Serie Fantasmagoria Architectural en la Gelería FotoNostrum
Il Venerdí di Photosatriani N.261
08 Friday May 2020
Category Archives: Events & Exhibitions
Il Venerdí di Photosatriani N. 260
01 Friday May 2020
Il Venerdí di Photosatriani N. 259
24 Friday Apr 2020
Il Venerdí di Photosatriani N. 258
17 Friday Apr 2020
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Esta imagen es la primera de la serie Architectual Phantasmagoria que ha sido galardonada con la Mención de Honor en la edición 14 de los Pollux Awards y que ha sido expuesta en la Galeria Fotonostrum de Barcelona.
Fantasmagoría en Barcelona
09 Monday Mar 2020
Posted in Abstracto, Architecture, Awards, Deep & Daily, Events & Exhibitions, Galleries & Museums
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Arbóreo, Architecture, Awards, Barcelona, Events, Exhibitions
El día 3 de Marzo, en la Galería FotoNostrum en Barcelona se ha inaugurado la exposición relacionada a dos importantes concursos fotográficos internacionales: el 14º Pollux Award y el 14º Julia Margaret Cameron Award.
He tenido el honor y el inmenso placer de estar allí presente por la mención de honor que mi serie “Colored Phantasmagoria” ha obtenido en la sección “Abstract” del concurso Pollux Award y por otra mención de honor que la imagen “Lake of Arboreal Swans” ha obtenido en la misma sección.
Colored Phantasmagoria es una serie de imágenes hechas en el Mercat dels Encants en Barcelona. La Fantasmagoría es una estimulación de los sentidos obtenida al representar la realidad a través de la ilusión visual. Con mis imágenes me gustaría dejar a que la mente del observador se sienta libre para “volar” donde quiera ir, dependiendo de un recuerdo, un color, una emoción vivida, almacenada y redescubierta.
La imagen Lake of Arboreal Swans es una de las muchas experimentaciones que hago con los árboles. Estar frente a estos seres majestuosos genera en mí una sensación de armonía interna que se nutre de esta percepción de infinito que los árboles me transmiten. Utilicé la composición originalmente capturada, para crear un nuevo espacio tanto físico como emocional para intentar representar las sensaciones que los árboles generan en mí.
Volviendo a la inauguración de la exposición, ha sido un evento sobrio y elegante, en el cual primaban las imágenes y sus autores que llegaban de todas las partes del mundo y que allí han tenido la oportunidad de intercambio y contacto. Me gustaría aquí mencionar a algunos, cuyos trabajos me han especialmente atraído.
Snezhana von Büdingen con su proyecto Meeting Sophie
Cherlaine Collette con su proyecto Marvels
Jenny Evans con su proyecto Broken
…como siempre ocurre….después de un pico ahora me espera quizás una travers…como siempre ocurre… después de un pico ahora me espera quizás una travesada en el desierto…pero no hay alternativa…a continuar creando porque crear significa entrar en el reino de las posibilidades!
Visionado de porfolios por Thomas Struth, la perspectiva de un oyente
10 Monday Feb 2020
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En ocasión del cierre de la exposición “Thomas Struth”, el Museo Guggenheim de Bilbao ha organizado un visionado de porfolios fotográficos por parte del autor. Cinco autores, seleccionados por el equipo curatorial del Museo, han podido presentar sus trabajos para recibir una visión crítica por parte del artista. Mi propuesta no fue seleccionada, pero el equipo curatorial, me invitó a mí y a otros cuatro candidatos a participar como oyentes en el taller.
En este artículo, comparto un resumen de lo que pude escuchar y aprender allí porque pienso que podría ser de gran utilidad a otras personas que se encontrarán en una situación similar. También para proporcionar alguna pincelada más sobre Thomas Struth, después de haber compartido con el cuatro horas muy intensas y ricas de enseñanzas.
Fases del Visionado
La primera cosa que pedía Thomas Struth a quien le iba a mostrar su propuesta visual, era disponer sus fotos encima de una gran mesa y de agruparlas según un criterio personal. Durante este tiempo, Thomas no hacía ninguna pregunta y tampoco quería que la persona dijera nada. Simplemente silencio, el ruido del papel deslizando encima de la mesa, las dudas de la persona, la mirada radiográfica de Thomas Struth.
Acabada esta tarea y después de una breve presentación del autor, Thomas empezaba a hacer preguntas, del tipo:
- ¿Qué has estudiado? ¿has hecho algún estudio artístico?
- ¿Cuál es tu profesión?
- A parte de la fotografía ¿cuáles son tus otros campos de interés?
- ¿Cuál es tu legado fotografico?
- ¿Tienes un plan para tu vida artística?
- ¿Cuál es “tu héroe” en la pintura y en la fotografía?
Después de haber obtenido, aclarado y procesado estos datos, pasaba a hacer preguntas sobre los trabajos propuestos, que nerviosamente estaban esperando encima de la mesa. Arrancaba esta segunda fase, con preguntas del tipo:
- Háblame de las imágenes que propones
- Dime las que tu prefieres o las que son para ti “las mejores”
- ¿Qué tipo de sentimiento quieres expresar con esta serie?
- ¿Has expuesto o publicado esta serie?
- ¿Crees que la gente que ha visto estas fotografías han percibido lo que tu querías transmitir?
- ¿Por qué has seleccionado estos trabajos para mostrármelos o porque de los dos trabajos que has traído, has querido mostrarme antes este?
- ¿Cuál es el objetivo de tus trabajos fotográficos? ¿Quieres exponerlos en un espacio? ¿Quieres hacer un libro? ¿Quieres proponerlos en un concurso?
En la tercera fase del visionado, Thomas Struth entraba en acción, proponiendo otras combinaciones de las imágenes, recortando alguna para quitar “espacio innecesario”, jugando al descarte, poniendo las imágenes al revés… mientras tanto hablaba y aquí tenéis algunos de estos pensamientos que se hacían palabras siempre expresadas en un tono más bien bajo, con calma, con extremo respeto hacia la persona que sometía los trabajos a su juicio; tanto respeto, que a veces parecía que no estaba seguro de lo que decía:
- Hay siempre que cuestionarse el porque hemos hecho una foto de una manera dada y de buscar siempre si hay otras maneras de hacer la misma foto. Hay que tener siempre una razón por la cual se quiere hacer una foto y luego ser consecuente con el modo en el cual hago aquella foto.
- Hay que ser exigentes con uno mismo durante la toma, para elegir la perspectiva y el encuadre más adecuado a lo que sentimos e intentar no poner demasiadas cosas dentro.
- Hay que ser directos, claros en el mensaje que se quiere transmitir y para eso es necesario encuadrar lo estrictamente necesario, sin dejar mucho “aire” alrededor de lo que es el sujeto de nuestra foto. Esto vale también a la hora de seleccionar las imágenes que mejor representan lo que queremos expresar. Hay que tener coraje y quedarse con 3, máximo 5 imágenes y estas imágenes tienen que encerrar todo y solo aquello que queremos expresar.
- No hay que buscar la estética, si no que la estética tiene que estar al servicio del mensaje
- Las imágenes siempre trabajan juntas, aunque en apariencia no haya una secuencia entre ellas. Las imágenes son como notas musicales: para crear una música, hay que ponerlas juntas de alguna manera. ¡En la creación, nada depende del caso!
- Se pueden crear diferentes músicas (historias), simplemente dependiendo de que fotos seleccionamos y como componemos la secuencia entre ellas.
- No me gusta mucho ver foto detrás de foto, para mi tiene sentido únicamente ver el dialogo que diferentes fotos tienen en el espacio en lo que las colocamos
- Hay que mantenerse fiel a lo que se sentía cuando se hizo la foto y crear una música de acuerdo con esto y nunca para ofrecer la melodía que gustaría escuchar a los que van a ver nuestras imágenes
- El tiempo asociado a la fotografía no es tanto aquel que se gasta en hacer la foto, si no aquel que nos lleva a querer hacer aquella foto
- Cristalizar una emoción a través de la comparación, esto es la esencia y la ventaja de la fotografía
www.photosatriani.com – el escaparate de un apasionado fotógrafo
03 Monday Feb 2020
La fotografía es un medio de expresión; un vehículo de comunicación. Hacer fotografías, crear imágenes, si luego estas se guardan en un cajón, o todavía peor, en el disco duro del ordenador y nadie las ve, es como hablar en el desierto o tocar música en un cuarto anecoico. Por supuesto queda la posibilidad del disfrute personal pero entonces ya no tendríamos comunicación.
La génesis
Un día, paseando por el centro histórico de Huesca, en la plaza Luis López Allué (creo recordar), me paré delante del escaparate de una lonja, en la cual, un artista local exponía unos delicados, coloreados y emotivos dibujos de paisajes de Los Monegros. Quedé atrapado delante de aquellas pequeñas obras porque consiguieron sintonizarse con algún sentimiento que albergaba en mi interior.
Lo mismo ocurrió otra vez muchos años atrás y a miles de kilómetros de distancias de Huesca cuando, en Cairns (Queensland, Australia), encontré una tienda de un fotógrafo local especializado en fotografía panorámica de paisajes.
Los dos artistas, estaban buscando la manera de sacar sus obras a la luz en el intento no solo de vender, si no también de dialogar con la gente que pasaba por allí. Desde entonces, siempre tuve este deseo romántico de montar mi propria lonja en algún lugar de Euskadi o de la Basilicata en el que mis fotografías pudieran buscar el dialogo con los transeúntes.
Internet y los social networks han abierto un nuevo mundo de escaparates virtuales que seguramente han ayudado a los artistas de Huesca y de Cairns a amplificar el alcance de sus intentos de dar a conocer sus obras. Tener un escaparate virtual es hoy en día una necesidad básica de cualquier persona que, a través de sus obras, quiere instaurar un dialogo con los demás y de esta manera llegar a exponerlas o a venderlas.
Por muchas razones diferentes, a mi me ha costado muchísimo poder montar mi propio escaparate, pero hoy, este deseo lo he podido transformar en realidad. Se llama www.photosatriani.com y quiero mimarlo en el tiempo tanto en contenidos como en visibilidad, para que los transeúntes puedan encontrarlo y así permitir que mis creaciones vean la luz, puedan dialogar y las pueda vender o exponer.
El Porfolio
www.photosatriani.com completa mi presencia en Internet que hasta ahora se basaba en el Blog, en mi página “social” y en una galería de imágenes “desordenadas”.
Entra en la sección Porfolio de mi sitio web; está estructurada en tres áreas que están siendo aquellas en las que concentro mis trabajos fotográficos:
- HABITAT: fotografías de paisajes catalogadas por países
- ARCHITECTURE: fotografías de paisajes urbanos y arquitectónica
- CONCEPT: proyectos fotográficos sobre diferentes temáticas que voy desarrollando de acuerdo con la inspiración del momento
Networking
Además de ir actualizando periódicamente los contenidos del sitio, ahora me queda el trabajo más complejo: hacer que la gente llegue a mi escaparate, convencerla a entrar y a ir husmeando en las diferentes galerías. Si esto ocurre y si mis imágenes les convencen, espero que se genere un virtuoso contagio basado en el “boca a boca”.
Cada uno de vosotros puede aportar su granito en este intento, compartiendo, si quiere, la dirección www.photosatriani.com en vuestras redes y entre vuestros amigos. Además, cualquiera persona que lea este artículo, puede contactarme a través de la página de contacto del sitio web, estaré encantado de dialogar con ellas.
Si por comunicación entendemos la posibilidad de entrar en contacto con otras personas a través del intercambio de información, emociones o sentimientos, es necesario una acción biunívoca entre por lo menos dos partes. www.photosatriani.com es mi intento para que esto ocurra alrededor de mis creaciones visuales, con cualquier persona de cualquier parte del mundo.
FLORES en Tabacalera
13 Monday Jan 2020
Posted in Creativity, Deep & Daily, Events & Exhibitions, Still Life, Visual Arts
Entrada de la exposición Flores en Tabacalera Madrid
Hasta el 26 de Enero en Tabacalera Madrid, se puede ver una exposición que me parece un grito de libertad. Se trata de FLORES del director de cine Pedro Almodovar e del pintor Jorge Galindo.
Flores es el resultado de un trabajo conjunto de los dos artistas que ha tenido como punto de partida las fotografías de bodegones de jarrones y flores que Pedro Almodovar lleva haciendo desde hace tres años.
En los videos que se pueden ver en la exposición, se puede apreciar la manera de trabajar conjunta de los dos artistas usando la pintura y los colores como medio para re-interpretar las fotografías originales y crear nuevos significados. A veces se ha tratado de diálogos entre los dos, otras veces de monólogos simultáneos que han provocado “fuegos artificiales” de colores en las gigantografías de las fotografías de Pedro Almodovar que estaba tiradas en el suelo o colgadas en las paredes del estudio de Galindo.
Lo que obtuvieron, son unas piezas de muy grandes dimensiones que, al verlas, me han trasmitido una fuerte sensación de libertad, de energía, de pasión, de danza creativa, de acción y que me empujó a hacer unas fotos de lo que estaba viviendo, usando la única cámara que tenía a mi disposición en aquel momento: mi móvil. Además, yo he siempre querido (sin poderlo realizar hasta al momento) que mis fotos fueran la base para que un pintor o un artista gráfico las interpretara, añadiendo y modificando mis imágenes. Por todo esto, en aquel momento me sentí muy compenetrado con la acción artística de Almodovar y Galindo y no pude resistirme en hacer fotos para añadir una interpretación más a los cuadros de los dos artistas y de como estos en mi opinión dialogaban con la arquitectura de las salas.
El dialogo entre colores, energía, vida y abandono, tristeza y muerte
El resultado es un dialogo visual entre colores, energía, vida por un lado (las obras de Almodovar/Galindo) y abandono, tristeza y muerte por el otro (las salas “pseudo-abandonadas” de Tabacalera). Ambas dimensiones se refuerzan mutuamente en este juego de contrastes: los vivaces cuadros de Almodovar/Galindo adquieren por contraste todavía más fuerza vital y las salas de Tabacalera con sus arrugas, heridas, tuberías, adquieren una belleza arqueológico-futurista, casi épica.
Miradas que miran: Thomas Struth en el Guggenheim
09 Monday Dec 2019
¿Que se obtendría si alguien nos fotografiara en el momento en el cual estamos mirando una foto en la cual otras personas están mirando una obra de arte que a su vez mira las personas que la están mirando?… esto es lo que he llegado a pensar cuando estaba inmerso en las salas del Guggenheim de Bilbao (hasta el 19 de enero) dedicadas a la fotografía de Thomas Struth. ¿Y si volviéramos a hacer lo mismo hasta el infinito? Obtendríamos un abismo de miradas que miran como cuando de pequeño, con mis primas, nos poníamos en el medio de dos espejos que se reflejaban en el cuarto de dormir de mi abuela, restituyéndonos un abismo recursivo de nuestras personas.
La exposición en el Guggenheim de Bilbao
La retrospectiva que el Guggenheim de Bilbao dedica al fotógrafo Thomas Struth es realmente impresionante e imperdible; una importante cantidad de imágenes, agrupadas en un conjunto de temáticas que espacian desde el retrato a los paisajes, pasando por retratos a animales muertos, paisajes tecnológicos, casi macros y sobre todo imágenes que muestran miradas que miran en una mareante espiral en la cual quien mira pierde la orientación, hasta llegar a cuestionarse su propio rol en este cuadro de realidad “Escheriana”. A continuación, dejo alguna consideración sobre las series que más me han atraído.
Nuevas imágenes del paraíso
Se trata de imágenes de grandísimo formato que retraen una selva “anónima” en todos sus detalles; se trata de fotografía inmersiva en el sentido que el espectador tiene la sensación de entrar en aquellos lugares y el proceso que se desarrolla no tiene nada a que ver con la contemplación visual, sino que se acerca más a un viaje meditativo o un viaje en el tiempo porque en nuestra mirada no tenemos ninguna referencia que pueda condicionar nuestra perspectiva o juicio.
Naturaleza y Política
Esta serie y en particular las imágenes de los laboratorios de investigación espacial, plantas de energía nuclear, laboratorios tecnológicos, quirófanos y plataformas de perforación, son para mí la pieza más fuerte de toda la exposición. El artista ha fotografiado con muchísimo cuidado, detalle, curiosidad y con una fabulosa capacidad de observación y síntesis de espacios complejos: estaciones de trabajo, experimentos científicos e híper-tecnológicos, nuevos desarrollos, investigaciones, procesos de medición e intervenciones que, en algún momento futuro, de forma directa o indirecta, entrarán en nuestras vidas y cambiarán su curso. Se trata de lugares e infraestructuras que normalmente nadie ve porque nadie puede acceder a ellos que, bajo la interpretación visual del fotógrafo, adquieren una insospechable belleza visual hecha de formas, colores y complejidad. Thomas Struth se enfoca en experimentos complejos cuando todavía son prototipos, para transmitirnos la importancia del enfoque “prueba y ensayo” como herramientas para transformar la sociedad contemporánea y explora la estética de la vanguardia tecnológica, la experimentación y la innovación en la actividad humana.
Retratos de la muerte
Para mí, la segunda serie más impactante presentada en el Guggenheim es la que retrae los animales tenidos en cautividad y muertos por causas naturales, antes que les hicieron la autopsia en el instituto zoológico Leibniz. La primera sensación que he tenido es de rechazo. Luego me fijé en la dignidad que desprendían estos animales y que fue una clara intención de Struth, a través de poses cuidadosamente buscadas y con una toma desde el alto. Deteniéndome delante de estas imágenes, me fijé luego en pequeños detalles de desgarro en la exterioridad de estos animales que muestran la fragilidad y la sacralidad de la vida, ofreciendo una imagen del pasaje entre la vida y la muerte.
http://www.photosatriani.com
Francesca Woodman – Ser un ángel
02 Monday Dec 2019
Si una chica de casi 23 años decide quitarse la vida lanzándose al vacío desde su apartamento, no se generaría mucho ruido mediático; quizás un pequeño párrafo en la crónica local. Lo mismo pasó el 19 de enero del 1981, cuando Francesca Woodman puso fin a su atormentada búsqueda de un sentido para su vida.
La insignificancia de la vida
Este acto extremo de alguien que llega a preferir la muerte a la insignificancia que da a la vida, confiere a la biografía de Francesca Woodman un halo de misterio que en los años ha amplificado el estatus de artista maldita de culto, que ella y su obra ha ido adquiriendo en el tiempo.
Es la tercera vez en siete años que visito en España una exposición de sus fotografías. Todavía me acuerdo de la tremenda emoción que experimenté la primera vez que veía sus imágenes sabiendo como acabó su vida y como esto contrastaba con la belleza, delicadeza, tensión, provocación de su mensaje visual.
La exposición actual en Madrid
En esta nueva exposición en la Fundación Canal de Madrid (hasta el 5 de Enero), para mi hay que destacar tres elementos novedosos, respeto a lo que normalmente se propone sobre esta artista:
- El montaje intenta alejarse de la obscuridad alrededor de su muerte, mostrando sus imágenes de una manera que prevalga la luz de su atormentada alma creativa y de su inequivocable talento comunicativo y artístico
- Se presentan tres bellísimos cianotipos de gran formato; cosa muy inusual en Francesca Woodman, visto que normalmente pide al espectador de acercarse mucho a sus imágenes
- Se proyecta un video en el cual se ve Francesca Woodman en acción durante su proceso creativo. Verle moverse y escuchar su voz, ha sido para mí muy emotivo.
En estos años, he ido leyendo algunos escritos alrededor de su vida (un ejemplo puede ser esto en el blog Cartier-Bresson no es un reloj) y de ellos se entiende que Francesca Woodman era excéntrica y apasionada y seguramente muy atrevida. Todo esto contrasta fuertemente con su introversión y con su fragilidad interior, creando este dualismo de estados que Francesca por alguna razón no ha sabido conciliar y que por otro lado le ha servido para dejar (en ocho años de practica fotográfica) un potente legado visual altamente evocador, oscuro, provocador, sensible, inquietante, efímero, perturbador, corpóreo, etéreo, sensual, complejo, surrealista, maduro y fugaz.
Los ángeles y los demonios de Francesca
La familia Woodman era una familia de artistas y su madre tenía que ser bastante excéntrica y anteponía a menudo su arte a la cercanía y empatía hacia sus hijos. Muchos piensan que eso ha podido quizás ser una de las causas que ha pesado en la fragilidad del ser de Francesca que, a través de sus autorretratos, buscaba quizás encontrar su individualidad o por lo menos un fragmento de su ser para conciliarlo con el recipiente que lo transportaba en la vida. Otra cosa que ha podido incidir negativamente en su incapacidad de conciliar alma y cuerpo, fue el hecho que, a parte de tres pequeñas exposiciones, de las cuales, la primera en una librería en Roma y otra en su escuela en Rhode Island, nadie quiso nunca exponer sus creaciones.
Los ángeles de Francesca Woodman son terrenales, con las alas sucias de contradicciones, con un cuerpo sensual y adolescente (el suyo), ambientados en escenografías decadentes, abandonadas, en ruina. El contraste entre su cuerpo terrenal y dichas escenografías, son seguramente la metáfora de la no-conciliación de la que hablaba antes y amplifican la belleza del mensaje y al mismo tiempo desvelan un abismo interior, su fragilidad, su introversión y su vulnerabilidad.
Potentes y Poéticas
Cuando veo las fotografías de Francesca Woodman es como recibir un puñetazo en el estomago y a la vez levitar en su poesía visual; es como saborear la dulzura del placer y quedarse con regusto de amargura y tristeza; es como si fuéramos un insecto en plena metamorfosis revertida: desde un ser variopinto que vuela libre, hacia un gusano que se arrastra sin esperanza.
Aquí tenéis otro artículo que escribí sobre Francesca después de haber visto la segunda exposición de sus fotos.
