cuando estaba inmerso en las salas del Guggenheim de Bilbao (hasta el 19 de enero) dedicadas a la fotografía de Thomas Struth. ¿Y si volviéramos a hacer lo mismo hasta el infinito? Obtendríamos un abismo de miradas que miran como cuando de pequeño, con mis primas, nos poníamos en el medio de dos espejos que se reflejaban en el cuarto de dormir de mi abuela, restituyéndonos un abismo recursivo de nuestras personas.

©THOMAS STRUTH – Museo Guggenheim, Bilbao Octubre 2019 – 19 de Enero 2020

La exposición en el Guggenheim de Bilbao

La retrospectiva que el Guggenheim de Bilbao dedica al fotógrafo Thomas Struth es realmente impresionante e imperdible; una importante cantidad de imágenes, agrupadas en un conjunto de temáticas que espacian desde el retrato a los paisajes, pasando por retratos a animales muertos, paisajes tecnológicos, casi macros y sobre todo imágenes que muestran miradas que miran en una mareante espiral en la cual quien mira pierde la orientación, hasta llegar a cuestionarse su propio rol en este cuadro de realidad “Escheriana”. A continuación, dejo alguna consideración sobre las series que más me han atraído.

Nuevas imágenes del paraíso

Se trata de imágenes de grandísimo formato que retraen una selva “anónima” en todos sus detalles; se trata de fotografía inmersiva en el sentido que el espectador tiene la sensación de entrar en aquellos lugares y el proceso que se desarrolla no tiene nada a que ver con la contemplación visual, sino que se acerca más a un viaje meditativo o un viaje en el tiempo porque en nuestra mirada no tenemos ninguna referencia que pueda condicionar nuestra perspectiva o juicio.

Naturaleza y Política

©THOMAS STRUTH – Museo Guggenheim, Bilbao Octubre 2019 – 19 de Enero 2020

Esta serie y en particular las imágenes de los laboratorios de investigación espacial, plantas de energía nuclear, laboratorios tecnológicos, quirófanos y plataformas de perforación, son para mí la pieza más fuerte de toda la exposición. El artista ha fotografiado con muchísimo cuidado, detalle, curiosidad y con una fabulosa capacidad de observación y síntesis de espacios complejos: estaciones de trabajo, experimentos científicos e híper-tecnológicos, nuevos desarrollos, investigaciones, procesos de medición e intervenciones que, en algún momento futuro, de forma directa o indirecta, entrarán en nuestras vidas y cambiarán su curso. Se trata de lugares e infraestructuras que normalmente nadie ve porque nadie puede acceder a ellos que, bajo la interpretación visual del fotógrafo, adquieren una insospechable belleza visual hecha de formas, colores y complejidad. Thomas Struth se enfoca en experimentos complejos cuando todavía son prototipos, para transmitirnos la importancia del enfoque “prueba y ensayo” como herramientas para transformar la sociedad contemporánea y explora la estética de la vanguardia tecnológica, la experimentación y la innovación en la actividad humana.

Retratos de la muerte

©THOMAS STRUTH – Museo Guggenheim, Bilbao Octubre 2019 – 19 de Enero 2020

Para mí, la segunda serie más impactante presentada en el Guggenheim es la que retrae los animales tenidos en cautividad y muertos por causas naturales, antes que les hicieron la autopsia en el instituto zoológico Leibniz. La primera sensación que he tenido es de rechazo. Luego me fijé en la dignidad que desprendían estos animales y que fue una clara intención de Struth, a través de poses cuidadosamente buscadas y con una toma desde el alto. Deteniéndome delante de estas imágenes, me fijé luego en pequeños detalles de desgarro en la exterioridad de estos animales que muestran la fragilidad y la sacralidad de la vida, ofreciendo una imagen del pasaje entre la vida y la muerte.

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Francesca Woodman – Ser un ángel

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Exposición, Exposiciones, Francesca Woodman, Madrid, Woodman

Si una chica de casi 23 años decide quitarse la vida lanzándose al vacío desde su apartamento, no se generaría mucho ruido mediático; quizás un pequeño párrafo en la crónica local. Lo mismo pasó el 19 de enero del 1981, cuando Francesca Woodman puso fin a su atormentada búsqueda de un sentido para su vida.

La insignificancia de la vida

Este acto extremo de alguien que llega a preferir la muerte a la insignificancia que da a la vida, confiere a la biografía de Francesca Woodman un halo de misterio que en los años ha amplificado el estatus de artista maldita de culto, que ella y su obra ha ido adquiriendo en el tiempo.

Es la tercera vez en siete años que visito en España una exposición de sus fotografías. Todavía me acuerdo de la tremenda emoción que experimenté la primera vez que veía sus imágenes sabiendo como acabó su vida y como esto contrastaba con la belleza, delicadeza, tensión, provocación de su mensaje visual.

La exposición actual en Madrid

© FRANCESCA WOODMAN

En esta nueva exposición en la Fundación Canal de Madrid (hasta el 5 de Enero), para mi hay que destacar tres elementos novedosos, respeto a lo que normalmente se propone sobre esta artista:

• El montaje intenta alejarse de la obscuridad alrededor de su muerte, mostrando sus imágenes de una manera que prevalga la luz de su atormentada alma creativa y de su inequivocable talento comunicativo y artístico
• Se presentan tres bellísimos cianotipos de gran formato; cosa muy inusual en Francesca Woodman, visto que normalmente pide al espectador de acercarse mucho a sus imágenes
• Se proyecta un video en el cual se ve Francesca Woodman en acción durante su proceso creativo. Verle moverse y escuchar su voz, ha sido para mí muy emotivo.

En estos años, he ido leyendo algunos escritos alrededor de su vida (un ejemplo puede ser esto en el blog Cartier-Bresson no es un reloj) y de ellos se entiende que Francesca Woodman era excéntrica y apasionada y seguramente muy atrevida. Todo esto contrasta fuertemente con su introversión y con su fragilidad interior, creando este dualismo de estados que Francesca por alguna razón no ha sabido conciliar y que por otro lado le ha servido para dejar (en ocho años de practica fotográfica) un potente legado visual altamente evocador, oscuro, provocador, sensible, inquietante, efímero, perturbador, corpóreo, etéreo, sensual, complejo, surrealista, maduro y fugaz.

Los ángeles y los demonios de Francesca

© FRANCESCA WOODMAN

La familia Woodman era una familia de artistas y su madre tenía que ser bastante excéntrica y anteponía a menudo su arte a la cercanía y empatía hacia sus hijos. Muchos piensan que eso ha podido quizás ser una de las causas que ha pesado en la fragilidad del ser de Francesca que, a través de sus autorretratos, buscaba quizás encontrar su individualidad o por lo menos un fragmento de su ser para conciliarlo con el recipiente que lo transportaba en la vida. Otra cosa que ha podido incidir negativamente en su incapacidad de conciliar alma y cuerpo, fue el hecho que, a parte de tres pequeñas exposiciones, de las cuales, la primera en una librería en Roma y otra en su escuela en Rhode Island, nadie quiso nunca exponer sus creaciones.

Los ángeles de Francesca Woodman son terrenales, con las alas sucias de contradicciones, con un cuerpo sensual y adolescente (el suyo), ambientados en escenografías decadentes, abandonadas, en ruina. El contraste entre su cuerpo terrenal y dichas escenografías, son seguramente la metáfora de la no-conciliación de la que hablaba antes y amplifican la belleza del mensaje y al mismo tiempo desvelan un abismo interior, su fragilidad, su introversión y su vulnerabilidad.

Potentes y Poéticas

© FRANCESCA WOODMAN

Cuando veo las fotografías de Francesca Woodman es como recibir un puñetazo en el estomago y a la vez levitar en su poesía visual; es como saborear la dulzura del placer y quedarse con regusto de amargura y tristeza; es como si fuéramos un insecto en plena metamorfosis revertida: desde un ser variopinto que vuela libre, hacia un gusano que se arrastra sin esperanza.

Aquí tenéis otro artículo que escribí sobre Francesca después de haber visto la segunda exposición de sus fotos.

© FRANCESCA WOODMAN

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Olas Negras con Aleteo de Mariposas

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Butterfly, Digital Art, Fundación Telefonica, Madrid, Mariposas, Olas, Sea, teamLAB, Waves

Black Waves: lost, inmersed and reborn

Una de las exposiciones que he visitado en PHE19, ha sido la que para mí es la mejor propuesta expositiva del certamen, montada en el Espacio Fundación Telefónica sobre Wiliam Klein. Cuando estuvo allí, vi el anuncio que, en el mismo Espacio, había una instalación de teamLAB. Desconocía totalmente a teamLAB pero, como la exposición parecía tener a que ver con el mar y como acabo de finalizar la serie Absolute Sea, decidí aprovechar y subir a la cuarta planta del edificio. Entrar en aquella sala, ha sido como entrar en otro mundo: oscuridad total, silencio, roto únicamente por un sonido relajante; una enorme pared frente a mi repleta de mariposas que volaban en un enjambre coloreado; a los dos lados, olas negras con espuma blanca que se movían con un ritmo incesante y dramático. Había entrado en el mundo creado por el colectivo artístico, ahora compuesto por unos cuatrocientos profesionales entre artistas, programadores, matemáticos, ingenieros, animadores digitales y arquitectos, llamado teamLAB. Este colectivo usa la tecnología para crear piezas artísticas inmersivas, que modifican y expanden nuestras experiencias sensoriales, invitándonos además a ser parte activa de la “perfromance”.  La interacción de los espectadores con la pared de las mariposas (Flutter Batterflies, born from hands) generaba la aparición y desaparición de mariposas y consecuentemente se generaban cambios en la forma del enjambre y de su dirección de vuelo. Una sensación bellísima porque uno se siente vinculado con otros seres vivientes y con la Naturaleza en general. La intervención de más de una persona a la vez genera una combinación de posibilidades que dejan totalmente embrujado al espectador.

Flutter Batterflies, born from hands

A lo largo de todas las paredes de la enorme sala, continuaba el incesante moverse de una enorme masa de agua negra y de espuma blanca (Black Waves: lost, inmersed and reborn) que, gracias también a algunos espejos presentes en puntos estratégicos, hacía sentir al espectador inmergido en un océano infinito de agua, de espuma, de ritmo y de belleza, sintiéndose como parte de él, una partícula más que se mueve e interactúa con lo que se está viviendo. La cosa sorprendente, por lo menos para mí que soy informático de formación, es ver cómo está perfectamente resuelto el complicadísimo tema de hacer interactuar armónicamente y coherentemente las masas de aguas que se chocan; habrá miles y miles de combinaciones diferentes en estos choque pero en ninguno de los casos que he presenciado allí, ha habido un resultado no-armónico de estos choques. ¡Una pasada! Para quien tiene la curiosidad de conocer un poco más la filosofía de team LAB, vea este vídeo.

PhotoEspaña 2019: ver, sintiendo

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Exhibitions, Madrid, PHE, PhotoEspaña

                                              Ver, sintiendo

Un año más, he podido disponer de algo de tiempo para ir a Madrid y visitar PhotoEspaña. Es todo un reto poderlo hacer disfrutando de la oportunidad, debido a la gran cantidad de exposiciones dispersas alrededor de un área para nada pequeña de la ciudad. ¡Así que no hay más remedio que planificarse! Comparto mi manera de hacerlo, dejando para artículos futuros, el análisis de las exposiciones que más me han interesado. El punto de partida es sin lugar a duda la web de PHE19 en la cual se encuentran descritas todas las exposiciones del evento, estructuradas en las cuatro secciones: ¿Déjá Vu?, la Sección Oficial, Festival Off y Sedes Invitadas. Hay que armarse de tiempo y paciencia e ir visitando las diferentes páginas (no vamos a ser facilitados por el sistema de navegación del sitio que está todavía diseñado con lógica de web-paleolítico), anotando en una hoja: sede, horario, fechas, parada de metro, de aquellas exposiciones que suscitan algún interés. En mi caso, este año, he buscado aquellas exposiciones relacionadas a los tres temas fotográficos en los que estoy metido: Naturaleza, Arquitectura y Bodegones. A estas temáticas, he además añadido las exposiciones de autores que no podía perderme. Una vez finalizada esta tarea exploratoria de las diferentes propuestas expositivas, tenía la lista de las exposiciones que me interesaban; un nuevo repaso a la lista, apoyado por visitas puntuales al sitio web PHE, me permitió clasificar las exposiciones seleccionadas, de acuerdo a dos prioridades. El siguiente paso fundamental, es bajarse e imprimirse el utilísimo plano de las exposiciones en el cual he ido redondeando con un círculo todas aquellas exposiciones que había seleccionado como prioridad 1 y prioridad 2. Una vez hecho este trabajo, a un simple vistazo del plano, se puede apreciar la distribución de las exposiciones seleccionadas en el mapa de la ciudad y así es fácil agruparlas por cercanía física. En mi caso están claramente definidos:

1. Un aglomerado principal (en naranja en el mapa que adjunto), perfecto para encajar en el día casi entero que tengo a disposición de las 9h hasta las 16h

2. Tres “archipiélagos” (en azul en el mapa que adjunto), para encajar y distribuir entre las tres tardes a mi disposición, a partir de las 19h: un lunes, un martes y un miércoles (es importante saber los días de la semana y el horario, porque la mayoría de las exposiciones están abiertas del M al D y solo pocas están abiertas los lunes)

3. Un conjunto de cuatro “islas” independientes (en rojo en el mapa que adjunto) que tendré que encajar en el otro medio día a mi disposición

Escribo esta entrada después de haber podido aprovechar de las primeras dos ventanas de tiempo; actualizaré este post, una vez que haya podido también disfrutar del último medio día a disposición. Más abajo, comparto una serie de consideraciones personales sobre las diferentes exposiciones che he podido visitar y las “galardonadas” por Photosatriani.

 

El corazón de todos los PHE

La zona Norte

Bodegones y Naturaleza Muerta

Las Galerías

Completa la Lista

Espero que mi experiencia y mis sugerencias puedan servir para organizar vuestra visita a PHE19 y para optimizar los tiempos. Por encima de todo, no olvidéis de disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente feliz. Cualquier comentario, discrepancia o añadido respeto a mis sugerencias será siempre bienvenido.

Los unicornios de Hernandez-Muñoz

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Hernandez, Isabel Muñoz, Madrid, Unicornio

Una vez más me encuentro a relatar y reflexionar sobre dos exposiciones que he visto en Madrid. Una bonita antología del fotógrafo Anthony Hernandez en la sala Barbara de Barganza de la Fundación Mapfre (hasta el 12 de Mayo) y un etéreo trabajo de Isabel Muñoz en la Galería Blanca Berlín (hasta el 9 de Marzo).

Algunos críticos han definido el trabajo de Anthony Hernandez como poesía visual de la decadencia; no estoy convencido totalmente de esta definición. Para mi Hernandez ha fotografiado con increíble respeto lo que su mirada veía y lo que su intelecto quería que viera. Como el mismo dijo: “ser consciente es más importante que la evidencia de esa conciencia en un trozo de papel; ser sensible hacia lo que pasa es más importante de lo que pasa a través de la cámara”. En este sentido se entiende la multitud de técnicas y de enfoques que se encuentran en sus obras y sobre todo se aprecia la migración de su pensamiento en el tiempo, desde la gente a la huella que esta gente deja en los lugares y en el tiempo. No hace falta retratar personas para mostrar (y quizás denunciar) la periferia social; en el paisaje urbano están escritas sus presencias, a través de la ausencia se ve lo que es el mundo de los seres humanos que están al margen de la sociedad; a través de los “castillos sin sentido” que a veces se construyen sin luego finalizarlos, se retrata la sed de dinero y la esperanza de “dar un pelotazo” por parte de otro tipo de personas. De esta manera se abstrae y no se retratan los individuos si no la sociedad. Estando en la sala, me ha parecido encontrar un dualismo dramático entre dos series: Public Transit del ’79 y Screened Pictures del 2015. En ambos casos se trata de paisajes urbanos de gente en espera cerca de paradas de autobús; pero mientras en Public Transit las imágenes trasmitían esperanza, en Screened Picture se percibe atadura y angustia. En Public Transit la ciudad parecía expandirse, había perspectiva, futuro y la gente era la protagonista de un paisaje marginal, pero con esperanza de mejora; en Screened Pictures el espacio y el tiempo son planos, comprimidos, filtrados, enjaulados por las marquesinas de las paradas de autobús y la gente es el fantasma de sí mismo en un tiempo en el cual se tiene la obligación de vivir, pero sin esperanza.

El título de la exposición de Isabel Muñoz es “Los unicornios existen” porque una niña que visitó la exposición que se hizo en Deauville, cuando Isabel fue invitada a participar en el festival Planche Contact con el encargo de realizar un proyecto sobre esta ciudad, dijo que después de haber visto la muestra, podría pensar que los unicornios existen. Se trata de imágenes en blanco y negro de caballos a la orilla del mar en las cuales a veces entra una mujer que casi se fusiona con el animal. La gran mayoría de las imágenes son magníficas platinotipias que acrecen la sensación de una existente conexión entre etéreo y corpóreo, entre espiritual y terrenal.

CONTEMPORANEA: arte e identidad

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Anna Rivelli, Basilicata, Contemporanea, Exhibitions, Exposiciones, Matera, Potenza

Exposición Contemporanea
Museo Acheologico Potenza (Basilicata)

 

Recién llegado de mis vacaciones Navideñas en Basilicata, estaba reflexionando sobre las oportunidades artísticas que mi tierra me ha ofrecido durante mi breve estancia. Sin lugar a dudas, cabe destacar que, a partir del 1 de Enero del 2019, Matera es Capital Europea de la Cultura; esto conllevará un conjunto de eventos a lo largo de todo el año que conviene tener en consideración, para planificar alguna escapada o una estancia más larga en esta ciudad (Matera) y en esta región (Basilicata), que merece un viaje enfocado al descubrimiento pausado de tesoros escondidos en la “marginalidad” en la cual la Basilicata ha sido relegada por demasiado tiempo.

Esta vez también he vuelto a visitar Matera y allí he hecho más fotografías de “I Sassi” que revelaré con ritmo pausado para ir enriqueciendo la serie que dedico a la Capital Europea de la Cultura 2019.

 

I Sassi di Matera
fotografía: Giuseppe Satriani

Este artículo quiero pero dedicarlo a una exposición que he podido ver en el Museo Arqueológico de Potenza y que estará en Matera desde el 16 de Febrero hasta el 10 de Marzo  en el “Ex ospedale San Rocco”. Se trata de la exposición CONTEMPORÁNEA, sobre la generación 1930-1960 de pintores e grabadores Lucani, ideada, realizada y comisariada por Anna Rivelli. Se trata de una exposición que tiene una doble vertiente: por un lado tiene el mérito de recopilar en un único espacio físico, muchas obras de arte visual que, por geografía y por la escasa atención de las entidades públicas locales, nunca habían compartido un mismo espacio y nunca habían llegado a representar una región Italiana a menudo olvidada, a veces hasta con la complacencia de sus gentes; la segunda vertiente de esta exposición es para mí el grito violento y decidido de identidad de un territorio que, al mismo tiempo representa también un claro proyecto de futuro.

Como la misma Anna Rivelli escribe en el magnífico catálogo de la exposición: “la marginalidad geográfica de la Basilicata puede haber incidido negativamente sobre la visibilidad de los artistas, pero seguramente no en la sustancia de sus obras; porque no puede existir ninguna marginalidad allí donde existe el pensamiento del “Hombre”.

Lo mío es una invitación a descubrir la Basilicata, sus tesoros paisajísticos y artísticos, empezando con la exposición CONTEMPORANEA, de la cual he extraído una serie de imágenes de algunos de los autores allí presentes. He elegido aquellas obras con más cercanía a la fotografía, a las cuales he añadido aquellas obras que más impacto emotivo han provocado en mi cuando he visitado la exposición.

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