No todo lo que podría revelarse hay que revelarlo

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Blanca Berlín, Museo Romanticismo, PhotoEspaña

No sé cómo arrancar este artículo. Me llegan a la mente un montón de posibilidades, pero ninguna muy convincente: el bombardeo visual al cual estamos sometidos en la era de la fotografía digital, pide a gritos la vuelta a un proceso basado en la tradición en el cual las imágenes se vuelven tangibles y tocables; mi dilema creativo permanente que me columpia periódicamente entre la fotografía a alta definición y la fotografía evocadora; la experimentación fotográfica enfocada a encontrar formas y soportes innovadores respeto a los habituales para inventar maneras alternativas de comunicarse a través de la fotografía. Desarrollar cualquiera de los temas enunciados anteriormente, me permitiría tener un marco teórico y general para luego hablar especificadamente de dos exposiciones que vi en PhotoEspaña 2018 y que en definitiva son el objeto principal de este artículo y la causa de mis elucubraciones con las cuales quería arrancar este artículo. Así que lo mejor es empezar a hablar justo de las dos exposiciones que han sido el origen de todo esto.

En la Galería Blanca Berlín (hasta el 8 de Septiembre), Alberto Ros expone “El camino del tao”. El tao es “el origen”, es un camino circular por el cual todos transitamos hasta ser reabsorbidos por él. Es por lo tanto un concepto muy relacionado con la Naturaleza Madre. Pero no es de la base teórica usada por Alberto Ros para su trabajo, que quería hablar. Lo que me fascinó de esta exposición fue la técnica usada por el artista para obtener sus imágenes. El “clorofilotipo” es un proceso que es parte de la antotipia, que usa extractos de plantas para el revelado a contacto, de las imágenes. En el caso del “clorofilotipo”, se usa la misma clorofila contenida en las hojas, come superficie sensible en la cual revelar las imágenes, a través de un lentísimo proceso de transferencia por contacto de la imagen, desde el soporte fotográfico original a la hoja que actúa como papel fotográfico, gracias a la exposición a la luz solar. El resultado son piezas visuales únicas sobre hojas, que revelan imágenes evocadoras, que generan una sensación de paz y serenidad, a la vez que un deambular de la mente a la búsqueda de algún vivido personal para asociarlo con esa imagen efímera revelada en la hoja y que nos ha obligado a pensar.

En el Museo del Romanticismo (hasta el 23 de Septiembre), expone “La experimentación pictorialista” de Tomás de Acillona. En este caso estamos hablando de fotografía experimental entre el 1920 y el 1950 usando la técnica de la goma bicromatada que de Acillona perfeccionó junto su amigo músico Andrés Isasi. Lo que me gusta pensar es que, a pesar de que los críticos atribuyen a de Acillona más bien méritos por la maestría que había llegado a tener en el proceso técnico de revelado, la colaboración con el amigo músico, había contaminado también al fotógrafo que elegía los sujetos para transmitir determinadas emociones que el sentía y no solo porque necesitaba “material” para refinar su dominio de la técnica de revelado. Es verdad que sus imágenes espacian desde los retratos hasta los bodegones, pasando por el paisaje y hasta el reportaje, en mi opinión, en las imágenes de la exposición comisariada por Mikel Lertxundi Galiana, existe como un factor común hecho de silencio y soledad (para nada negativa).

Poniendo a factor común las dos exposiciones, me parece poder afirmar que en ambos casos se trata de fotografía experimental volcada a conseguir imágenes evocadoras en las cuales el verdadero “revelado” es solo parcialmente obtenido en el proceso técnico; parte de este proceso ocurre en nuestras mentes a través de nuestros pensamientos evocados por algún aspecto visual que ha capturado nuestra atención en la imagen que vemos. De esta manera, nuestras mentes revelan con nitidez algún aspecto y dejan en la vaguedad otros, sumando una nueva unicidad en las ya únicas piezas artísticas que estamos mirando. Este proceso inconsciente, me recuerda mucho el proceso muy consciente que el fotógrafo hace cuando trabaja en una imagen a alta definición para revelar con luz algún detalle que permite subir a dimensiones superiores una imagen de por sí muy bella y dejando deliberadamente en la sombra o en un segundo plano otros detalles que no queremos que se revelen.

Para quien ama la fotografía en soporte no digitale, recuerdo que, cada mes de Mayo, en Vilassar de Dalt y en Barcelona se organiza REVELA’T; en la edición de este año también mi amiga Conchi Martínez ha participado con su Cuaderno de Viaje.

 

 

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La importancia de las imperfecciones en el proceso creativo

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Creativity, Opinión, Reflexiones

Consumimos y producimos masivamente pero, ¿Cuándo creamos? Crear necesita tiempo y trabajo, justo lo que normalmente falta, sobre todo para aquellos creadores que luchan todavía para ser conocidos y reconocidos. La creación es un proceso lento de viaje y de reflexión, que no necesariamente da frutos inmediatos; una persona que crea, o cuando una persona crea, busca y rebusca en sí mismo entre sentimientos, recuerdos, ideas, experiencias, pulsiones, algo que encierre todo este proceso y que además sea capaz de transmitirlo a los demás que miran su creación. La tendencia global que todos vivimos en el día a día y en la que todos estamos metidos, es que se invierte tiempo y esfuerzo en lo fútil porque parece que para que lo creado sea valioso, tiene que transformarse en viral. Poco importa la reflexión, la lentitud, el recorrido. Si tenemos nuestros “me gusta”, si se comparte, si se hace viral, entonces es exitoso. Esta manera de mostrar nuestras creaciones, rápida y cortoplacista, merma la perseverancia de quien crea, tanto que, si se quiere abarcar algún proyecto más profundo o más largo, el esfuerzo necesario nos parece inviable y sobre todo inútil.

Por otro lado, desde que el mundo es mundo y continuará a ser así, una persona que crea y sus creaciones están expuestas constantemente al juicio y a la valoración permanente de quien las miran, analizan, sienten y opinan. Todo esto es muy duro, contribuye a hacer tambalear la confianza porque es como estar permanentemente en un columpio o todavía peor, en una montaña rusa, alternando momentos de poesía con otros de total desarmonía y vértigo.

En este contexto, no existen alternativas: hay que asumir los picos y las valles sin exaltarse y sin deprimirse; hay que asumir la falta de confianza periódica; hay que escuchar lo que dice la gente, sabiendo pero discernir lo que vale del ruido y continuar a andar, recordando que todos los pasos suman y que a veces es legítimo aspirar a una percepción a “baja resolución”, para ignorar los detalles que revelan la mezquindad y para difuminar los contornos.

Crear es una herramienta esencial de crecimiento; es una manera de percibir el mundo usando plenamente los sentidos; crear no es una huida de lo real, sino que es pura inmersión en el real porque quien crea busca la belleza en la cotidianeidad llena de imperfecciones, usando una visión poética o personal, para afirmar su propia originalidad sin esperar que los demás “nos elijan”. Si nos acostumbramos a habitar con plenitud la parte imperfecta de nuestra vida y sabemos transformarla en posibilidad, en colores, en formas, en perspectivas, en luz, en olores, en pensamientos, entonces estamos creando y si creamos de esta manera, no nos importará si nuestra creación se queda desconocida para el resto del mundo porque lo que hemos creado es suficiente para darnos felicidad y plenitud.

Mi deseo para todos nosotros es que en el Nuevo Año seamos capaces de invertir la inercia de una vida inmediata con el poder positivo de la creación.

 

La ciudad de la Luz

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Autochrome, Cinema, Fete Lumieres, Hermanos Lumiere, Lyon

©Photosatriani

Os quiero contar una historia que he vivido recientemente. Una historia hecha de coincidencias que mágicamente se cruzan y que piden ser aprovechadas porque parecen ser propuestas por el “aliento del Universo” que conspira para que disfrutemos.

En Octubre, en una de mis noches Madrileñas de trabajo, decidí ir al cine y, después de mucho pensar, me decanté por algo relacionado con el arte visual; elegí ¡LUMIÈRE! Comienza la aventura de Thierry Frémaux. Una película BELLISIMA sobre el cinematógrafo de los hermanos Lumière. Esta pelicula es la secuencia de 158 “micro-peliculas” hechas entre los finales del ‘800/comienzos del ‘900 por los hermanos Lumière, que han sido recuperadas y restauradas por el Institut Lumière de Lyon. Thierry Fémaux, director de este instituto y además director del Festival de Cannes, ha recopilado con maestría estas películas, las ha estructuradas en “capítulos” y además proporciona la voz fuera de campo, que nos conduce en la exploración de los primeros pasos del cine y nos revela detalles que iluminan la inspiración creadora de los hermanos Lumière.

imagen del Blog Macguffin007

Estos dos hombres fueron capaces de materializar una idea que “estaba en el aire”; se revelaron artistas y directores de cine, inventaron técnicas de toma que todavía usan los directores de cine actuales, crearon el moderno concepto de cineasta. Sus películas cuentan la vida de aquella época no solo en Francia sino también en otros Países del mundo (cine documental) pero también retraen verdaderas actuaciones de “actores” (cine cómico-grotesco). En aquella época, aquellas películas constituían la revolución de los conceptos relacionados a la percepción visual y los hermanos Lumière tenían un poder convocatorio impresionante en la alta burguesía de la época; al día de hoy sus películas son para nosotros una clave para que nuestra imaginación dibuje la vida de entonces y se emocione por los sencillos guiones con los cuales se contaban historias mínimas, hechas de gestos cotidianos y de alguna simpática sobre-actuación.

El día después, todavía de resaca por las sensaciones probadas la noche anterior, decidí ir a ver la exposición de Alfonse Mucha, el fundador del Art Nuveau (hasta el 25 de Febrero en el Palacio de Gaviria). Mientras me sentía suavemente rozado por las litografías de mujeres estilizadas y de colores delicados de este artista Checo, pensaba que más o menos Mucha y los hermanos Lumière coincidieron en el “espacio-tiempo”: los años coincidían y Alfonse Mucha residió en Francia por mucho tiempo. Justo cuando estaba ensimismado en estas correlaciones, la audio-guía incluida en el precio del billete, habló de la vertiente artístico-fotográfica de Mucha y de la profunda amistad entre Mucha y los hermanos Lumière! No podía dar crédito a esta coincidencia tan inesperada. Mucha usó la fotografía como medio creativo (sus imágenes son muy actuales en los planos, poses y luces), además usó la fotografía como punto de partida de muchos trabajos que realizó. ¡Mucha pensaba que la fotografía iba a hacer morir la pintura! Mientras tanto, sus amigos (los hermanos Lumière) le mostraron el invento del cinematógrafo, antes de hacerlo público y la primera proyección cinematográfica hecha por los hermanos Lumière, se hizo en el atelier de Mucha.

En aquel momento no sabía que el día después me iba a ofrecer una pieza más del puzzle que estaba componiendo. Volviendo a casa en avión, estaba leyendo la revista de la aerolínea (cosa que no suelo hacer a menudo) y justo me encontré con la Fête de Lumières en Lyon ¡que desconocía totalmente! Lyon-Mucha-los hermanos Lumière…¡¡¡fue la cuadratura del círculo!!! No lo pensé dos veces, después de una rápida consulta con la familia, nos organizamos para cerrar el círculo y organizamos el viaje a Lyon para ver la Fête de Lumières y los lugares de los hermanos Lumière y de Mucha… y desde Lyon os estoy contando esta historia…

Lyon es una ciudad con carácter, elegante, acuática (está en medio de dos ríos: el Ródano y la Saona), con un centro histórico renacentista y unos barrios entre el bohemio y el “casual-chic”, en los cuales se percibe una importante componente artística en el estilo de vida de sus habitantes y sin lugar a dudas, una sensibilidad difundida en el apreciarla.

©Photosatriani

La Fête de Lumières es algo único que merece la pena ser vivido, a pesar de las noches heladas y de la cantidad impresionante de personas que atrae. Por cuatro noches, muchos rincones de la ciudad, calles, plazas, parques, se visten de luz, creando una atmosfera mágica. Este festival tiene sus orígenes en la fiesta popular que los lioneses celebran el 8 de Diciembre; en este día cada lionés pone en la ventana de su casa una vela encendida en honor de la Virgen; esta tradición se ha ido evolucionando en el tiempo, hasta llegar a la dimensión de hoy, cuando ha llegado a ser el principal evento mundial de los artistas lumínicos.

©Photosatriani

La oportunidad no podía ser desaprovechada, así que de día, cuando las instalaciones lumínicas estaban apagadas, visitamos el Istitut Lumière. Después de que todas las piezas del puzzle habían encajado, entrar en este lugar, fue para mí muy emocionante y además me llevé una sorpresa inesperada. Fue como si el cine con todo su imaginario: la sala oscura, la audiencia llena de gente desconocida, el milagro de la imagen en movimiento en la pantalla grande se materializara en una espiral de sensaciones que viajaba por mi cuerpo. La familia Lumière trabajó en equipo para lograr lo que lograron; mientras los hermanos Auguste y Luis inventaron la cámara cinematográfica, el padre Antoine (hombre de negocios no siempre acertados) tuvo la intuición de la fruición colectiva del cine, organizando proyecciones públicas y de pago. Además de la cámara cinematográfica, los hermanos Lumière (precisamente Luis que parece haber sido el más innovador) inventaron también el Autochrome (esta fue la sorpresa que me dejó asombrado); una técnica basada en el proceso de síntesis aditiva que, simplificando muchísimo, se basa en la superposición de tres disparos consecutivos de la cámara y de una placa de millones de granos de almidón de patatas trituradas, en tres colores diferente, para obtener fotografías en colores!!!

Esta historia empezó una noche Madrileña en soledad y dos meses después, la historia se acaba en una fría noche invernal de un Lyon repleto de gente, de luces y de ambiente. Ahora queda solo el regreso que apela a un necesario proceso de decantación, para que la multitud de conceptos, sonidos, imágenes, olores, sabores, evaporen en el inconsciente. Este post es parte de este proceso.

Collages híbridos en tierra de sueños

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Collage, Conner, Cristina Rodero, India, Madrid

foto Photosatriani

Es una enriquecedora rutina que he consolidado en el tiempo; cada vez que tengo la oportunidad de pasar algún día en Madrid, es buena práctica personal la de visitar por lo menos una exposición, aprovechando las muchas posibilidades que esta ciudad ofrece al visitante. La semana pasada mi interés cayó sobre dos “joyas” cercanas en cuanto a lugar donde se exponían pero a los antípodas en cuanto a mensaje y estética. La exposición “Es todo cierto” en el Reina Sofía de Bruce Conner (hasta el 22 de Mayo) y la exposición “Tierra de sueños” de Cristina García Rodero en el Caixa Forum (hasta el 28 de Mayo).

Bruce Conner es un artista multi-facetico, poliédrico, anti-artista y muchísimas cosas más, con una inmensa producción que abarca desde el dibujo hasta escultura, desde el collage hasta la fotografía, desde los “assemblage” hasta el collage cinematográfico, desde la pintura hasta las manchas de tinta. Un tripudio de la polinización entre géneros, una fantasmagoría de mundos híbridos que dialogan con el espectador, lo embrujan y lo hacen pensar, sentir y fantasear.

El primer tipo de propuesta que ha hecho vibrar mis sentidos han sido los collage de grabados, en los cuales el artista creaba “no-personajes” y “no-lugares” a partir de antiguos grabados. El resultado es extraordinariamente parecido a los Antihéroes de Susana Blasco (ella trabaja fotografiando collages obtenidos con viejas fotografías y objetos). La cosa sorprendente es que, hablando con Susana, me ha dicho que ella no conocía la obra de Conner y que “menuda sorpresa” ha tenido cuando se la he presentado…una vez más la evidencia que existen conexiones invisibles y que el arte es circular.

 

 

 

foto cogida en: http://jacindarussellart.blogspot.it

 

Otra creatura de Conner son los Assemblage; consisten en unas esculturas hechas con objetos encontrados y normalmente encerrados en medias de nailon que regalan a estas composiciones de objetos, la sensación de haber dado con ellos en el “desván” de la abuela, llena de telarañas. Otra propuesta bellísima en su sencillez conceptual y material, y atractiva visualmente aunque de compleja fruición, son las manchas de tintas, obtenidas dejando caer un poco de tinta en un papel y luego doblándolo. El resultado son composiciones simétricas que recuerdan los mundos de Escher y que Conner presenta como piezas individuales o juntas, en secuencias de figuras que dejan visualizar el infinito.

https://it.pinterest.com/pin/328551735288144558/  No puedo no mencionar también sus películas que para mí son realmente collage cinematográficos, que Conner obtenía montando pequeñas secuencias de película encontrada o hecha por el. El resultado son películas con un ritmo vertiginoso, acompañadas por un sonido que acentúa todavía más el frenesí de la película. La que más emoción me ha generado, ha sido Breakaway; son 6 minutos de video totalmente cautivador, en el cual una modelo (Toni Basil) se mueve y baila al ritmo de la canción homónima; un himno al cuerpo visto como un instrumento para sentirse libres; una experiencia que no es fácil olvidar; un estilo luego copiado pero difícilmente alcanzado por muchos directores de videoclips.

Quien ama la fotografía, conoce y aprecia a Cristina García Rodero, una mujer capaz de estar donde ninguna otra persona se atreve a ir, además con una cámara en mano y haciendo fotos, para mostrar la esencia de ritos, pueblos, gente a través del sentimiento de las personas que retrata. En mi opinión en Tierra de sueños, su mirada ha seguido un proceso diferente, más pausado, más profundo y menos de “robo”; sus imágenes nos hablan sobre todo de mujeres en la India rural, de los olvidados entre los olvidados; de los marginados dentro de los inexistentes. Sus imágenes a tamaño natural y con unos colores brillantísimos, contrastan fuertemente con el contenido visualizado en las mismas, generando sensaciones fuertes en el espectador porque es como si un grito silencioso se adueñara de él. El efecto es que el espectador se siente inmerso in aquella tierra de sueños, hasta tal punto que pruebas la necesidad de ofrecer tu ayuda.

Il Venerdí di Photosatriani N. 93

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Body, Nacked, Tree

Arbóreo N. 32 – Nacked Tree

Raramente mis árboles se acompañan por seres humanos; esta vez hago una excepción que podría quizás abrir un nuevo camino… o no… ya veremos…

La Tortuga Roja

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Dibujos Animados, Esencia, Film, Tortuga

Casi nunca escribo entradas sobre películas (la última fue La sal de la Tierra, la pelicula de Wim Wenders sobre la vida de Sebastiao Salgado en Enero del 2015), porque desafortunadamente no tengo muchas oportunidades para ir al cine y también porque los contenidos de este blog me gusta mantenerlos lo más posible alineados a lo que he definido que fuera su alcance: “emotional photography, visual art and visual poetry”. La tortuga roja, la última producción de los míticos estudios Ghibli y dirigida por Michael Dudock De Wit, tiene todos los ingredientes tanto visuales como emocionales, para entrar de par en par en este blog.

Se trata de una película de animación en la cual no se dice ni una palabra, por lo tanto la potencia del mensaje es dejado exclusivamente a las imágenes, a los silencios, a los sonidos de la Naturaleza y a la música. Es un relato visual y emocional repleto de sensibilidad, de belleza y de espiritualidad, que pide al espectador calma y abandono para que su magnetismo se haga con nosotros y nos lleva a probar tensión, sorpresa, empatía, desgarro, tristeza, resignación conmoción; todas emociones de grandísimo calado que me han dejado como vaciado y “limpio”.

El mensaje que he captado es a la vez sencillo y extremadamente complejo si lo mapeamos con los valores predominantes de nuestra sociedad. Es la vuelta a la esencialidad, a lo que realmente cuenta en el ciclo vital del Hombre: la convivencia respetuosa con la Naturaleza en todo su esplendor y crueldad; la realización en los valores de la familia, del trabajo y del amor; la no necesidad de poseer mucho o “vivir a la grande” para poder alcanzar la felicidad; la perseverancia necesaria para realizar lo que se considere importante; la sabiduría en el aceptar con serenidad los eventos inevitables del ciclo vital; la belleza del más alto acto de amor altruista que un ser humano he llamado a hacer: cuidar, educar y preparar su descendencia, para poderle dar una vida propia y a menudo alejada del mundo en lo que han crecido y donde los padres normalmente se quedan.

Una gran película unos dibujos de una belleza sencilla y profunda, una narración basada en la empatía emocional sobre los grandes temas de nuestra existencia.

Bodegones: la apariencia real de las cosas

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Bodegón, El Prado, Pilar Pequeño, Still Life, Toni Catany

A veces los elementos se conjuran para crear oportunidades inesperadas… esto ocurrió a finales de Diciembre cuando estaba en Madrid por trabajo. El cliente al cual tenía que proporcionar la consultoría, no disponía del tiempo para atenderme, otro no me había proporcionado los datos que habría tenido que procesar y de repente, me encontré en Madrid con 8 horas de tiempo para mi! Menos mal que llevo siempre conmigo el cuaderno de notas “out-of-work”, en el cual apunto ideas, eventos artísticos, conferencias, cursos, talleres y cualquier cosa con algún interés para mí; así tomé la decisión de ir al Museo del Prado para ver la exposición de Clara Peeters (hasta el 19 de Febrero), una artista prácticamente desconocida que en el 1600 pintaba unos bodegones que para aquella época tenían que ser totalmente vanguardistas, por el realismo con el cual están pintados y por el hecho que el autor era una mujer. El comisario de la exposición, Alejandro Vergara, ha sabido encerrar en una sala pequeña del museo, un conjunto de piezas que en mi opinión son una joya para los sentidos. Digo para los sentidos porque, en las elegantes y enigmáticas pinturas de Clara Peeters, parece que se pueden juntar al mismo tiempo: el gusto, el olfato y la vista. Un detalle que me ha atraído en sus pinturas, además de la elegancia y del uso exquisito de la luz, fue el hecho que en sus cuadros solía incluir unos micro-autorretratos en los reflejos de la luz sobre algún objeto de cristal o de metal que componían sus bodegones.

Qué o quién me llevó hasta Clara Peeters? Indirectamente “mi maestra” de bodegones: Pilar Pequeño; desde cuando hice el taller con ella, me quedé enamorado de este género, del proceso muy intimista que conlleva la creación de un bodegón, de la relación que se tiene con la luz, de la necesidad de “guiarla” para que haga lo que tú quieres que haga, de mascararla o amplificarla porque normalmente sobra cuando no se necesita y falta cuando se necesita.

En el piso inferior de la exposición de Clara Peeters, me encontré con Metapintura (hasta el 19 de Febrero) que los curadores han montado a partir sobre todo de obras de los fondos del Museo; esta exposición, nos hace reflexionar sobre el arte en el arte, sobre los límites de la pintura y sobre los intentos de la pintura de confundirse con la realidad para que el sujeto parezca vivo. En este sentido hay un claro enlace con el tema de los bodegones, porque el bodegón es en pintura el género que con más fuerza intenta crear esta ilusión, este artificio entre lo real y lo pintado.

Al salir de estas dos exposiciones, llamé a Pilar Pequeño para comentar lo que había vivido y ella me recomendó no perderme la exposición de Toni Catany…así que, para cerrar el círculo, fui a ver al Canal Isabel II la exposición retrospectiva de la obra de Toni Catany (hasta el 15 de Enero) en la cual, una vez más, los bodegones tienen un espacio y un peso muy importante.

La característica que quiero destacar de los bodegones de Toni Catany es que él, en muchas ocasiones, creaba estas composiciones para volver a re-vivir recuerdos, sensaciones, emociones, olores de cuando viajaba por el mundo. De hecho, muchos de sus bodegones están creados a partir de objetos reunidos durante años, traídos de todas partes del mundo. En sus composiciones, el autor disfrutaba en volver a sentir lo cotidiano que había vivido en algún sitio, a crear vínculos entre objetos pertenecientes a mundos diferentes, a encontrar semejanzas entre imposibles; en todo este proceso, la luz juega un rol importantísimo para intentar transmitir lo que él sentía.

Raramente, ocho horas de libertad inesperada habían cundido tanto, como me ocurrió en esta ocasión en Madrid; sin lugar a duda, la escasa capacidad de planificación presente en muchas empresas, me genera mal rollo y rabia en la esfera profesional; si esto pero significa abrirme un mundo paralelo en el cual poder disfrutar de sensibilidades como las de Clara Peeters y Toni Catany, me tendré que plantear seriamente si es mejor enfocar mi consultoría al mantenimiento del estatus quo, en lugar que a la mejora; esto me permitiría disfrutar de mucho más tiempo para mi…!!!

 

La revolución del arte “marginal”

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Arte, Opinión, Revolución

Como vengo haciendo desde hace algún tiempo, este año también he querido compartir mi reflexión de “cierre de temporada” y de estreno de la nueva. El año que va acabándose ha sido para mí bastante nefasto desde el punto de vista de la creatividad, de la “producción artística” y de las oportunidades que he tenido para que mi obra vea la luz. He ido progresivamente asentándome en un bache de desconfianza de mis reales capacidades creativas que, sumándose al notable empeño tanto laboral como familiar, me ha relegado en un rincón de donde no es muy sencillo salir.

Sin embargo se dice que “el arte puede cambiar el mundo”. No estoy muy de acuerdo con esta afirmación, por lo menos, no lo puede hacer directamente pero quizás si por osmosis, porque el arte es sí capaz de cambiar la manera con la cual nosotros miramos y consecuentemente, la manera con la cual recordamos. El recuerdo crea ideas y las ideas normalmente crean acción; por lo tanto si educamos nuestra mirada a la belleza, nuestras actuaciones deberían ser dignas y esto por supuesto es un modo de cambiar el mundo.

Este concepto pero no puede restringirse solamente al “arte oficial”, aquella por la cual alguien se identifica como artista, haciendo lo que de acuerdo a un punto de vista compartido, se ha definido o se está definiendo como arte. El Arte tiene que ser libre, tiene que respirar.

Vivimos en un mundo plagado de discursos oficiales, ruedas de prensa sin la posibilidad de hacer preguntas, lugares comunes, prácticas institucionales; funcionamos con una sucesión de instantes que queremos que sean siempre de máxima intensidad. Muchísimos críticos de arte, curadores, coleccionistas y artistas están tan involucrados en este sistema, que se ha llegado a limitar la expresión artística a esquemas, a movimientos, a miles de “ismos” diferentes. Se llega a situaciones surrealistas en las cuales es necesario leer largas explicaciones conceptuales para poder entender una pieza artística, olvidando que lo primero en ellas es la emoción (he dicho emoción y no sensación) que llega a quien la observa desde la inspiración del artista.

Así que tenemos que pensar que en la categoría “arte” hay mucho más de lo que el “sistema” actual imagina o considera como tal; el arte se origina más allá del lenguaje y de la lengua. Por esta razón, cualquiera que con sensibilidad y guiado por su propia fuerza abrumadora interior, quiera proponer algo, tiene el derecho a hacerlo y a ser “escuchado”.

A ver si el 2017 nos mostrará los primeros signos de esta revolución del “arte marginal” y libre. Hay que ponerse en marcha y, antes de todo, pensar (porque solo si pensamos, conseguimos tener en mano las riendas de nuestra vida) y luego crear, hacer, crear, hacer; antes de todo por nuestra propia satisfacción y realización y posiblemente nunca pensando a los “likes” a los “retwits” a los “trending topics” y en hacerse “viral en la red”.

Buon Natale e Felice 2017 a todos los lectores frecuentes u ocasionales de Photosatriani y gracias por continuar a estar allí.

 

 

Miroslav Tichý: una historia, muchas imágenes y la evocación

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Evocación, PhotoEspaña, Poesía, Romanticismo, Tichý

La sensación de plenitud que la mayoría de las personas alcanza percibir cuando la Vida nos regala lo que yo llamo un “cruce mágico”, constituye para mi uno de los instantes que merecen ser perseguidos con abnegación y que recompensan de mucha “ordinariedad” (quiero decir, de muchas cosas ordinarias) que tenemos que tragar. Esto es lo que sentí cuando entré en el Museo del Romanticismo en Madrid y descubrí a Miroslav Tichý y su fotografía, gracias a la exposición organizada allí por Photoespaña (abierta hasta el 28 de Agosto). Llego algo tarde, lo se…Tichý saltó a la fama mundial en el 2004…pero ¡qué importa! No se trata de llegar primero, segundo o último, se trata de sumar al bagaje personal tanto como fotógrafo que como persona, un fragmento de belleza que enriquece y me hace sentirme mejor. Lo que me ha cautivado de Tichý han sido por supuesto sus imágenes evocadoras, resultado de una mirada incisiva y original de la cotidianeidad de la vida, pero también la historia que hay detrás y la persona Miroslav Tichý, un hombre que desarrolló una profunda y arraigada filosofía, fundamentada por la cultura, el arte, la sensibilidad y el anti-conformismo.

Miroslav Tichý antes de llegar a la fotografía, frecuentó la Escuela de Bellas Artes en Praga; nunca llegó a completarla, porqué mientras tanto, se estableció el régimen comunista que impuso a los artista un enfoque que Miroslav no compartía. A partir de allí se hizo siempre más evidente el choque frontal con el “estatus quo” que se iba estableciendo; Miroslav se transformó entonces en un espíritu libre, excéntrico, independiente, rozando la locura; elije una vida al límite y se conforma vivir en una chabola de madera en su ciudad Kyjovn en la Republica Checa. Todo esto le permite ser tolerado por el régimen, que lo deja vivir marginado y que lo obliga a pasar unas temporadas en psiquiátricos o cárceles, para quitarse del medio su figura que amenazaba la perfección aparente que el régimen quería mostrar públicamente, sobre todo durante manifestaciones en las cuales participaban representantes de la jerarquía gubernamental. En los años Cincuenta, Tichý descubrió la fotografía y empezó a desarrollar su propia visión, incluyendo el hecho que era el mismo que se construía sus propias cámaras y lentes con material de desecho, que intervenía con lápiz en las fotos reveladas, que sobrexponía y desenfocaba y que ha utilizado (quizás sin voluntad directa) el tiempo como un elemento más para deteriorar sus imágenes y de esta manera añadirle un mayor componente de evocación. La imperfección que crea poesía.

Cuando la fotografía se convierte en su misión, decide hacer cien fotos cada día; por lo tanto, cada día, sale a darse un paseo por su pueblo para hacer foto de lo que es el “mundo” (como el mismo dice en el maravilloso e imperdible video que Roman Buxbaum ha hecho sobre este artista); a juzgar de las imágenes, parece que su perspectiva del mundo estaba muy condicionada y cercana a la mujer. La casi totalidad de sus fotografías tienen como protagonista las mujeres.

Existe un claro paralelismo entre la poesía y la fotografía de Miroslav Tichý. La poesía es un género literario que, por medio de la palabra, evoca sentimientos, emociones, sensaciones y genera reflexiones y pensamientos. En la poesía se usan elementos de valor simbólico para generar imágenes, que necesitan de una actitud activa por parte de quien lee los poemas para poder captar el mensaje. Las imágenes de Tichý derivan de un concepto evocador de la fotografía. Como el mismo dice: “reconocemos solo lo que podemos y queremos reconocer”; sus imágenes provocan pensamientos, nos obligan a entrar en nosotros mismos, en nuestra memoria, en nuestro vivido, para poder evocar lo que las imágenes nos trasmiten. En este proceso, nuestro ánimo se llena de nostalgia, de recuerdos y de esencial y se le ofrece extraer de lo que ve borroso, sobrexpuesto, desenfocado en las imágenes de Tichý, una clarísima y dulcísima sensación de bienestar. El fotógrafo y el observador de su obra entran en sintonía y por un momento se tiene la sensación que su imagen es tu imagen y que tu vida ha sido lo que él ha congelado en sus fotos. Tichý decía: …”yo no existo en absoluto, soy simplemente una herramienta de percepción…”. Tichý lleva las imágenes a un sugerente lugar en el cual todos nos parecemos y nos reconocemos; la Fotografía de Miroslav Tichý es la más clara demostración que la poética de una imagen no nace de una cámara fotográfica si no de la mirada de la persona que está detrás de ella.

En el 1981, un vecino de Miroslav Tichý, que fue también su psiquiatra, Roman Buxbaum, empezó a entrevistar, a documentar dichas entrevistas y sobre todo a preservar el trabajo deteriorado; al mismo tiempo, trabajó para que se diera a conocer la obra de este artista. Desde entonces, solo en el 2004 (7 años antes de la muerte de Tichý) y gracias al curador suizo Harald Szeemann, se presentó al público su obra en la Biennale de Sevilla; a partir de allí la obra de Tichý cautivó a todos y se llegó a exponer hasta en el Centro Pompidou en París y en el Center of Photography in New York. Miroslav Tichý a pesar de que su obra había alcanzado notoriedad mundial, quedó fiel a sus principios, en ser anti-conformista y “anti-establishment”; rechazó la fama, el dinero, los premios y los paripés y se quedó en su casa llena de imágenes y de muchas otras cosas, en su pueblo Kyjov, del cual supo retratar la esencia de lo que ocurría, tomando siempre las mujeres como sus únicas musas.

Esta historia me cautiva pero también me genera rabia; seguramente nos hace reflexionar entre el dualismo entre ser artista y ser un artista reconocido. … ¿que quiere decir precisamente “reconocido”? ¿Reconocido por quién? ¿Quién se otorga la autoridad de reconocer a un artista? ¿Cuáles son los criterios que usa? ¿Cuánta subjetividad existe en estos criterios (si de criterios podemos hablar)? Todo esto me recuerda el relato visual “El escultor” que leí el año pasado en el cual un galerista decía a un artista: “crees de verdad que existe un “artometro” omnipotente que divide el bueno de lo malo? Es todo malditamente subjetivo, siempre lo ha sido y siempre lo será”.

Una persona que ha vivido su vida sin pedir nada, preservando su libertad y su pensamiento mientras el resto del mundo lo consideraba medio-loco y lo marginaba; una persona con una sensibilidad y profundidad de pensamiento excepcional, reversaba todo su ser en hacer fotografías con cámaras hechas por el mismo, usando materiales de deshecho. Una persona así ha generado una herencia para todos hecha de imágenes evocadoras en las cuales todos nos reconocemos o a través de las cuales, visualizamos nuestros recuerdos o nuestras nostalgias. Esto debería ser suficiente para que su obra fuera conocida y difundida, porque disfrutando de ella, nos ayuda a todos a ser mejores personas y a facilitar que nos conozcamos mejor, más allá de las apariencias, de las hipocresías y de la superficialidad. La obra de Miroslav Tichý conseguió (aunque muy tarde y a pesar de su voluntad) esta notoriedad; una gota en la infinidad del mar de los anónimos que hacen arte para sigo mismo, para sentirse mejor, para expresar la interioridad, para superar conflictos interiores o simplemente para el gusto de hacerla. En este sentido, Miroslav Tichý es sin lugar a duda el artista de los artistas…aunque él, conforme a su anti-conformismo, prefería autodefinirse un “Tarzán jubilado”.

En 1992, el pintor austríaco Arnulf Rainer visitó a Tichý y le pidió comprar algunas de sus obras. Tichý se negó a aceptar dinero y le propuso un trueque: una pintura de Rainer, a cambio de una fotografía. A partir de allí, muchos más artistas quisieron hacer lo mismo. Visto lo visto, Roman Buxbaum fundó entonces The Tichy Ocean Foundation, que se basa en el concepto de intercambio. Artistas de todo el mundo donan sus obras a cambio de fotografías de Miroslav Tichý.

Antes de acabar este post-homenaje, quiero añadir una cosita más: os invito a volver a leer cuanto he escrito o a mirar las imágenes de Tichý, poniendo la bellísima balada que Nick Cave ha querido componer y dedicar a Miroslav Tichý; una pieza que en mi opinión encierra en su ritmo y en sus palabras muchas de las sensaciones que las imágenes de Tichý evocan en nuestras cabezas cuando las miramos.

Berengo Gardin: “el fotógrafo del hombre”

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Berengo Gardin, Palazzo Esposizioni, Roma

“El fotógrafo del hombre”, así Sebastião Salgado define a Gianni Berengo Gardin que, con sus 86 años, es seguramente uno de los fotógrafos más representativos de nuestra época. El mundo capturado en las fotografías de Berengo Gardin es nuestro mundo: nos reflejamos, empatizamos con las personas que Gianni retracta, nos generan una sutil sensación de memoria y de nostalgia y al mismo tiempo son un documento muy preciso de lo que ha ocurrido (sobre todo, pero no solo) en Italia desde el 1954 (cuando empezó a hacer fotografías) hasta nuestros días. Hasta el 28 de Agosto, en el Palazzo delle Esposizioni in Roma, hay la exposición “Vera Fotografía” que narra visualmente los momentos fundamentales de la fotografía de este Maestro a través de unas 250 fotografías extraídas de sus principals trabajos. En mi opinión, un aspecto especialmente estimulante de esta exposición es que hay 24 imágenes de Berengo Gardin comentadas por “excelentes testigos” (colegas, artistas, arquitectos, comisarios de exposiciones, directores de cine, etc.) que facilitan nuestro pensamiento alrededor del valor estético-social que Berengo Gardin ha dejado como testigo a través de su legado visual.

“Si tengo que contar una historia”, dice Gianni Berengo Gardin, “intento siempre empezar desde el exterior: mostrar donde está y como está hecho un país, para luego entrar en sus vías, en sus tiendas y en las casas para hacer fotos a los objetos; esto es un bonito recorrido para conocer el hombre”. Este enfoque revela una delicadeza refinada de la mirada, un ánimo lleno de humanidad y poesía y la profundidad del intento; no se trata de “robar” la exterioridad, amplificando las reacciones superficiales e impactantes a primera vista; se trata de retraer la vida por la que es: momentos mágicos (que solo una mirada atenta y sensible sabe ver) embebidos en una normalidad que se hace testigo de la cotidianeidad. Berengo Gardin proyecta en la gente que retrae, su propia esperanza, su amor por los seres humanos y su capacidad de asombrarse cuando los destellos de belleza (buscados o esperados) iluminan de repente un momento aparentemente normal…y allí está el “click” del Maestro. Una mirada potente pero nunca agresiva.

Me gustaría mencionar entre todas las imágenes que están expuestas en el Palazzo delle Esposizioni, la última serie que Gianni Berengo Gardin ha dedicado a “Venezia e le Grandi Navi” un testigo horrible de la arrogancia con la cual el turismo de masa profana la belleza de las cosas, con la única perspectiva de generar una riqueza efímera para pocos, un daño irreparable al equilibrio de la vida y una violación de nuestro derecho a la dignidad. Como afirma Lea Vergine (crítica de arte), en estas imágenes está presente “una fría seducción que habla de muerte”.

©Gianni Berengo Gardin courtesy Fondazione Forma per la Fotografia

©Gianni Berengo Gardin courtesy Fondazione Forma per la Fotografia

Gianni Berengo Gardin trabajó por muchos años para Olivetti en la época dorada de Adriano Olivetti; considerando que yo también fui empleado Olivetti, aunque unos cuantos años más tarde, para cerrar este post, me gusta incluir algunas de las imágenes que Berengo Gardin hizo en Ivrea, sede de “La Fabbrica Olivetti” y de las personas que contribuyeron a hacerla un ejemplo mundial de sostenibilidad entre vida laboral y personal.