28 Friday Feb 2020
La Cerdeña tiene para mi el mejor mar del Mediterraneo y unos paisajes escondidos de una belleza sobrecogedora. Cuando estaba allí, rodeado por el silencio y una Naturaleza maravillosa, me sentía en el Paraíso.
Las maravillas de la Cerdeña os esperan en Photosatriani
10 Monday Feb 2020
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En ocasión del cierre de la exposición “Thomas Struth”, el Museo Guggenheim de Bilbao ha organizado un visionado de porfolios fotográficos por parte del autor. Cinco autores, seleccionados por el equipo curatorial del Museo, han podido presentar sus trabajos para recibir una visión crítica por parte del artista. Mi propuesta no fue seleccionada, pero el equipo curatorial, me invitó a mí y a otros cuatro candidatos a participar como oyentes en el taller.
En este artículo, comparto un resumen de lo que pude escuchar y aprender allí porque pienso que podría ser de gran utilidad a otras personas que se encontrarán en una situación similar. También para proporcionar alguna pincelada más sobre Thomas Struth, después de haber compartido con el cuatro horas muy intensas y ricas de enseñanzas.
La primera cosa que pedía Thomas Struth a quien le iba a mostrar su propuesta visual, era disponer sus fotos encima de una gran mesa y de agruparlas según un criterio personal. Durante este tiempo, Thomas no hacía ninguna pregunta y tampoco quería que la persona dijera nada. Simplemente silencio, el ruido del papel deslizando encima de la mesa, las dudas de la persona, la mirada radiográfica de Thomas Struth.
Acabada esta tarea y después de una breve presentación del autor, Thomas empezaba a hacer preguntas, del tipo:
Después de haber obtenido, aclarado y procesado estos datos, pasaba a hacer preguntas sobre los trabajos propuestos, que nerviosamente estaban esperando encima de la mesa. Arrancaba esta segunda fase, con preguntas del tipo:
En la tercera fase del visionado, Thomas Struth entraba en acción, proponiendo otras combinaciones de las imágenes, recortando alguna para quitar “espacio innecesario”, jugando al descarte, poniendo las imágenes al revés… mientras tanto hablaba y aquí tenéis algunos de estos pensamientos que se hacían palabras siempre expresadas en un tono más bien bajo, con calma, con extremo respeto hacia la persona que sometía los trabajos a su juicio; tanto respeto, que a veces parecía que no estaba seguro de lo que decía:
30 Monday Dec 2019
De vez en cuando es bueno ser consciente de que hoy, de que ahora, estamos fabricando las nostalgias que descongelarán algún futuro. (Mario Benedetti)
Ha llegado el final de año, tiempo de reflexiones y de consuntivos; el año pasado no pude mantener la tradición de desear desde este blog un feliz año nuevo a través de una pequeña reflexión. La última la hice en el 2017 sobre la importancia de las imperfecciones en el proceso creativo. Este año es sobre la resiliencia en el proceso creativo.
Vivimos en un mundo tecnológicamente avanzado y emocionalmente primitivo, en el cual el sentir y el vivir están tan alejados que, en lugar de apoyarse, se obstaculizan. Este aspecto, genera la necesidad de sobre-ocupar el tiempo para no dar espacio a la introspección o a “dañinas” esquizofrenias emocionales.
Una manera para intentar realinear lo que vivimos con lo que sentimos es entrar en contacto con el arte o, todavía mejor, practicando el arte; no importa si bien o si mal, pero si se hace arte en la mejor manera que podamos, habremos creado algo a través de un proceso que necesariamente es introspectivo y que necesariamente nos obliga a bucear en nuestro caos reordenando ideas, pensamientos, sensaciones, recuerdos, miedos, experiencias.
Crear nos ofrece un escape, pero también desarrolla la empatía y nos permite apreciar lo que tenemos y lo que somos. Lo que a menudo olvidamos, es que antes de crear algo significativo o simplemente que sea capaz de trasmitir emociones en quien son los receptores de nuestra arte, hay que equivocarse ciento y cientos de veces y cientos y cientos de veces levantarse y perseverar en el sendero estrecho de la creación.
¿Por qué digo todo esto? porque estoy pasando por uno de los recurrentes periodos de confusión y desmotivación artística, en los cuales me olvido de mi legado, siento que siempre estoy persiguiendo, que llego tarde, que no soy capaz de proponer nada que tenga un eco en los demás. Son muchos los factores que me llevan a este abismo: un concurso fotografico en el cual había repuesto mucha ilusión que ha ninguneado mis obras; la sensación de pertenecer a un pelotón muy grande que muestra un pedaleo y una fuerza que no siento tener; la participación a un taller de un fotógrafo de éxito durante el cual visualizo la distancia entre lo que soy y lo que necesito aprender; el poco tiempo que puedo dedicar plenamente a la fotografía; la sensación de estar en el “borgiano” jardín de los senderos que se bifurcan y tener que optar siempre por el camino más torcido.
La pregunta que está siempre en el aire es: “¿para qué estoy haciendo todo eso?” ya sé que la respuesta más sensata es: “para mí, para mi disfrute”, pero en ella siempre se cuela algo de vanidad o simplemente el deseo de saber que mi mensaje alguien lo recibe y corresponde, creando así una comunicación a través del lenguaje universal de la fotografía. Cuando lo primero no es suficiente y el segundo no proporciona las respuestas deseadas, entonces, nace la disilusión, la insatisfacción, a veces el abandono.
Como dice Cristian Mihai en uno de sus innumerables artículos en el blog Irevuo, “la pasión tiene poco a que ver con la euforia y todo con la paciencia”. No se trata de tener un subidón, se trata más bien de resistencia, resiliencia y perseverancia. Se trata de equivocarse, de ser burlado, de pasar olímpicamente de lo que piensen y digan los demás, de dudas, de miedos, de rechazos, de silencios y de incomprensiones. Pero….,pero al final no hay mejor remedio que volver a intentarlo porque es lo que nos gusta hacer, porque ya sabemos que volveremos a quererlo una vez más. Es nuestra fuerza, nuestra manera de expresarnos, nuestro grito contra la soledad. Senza l’arte non moriremmo, ma ci sentiremmo meno vivi
Mis deseos para este nuevo año que arranca en breve, es para toda persona que no se cansa de luchar para que lo que creamos tenga un reflejo, un eco en los demás. FELIZ 2020!
Un parcial consuelo para mi es saber que lo que siento es algo común en las personas que crean y se expresan a través de alguna forma de arte. Invito todos a leer estos dos artículos que mi amiga Marcela Tinoco ha compartido en su página FB. Ambos escritos son de Carmen Reviriego que llega a mí misma conclusión, aportando un enfoque de quien trabaja en el mercado del arte. El primero es “El arte, una actividad solo para valientes”; el segundo es “Arte, el arma del futuro”
04 Monday Nov 2019
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Breton Island, El Prado, Exhibitions, Film, France, Italy, Madrid, Painters, Prado, Woman Painter
Una película y una exposición en el Prado que abren una brecha en el silencio que existe alrededor de las mujeres pintoras entre el XVI y XVIII siglos.
Con este post, vuelvo al cine de la mano de Céline Sciamma y su “Portrait de la jeune fille en feu”. Una película que me hizo palpitar y que me ha hecho sentir cercano a la intimidad de los dos personajes principales.
Una historia de amor ambientada en una isla de Bretaña de la Francia del siglo XVIII, entre una pintora y su modelo. Una película en la que no hay interpretes masculinos y que para mi, encuentra su máxima expresión visual, en las miradas de las dos protagonistas que evolucionan en el tiempo de acuerdo con la evolución de sus sentimientos, con una lentitud para nosotros inconcebible y que en cambio deberíamos volver a apreciar.
Una buena fotografía tanto de los paisajes marinos (últimamente han encontrado mucho espacio también en este blog), como de los retratos en el interior, contribuye a marcar los ritmos de este amor pasional e intenso.
La música no tiene mucho espacio en esta película, pero contribuye de manera determinante a que el doloroso, dramático y conmovedor final se haga desgarrador. “L’Estate” de las “Quattro Stagioni di Vivaldi” asume unos tonos altamente románticos, por la habilidad de la directora en casar la pieza musical, con unas imágenes de un doloroso amor que no puede encontrar su cauce. Nunca había percibido en “L’Estate Vivaldiana” el potencial de tristeza que puede trasmitir y que se dispara cuando la tormenta se desata en su parte final.
Retrato de una mujer en llamas permite conocer una realidad oculta: la de las mujeres pintoras de aquella época, especialmente retratistas, de las cuales se sabe muy poco o nada y que han tenido un rol importante en el desarrollo del arte.
Aunque se trate de dos pintoras que han vivido más de un siglo antes de la época en la cual estaba ambientada la película de Sciamma, en la Sala C (Edificio Jerónimos) del Prado (hasta el 2 de febrero) se puede visitar una interesante exposición sobre dos pintoras que supieron romper los estereotipos que la sociedad de entonces asignaba a las mujeres en relación a la práctica artística y supieron afirmarse y alcanzar un papel significativo en el mundo artístico de la época. Se trata de Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.
Un bonito paralelismo entre la película y esta exposición en el Prado que se me dio casualmente y que me ha permitido conocer una dimensión toda al femenino del arte visual, contribuyendo a remover significativamente mi alma dormida.
01 Monday Jul 2019
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Un año más, he podido disponer de algo de tiempo para ir a Madrid y visitar PhotoEspaña. Es todo un reto poderlo hacer disfrutando de la oportunidad, debido a la gran cantidad de exposiciones dispersas alrededor de un área para nada pequeña de la ciudad. ¡Así que no hay más remedio que planificarse! Comparto mi manera de hacerlo, dejando para artículos futuros, el análisis de las exposiciones que más me han interesado. El punto de partida es sin lugar a duda la web de PHE19 en la cual se encuentran descritas todas las exposiciones del evento, estructuradas en las cuatro secciones: ¿Déjá Vu?, la Sección Oficial, Festival Off y Sedes Invitadas. Hay que armarse de tiempo y paciencia e ir visitando las diferentes páginas (no vamos a ser facilitados por el sistema de navegación del sitio que está todavía diseñado con lógica de web-paleolítico), anotando en una hoja: sede, horario, fechas, parada de metro, de aquellas exposiciones que suscitan algún interés. En mi caso, este año, he buscado aquellas exposiciones relacionadas a los tres temas fotográficos en los que estoy metido: Naturaleza, Arquitectura y Bodegones. A estas temáticas, he además añadido las exposiciones de autores que no podía perderme. Una vez finalizada esta tarea exploratoria de las diferentes propuestas expositivas, tenía la lista de las exposiciones que me interesaban; un nuevo repaso a la lista, apoyado por visitas puntuales al sitio web PHE, me permitió clasificar las exposiciones seleccionadas, de acuerdo a dos prioridades. El siguiente paso fundamental, es bajarse e imprimirse el utilísimo plano de las exposiciones en el cual he ido redondeando con un círculo todas aquellas exposiciones que había seleccionado como prioridad 1 y prioridad 2. Una vez hecho este trabajo, a un simple vistazo del plano, se puede apreciar la distribución de las exposiciones seleccionadas en el mapa de la ciudad y así es fácil agruparlas por cercanía física. En mi caso están claramente definidos:
1. Un aglomerado principal (en naranja en el mapa que adjunto), perfecto para encajar en el día casi entero que tengo a disposición de las 9h hasta las 16h
2. Tres “archipiélagos” (en azul en el mapa que adjunto), para encajar y distribuir entre las tres tardes a mi disposición, a partir de las 19h: un lunes, un martes y un miércoles (es importante saber los días de la semana y el horario, porque la mayoría de las exposiciones están abiertas del M al D y solo pocas están abiertas los lunes)
3. Un conjunto de cuatro “islas” independientes (en rojo en el mapa que adjunto) que tendré que encajar en el otro medio día a mi disposición
Escribo esta entrada después de haber podido aprovechar de las primeras dos ventanas de tiempo; actualizaré este post, una vez que haya podido también disfrutar del último medio día a disposición. Más abajo, comparto una serie de consideraciones personales sobre las diferentes exposiciones che he podido visitar y las “galardonadas” por Photosatriani.
Espero que mi experiencia y mis sugerencias puedan servir para organizar vuestra visita a PHE19 y para optimizar los tiempos. Por encima de todo, no olvidéis de disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente feliz. Cualquier comentario, discrepancia o añadido respeto a mis sugerencias será siempre bienvenido.
04 Monday Mar 2019
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Prescindiendo de lo que deseamos, todos y todas tenemos que atravesar la noche. La noche es un tiempo que nos devuelve a nosotros mismos, así como realmente somos; es un tiempo en el cual reflejamos nuestra fragilidad. Es un tiempo propedéutico al posible, durante el cual soñamos y, gracias a estos sueños, tomamos coraje y cultivamos la esperanza. En este proceso, a veces, surge algo impensable a priori que, una vez despiertos, no se sabe bien cuando y tampoco como, puede encontrar en nosotros la manera de transformarse en realidad, aunque esto tiene que tener en cuenta los límites y los espacios de la realidad misma.
La vida es un cambio permanente, más apropiadamente es un tránsito porque en el cambio, cada uno de nosotros no tiene que perderse, si no guardar su propia historia y su propia esencia, para proyectarla en el futuro con la conciencia de sus propias potencialidades. Hay que mirar al futuro recuperando el sentido y la riqueza de nuestra memoria y de nuestras experiencias.
Reflexionando sobre estos dos conceptos de: “noche” y “tránsito” en los términos que acabo de describir, he desarrollado un sentir hacia mi vida y mi pasado en el cual se mezclan la nostalgia de algo que ya no existe y la imperiosa necesidad que todo lo vivido no se pierda en los meandros de la memoria o no se desvanezca en las palabras de un cuento para mis hijos o para quien tendrá gana de escucharme; me gustaría que todo esto tomara cuerpo en imágenes que encierren los sueños de un tiempo, el tránsito del tiempo transcurrido desde entonces y lo que ahora soy. Mis “noches en tránsito”
Matera es la ciudad donde nació mi madre y donde pasé gran parte de los veranos de mi infancia. Por esto la he elegido como primera “Noche en tránsito”
Matera para mí: sabe a nata batida en tarritos de cucurucho que mi abuela nos dejaba cada mañana encima de la mesa de la cocina para el desayuno; huele a los armarios de la cocina de su casa, llenos de pequeños tesoros con los cuales inventarse juegos y fantasear con mis hermanos y mis primas durante las calurosas horas de la tarde, mientras los mayores se echaban la siesta; es el asomarse a las ventanas abiertas pero cerradas por mamparas de madera verde que permitían ver las personas que paseaban por la calle, sin ser vistos; es el cotilleo de las mujeres extrañas y a veces surrealistas que visitaban a mi abuela, después de subir con el aliento a la garganta, una escalera empinada que era necesario superar para llegar a casa de mi abuela; es el helado de la tarde tomado paseando en la calle principal, vestidos como principitos y con el terror de manchar la camisa o el pantalón (¡rigurosamente corto!).
Desde entonces, han pasado muchos, muchísimos años, pero la belleza de la ciudad no solo se ha mantenido, si no que ha crecido, así como en mi han crecido el recuerdo y la nostalgia de aquel vivido. Las imágenes que propongo son el resultado del obrador de mis noches en tránsito que, usando los recuerdos y los sueños de entonces, ha querido construir emociones visuales sin tiempo, en las cuales cada uno espero pueda encontrarse y encontrar su propia y personal clave de lectura. aquí para ver la galeria de fotos completa
Este mismo artículo ha sido publicado en la revista Camera Lucida
16 Monday Jul 2018
No sé cómo arrancar este artículo. Me llegan a la mente un montón de posibilidades, pero ninguna muy convincente: el bombardeo visual al cual estamos sometidos en la era de la fotografía digital, pide a gritos la vuelta a un proceso basado en la tradición en el cual las imágenes se vuelven tangibles y tocables; mi dilema creativo permanente que me columpia periódicamente entre la fotografía a alta definición y la fotografía evocadora; la experimentación fotográfica enfocada a encontrar formas y soportes innovadores respeto a los habituales para inventar maneras alternativas de comunicarse a través de la fotografía. Desarrollar cualquiera de los temas enunciados anteriormente, me permitiría tener un marco teórico y general para luego hablar especificadamente de dos exposiciones que vi en PhotoEspaña 2018 y que en definitiva son el objeto principal de este artículo y la causa de mis elucubraciones con las cuales quería arrancar este artículo. Así que lo mejor es empezar a hablar justo de las dos exposiciones que han sido el origen de todo esto.
En la Galería Blanca Berlín (hasta el 8 de Septiembre), Alberto Ros expone “El camino del tao”. El tao es “el origen”, es un camino circular por el cual todos transitamos hasta ser reabsorbidos por él. Es por lo tanto un concepto muy relacionado con la Naturaleza Madre. Pero no es de la base teórica usada por Alberto Ros para su trabajo, que quería hablar. Lo que me fascinó de esta exposición fue la técnica usada por el artista para obtener sus imágenes. El “clorofilotipo” es un proceso que es parte de la antotipia, que usa extractos de plantas para el revelado a contacto, de las imágenes. En el caso del “clorofilotipo”, se usa la misma clorofila contenida en las hojas, come superficie sensible en la cual revelar las imágenes, a través de un lentísimo proceso de transferencia por contacto de la imagen, desde el soporte fotográfico original a la hoja que actúa como papel fotográfico, gracias a la exposición a la luz solar. El resultado son piezas visuales únicas sobre hojas, que revelan imágenes evocadoras, que generan una sensación de paz y serenidad, a la vez que un deambular de la mente a la búsqueda de algún vivido personal para asociarlo con esa imagen efímera revelada en la hoja y que nos ha obligado a pensar.
En el Museo del Romanticismo (hasta el 23 de Septiembre), expone “La experimentación pictorialista” de Tomás de Acillona. En este caso estamos hablando de fotografía experimental entre el 1920 y el 1950 usando la técnica de la goma bicromatada que de Acillona perfeccionó junto su amigo músico Andrés Isasi. Lo que me gusta pensar es que, a pesar de que los críticos atribuyen a de Acillona más bien méritos por la maestría que había llegado a tener en el proceso técnico de revelado, la colaboración con el amigo músico, había contaminado también al fotógrafo que elegía los sujetos para transmitir determinadas emociones que el sentía y no solo porque necesitaba “material” para refinar su dominio de la técnica de revelado. Es verdad que sus imágenes espacian desde los retratos hasta los bodegones, pasando por el paisaje y hasta el reportaje, en mi opinión, en las imágenes de la exposición comisariada por Mikel Lertxundi Galiana, existe como un factor común hecho de silencio y soledad (para nada negativa).
Poniendo a factor común las dos exposiciones, me parece poder afirmar que en ambos casos se trata de fotografía experimental volcada a conseguir imágenes evocadoras en las cuales el verdadero “revelado” es solo parcialmente obtenido en el proceso técnico; parte de este proceso ocurre en nuestras mentes a través de nuestros pensamientos evocados por algún aspecto visual que ha capturado nuestra atención en la imagen que vemos. De esta manera, nuestras mentes revelan con nitidez algún aspecto y dejan en la vaguedad otros, sumando una nueva unicidad en las ya únicas piezas artísticas que estamos mirando. Este proceso inconsciente, me recuerda mucho el proceso muy consciente que el fotógrafo hace cuando trabaja en una imagen a alta definición para revelar con luz algún detalle que permite subir a dimensiones superiores una imagen de por sí muy bella y dejando deliberadamente en la sombra o en un segundo plano otros detalles que no queremos que se revelen.
Para quien ama la fotografía en soporte no digitale, recuerdo que, cada mes de Mayo, en Vilassar de Dalt y en Barcelona se organiza REVELA’T; en la edición de este año también mi amiga Conchi Martínez ha participado con su Cuaderno de Viaje.
01 Monday Jan 2018
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Consumimos y producimos masivamente pero, ¿Cuándo creamos? Crear necesita tiempo y trabajo, justo lo que normalmente falta, sobre todo para aquellos creadores que luchan todavía para ser conocidos y reconocidos. La creación es un proceso lento de viaje y de reflexión, que no necesariamente da frutos inmediatos; una persona que crea, o cuando una persona crea, busca y rebusca en sí mismo entre sentimientos, recuerdos, ideas, experiencias, pulsiones, algo que encierre todo este proceso y que además sea capaz de transmitirlo a los demás que miran su creación. La tendencia global que todos vivimos en el día a día y en la que todos estamos metidos, es que se invierte tiempo y esfuerzo en lo fútil porque parece que para que lo creado sea valioso, tiene que transformarse en viral. Poco importa la reflexión, la lentitud, el recorrido. Si tenemos nuestros “me gusta”, si se comparte, si se hace viral, entonces es exitoso. Esta manera de mostrar nuestras creaciones, rápida y cortoplacista, merma la perseverancia de quien crea, tanto que, si se quiere abarcar algún proyecto más profundo o más largo, el esfuerzo necesario nos parece inviable y sobre todo inútil.
Por otro lado, desde que el mundo es mundo y continuará a ser así, una persona que crea y sus creaciones están expuestas constantemente al juicio y a la valoración permanente de quien las miran, analizan, sienten y opinan. Todo esto es muy duro, contribuye a hacer tambalear la confianza porque es como estar permanentemente en un columpio o todavía peor, en una montaña rusa, alternando momentos de poesía con otros de total desarmonía y vértigo.
En este contexto, no existen alternativas: hay que asumir los picos y las valles sin exaltarse y sin deprimirse; hay que asumir la falta de confianza periódica; hay que escuchar lo que dice la gente, sabiendo pero discernir lo que vale del ruido y continuar a andar, recordando que todos los pasos suman y que a veces es legítimo aspirar a una percepción a “baja resolución”, para ignorar los detalles que revelan la mezquindad y para difuminar los contornos.
Crear es una herramienta esencial de crecimiento; es una manera de percibir el mundo usando plenamente los sentidos; crear no es una huida de lo real, sino que es pura inmersión en el real porque quien crea busca la belleza en la cotidianeidad llena de imperfecciones, usando una visión poética o personal, para afirmar su propia originalidad sin esperar que los demás “nos elijan”. Si nos acostumbramos a habitar con plenitud la parte imperfecta de nuestra vida y sabemos transformarla en posibilidad, en colores, en formas, en perspectivas, en luz, en olores, en pensamientos, entonces estamos creando y si creamos de esta manera, no nos importará si nuestra creación se queda desconocida para el resto del mundo porque lo que hemos creado es suficiente para darnos felicidad y plenitud.
Mi deseo para todos nosotros es que en el Nuevo Año seamos capaces de invertir la inercia de una vida inmediata con el poder positivo de la creación.
11 Monday Dec 2017
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Os quiero contar una historia que he vivido recientemente. Una historia hecha de coincidencias que mágicamente se cruzan y que piden ser aprovechadas porque parecen ser propuestas por el “aliento del Universo” que conspira para que disfrutemos.
En Octubre, en una de mis noches Madrileñas de trabajo, decidí ir al cine y, después de mucho pensar, me decanté por algo relacionado con el arte visual; elegí ¡LUMIÈRE! Comienza la aventura de Thierry Frémaux. Una película BELLISIMA sobre el cinematógrafo de los hermanos Lumière. Esta pelicula es la secuencia de 158 “micro-peliculas” hechas entre los finales del ‘800/comienzos del ‘900 por los hermanos Lumière, que han sido recuperadas y restauradas por el Institut Lumière de Lyon. Thierry Fémaux, director de este instituto y además director del Festival de Cannes, ha recopilado con maestría estas películas, las ha estructuradas en “capítulos” y además proporciona la voz fuera de campo, que nos conduce en la exploración de los primeros pasos del cine y nos revela detalles que iluminan la inspiración creadora de los hermanos Lumière.
imagen del Blog Macguffin007
Estos dos hombres fueron capaces de materializar una idea que “estaba en el aire”; se revelaron artistas y directores de cine, inventaron técnicas de toma que todavía usan los directores de cine actuales, crearon el moderno concepto de cineasta. Sus películas cuentan la vida de aquella época no solo en Francia sino también en otros Países del mundo (cine documental) pero también retraen verdaderas actuaciones de “actores” (cine cómico-grotesco). En aquella época, aquellas películas constituían la revolución de los conceptos relacionados a la percepción visual y los hermanos Lumière tenían un poder convocatorio impresionante en la alta burguesía de la época; al día de hoy sus películas son para nosotros una clave para que nuestra imaginación dibuje la vida de entonces y se emocione por los sencillos guiones con los cuales se contaban historias mínimas, hechas de gestos cotidianos y de alguna simpática sobre-actuación.
El día después, todavía de resaca por las sensaciones probadas la noche anterior, decidí ir a ver la exposición de Alfonse Mucha, el fundador del Art Nuveau (hasta el 25 de Febrero en el Palacio de Gaviria). Mientras me sentía suavemente rozado por las litografías de mujeres estilizadas y de colores delicados de este artista Checo, pensaba que más o menos Mucha y los hermanos Lumière coincidieron en el “espacio-tiempo”: los años coincidían y Alfonse Mucha residió en Francia por mucho tiempo. Justo cuando estaba ensimismado en estas correlaciones, la audio-guía incluida en el precio del billete, habló de la vertiente artístico-fotográfica de Mucha y de la profunda amistad entre Mucha y los hermanos Lumière! No podía dar crédito a esta coincidencia tan inesperada. Mucha usó la fotografía como medio creativo (sus imágenes son muy actuales en los planos, poses y luces), además usó la fotografía como punto de partida de muchos trabajos que realizó. ¡Mucha pensaba que la fotografía iba a hacer morir la pintura! Mientras tanto, sus amigos (los hermanos Lumière) le mostraron el invento del cinematógrafo, antes de hacerlo público y la primera proyección cinematográfica hecha por los hermanos Lumière, se hizo en el atelier de Mucha.
En aquel momento no sabía que el día después me iba a ofrecer una pieza más del puzzle que estaba componiendo. Volviendo a casa en avión, estaba leyendo la revista de la aerolínea (cosa que no suelo hacer a menudo) y justo me encontré con la Fête de Lumières en Lyon ¡que desconocía totalmente! Lyon-Mucha-los hermanos Lumière…¡¡¡fue la cuadratura del círculo!!! No lo pensé dos veces, después de una rápida consulta con la familia, nos organizamos para cerrar el círculo y organizamos el viaje a Lyon para ver la Fête de Lumières y los lugares de los hermanos Lumière y de Mucha… y desde Lyon os estoy contando esta historia…
Lyon es una ciudad con carácter, elegante, acuática (está en medio de dos ríos: el Ródano y la Saona), con un centro histórico renacentista y unos barrios entre el bohemio y el “casual-chic”, en los cuales se percibe una importante componente artística en el estilo de vida de sus habitantes y sin lugar a dudas, una sensibilidad difundida en el apreciarla.
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La Fête de Lumières es algo único que merece la pena ser vivido, a pesar de las noches heladas y de la cantidad impresionante de personas que atrae. Por cuatro noches, muchos rincones de la ciudad, calles, plazas, parques, se visten de luz, creando una atmosfera mágica. Este festival tiene sus orígenes en la fiesta popular que los lioneses celebran el 8 de Diciembre; en este día cada lionés pone en la ventana de su casa una vela encendida en honor de la Virgen; esta tradición se ha ido evolucionando en el tiempo, hasta llegar a la dimensión de hoy, cuando ha llegado a ser el principal evento mundial de los artistas lumínicos.
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La oportunidad no podía ser desaprovechada, así que de día, cuando las instalaciones lumínicas estaban apagadas, visitamos el Istitut Lumière. Después de que todas las piezas del puzzle habían encajado, entrar en este lugar, fue para mí muy emocionante y además me llevé una sorpresa inesperada. Fue como si el cine con todo su imaginario: la sala oscura, la audiencia llena de gente desconocida, el milagro de la imagen en movimiento en la pantalla grande se materializara en una espiral de sensaciones que viajaba por mi cuerpo. La familia Lumière trabajó en equipo para lograr lo que lograron; mientras los hermanos Auguste y Luis inventaron la cámara cinematográfica, el padre Antoine (hombre de negocios no siempre acertados) tuvo la intuición de la fruición colectiva del cine, organizando proyecciones públicas y de pago. Además de la cámara cinematográfica, los hermanos Lumière (precisamente Luis que parece haber sido el más innovador) inventaron también el Autochrome (esta fue la sorpresa que me dejó asombrado); una técnica basada en el proceso de síntesis aditiva que, simplificando muchísimo, se basa en la superposición de tres disparos consecutivos de la cámara y de una placa de millones de granos de almidón de patatas trituradas, en tres colores diferente, para obtener fotografías en colores!!!
Esta historia empezó una noche Madrileña en soledad y dos meses después, la historia se acaba en una fría noche invernal de un Lyon repleto de gente, de luces y de ambiente. Ahora queda solo el regreso que apela a un necesario proceso de decantación, para que la multitud de conceptos, sonidos, imágenes, olores, sabores, evaporen en el inconsciente. Este post es parte de este proceso.
10 Monday Apr 2017
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foto Photosatriani
Es una enriquecedora rutina que he consolidado en el tiempo; cada vez que tengo la oportunidad de pasar algún día en Madrid, es buena práctica personal la de visitar por lo menos una exposición, aprovechando las muchas posibilidades que esta ciudad ofrece al visitante. La semana pasada mi interés cayó sobre dos “joyas” cercanas en cuanto a lugar donde se exponían pero a los antípodas en cuanto a mensaje y estética. La exposición “Es todo cierto” en el Reina Sofía de Bruce Conner (hasta el 22 de Mayo) y la exposición “Tierra de sueños” de Cristina García Rodero en el Caixa Forum (hasta el 28 de Mayo).
Bruce Conner es un artista multi-facetico, poliédrico, anti-artista y muchísimas cosas más, con una inmensa producción que abarca desde el dibujo hasta escultura, desde el collage hasta la fotografía, desde los “assemblage” hasta el collage cinematográfico, desde la pintura hasta las manchas de tinta. Un tripudio de la polinización entre géneros, una fantasmagoría de mundos híbridos que dialogan con el espectador, lo embrujan y lo hacen pensar, sentir y fantasear.
El primer tipo de propuesta que ha hecho vibrar mis sentidos han sido los collage de grabados, en los cuales el artista creaba “no-personajes” y “no-lugares” a partir de antiguos grabados. El resultado es extraordinariamente parecido a los Antihéroes de Susana Blasco (ella trabaja fotografiando collages obtenidos con viejas fotografías y objetos). La cosa sorprendente es que, hablando con Susana, me ha dicho que ella no conocía la obra de Conner y que “menuda sorpresa” ha tenido cuando se la he presentado…una vez más la evidencia que existen conexiones invisibles y que el arte es circular.
foto cogida en: http://jacindarussellart.blogspot.it
Otra creatura de Conner son los Assemblage; consisten en unas esculturas hechas con objetos encontrados y normalmente encerrados en medias de nailon que regalan a estas composiciones de objetos, la sensación de haber dado con ellos en el “desván” de la abuela, llena de telarañas. Otra propuesta bellísima en su sencillez conceptual y material, y atractiva visualmente aunque de compleja fruición, son las manchas de tintas, obtenidas dejando caer un poco de tinta en un papel y luego doblándolo. El resultado son composiciones simétricas que recuerdan los mundos de Escher y que Conner presenta como piezas individuales o juntas, en secuencias de figuras que dejan visualizar el infinito.
https://it.pinterest.com/pin/328551735288144558/ No puedo no mencionar también sus películas que para mí son realmente collage cinematográficos, que Conner obtenía montando pequeñas secuencias de película encontrada o hecha por el. El resultado son películas con un ritmo vertiginoso, acompañadas por un sonido que acentúa todavía más el frenesí de la película. La que más emoción me ha generado, ha sido Breakaway; son 6 minutos de video totalmente cautivador, en el cual una modelo (Toni Basil) se mueve y baila al ritmo de la canción homónima; un himno al cuerpo visto como un instrumento para sentirse libres; una experiencia que no es fácil olvidar; un estilo luego copiado pero difícilmente alcanzado por muchos directores de videoclips.
Quien ama la fotografía, conoce y aprecia a Cristina García Rodero, una mujer capaz de estar donde ninguna otra persona se atreve a ir, además con una cámara en mano y haciendo fotos, para mostrar la esencia de ritos, pueblos, gente a través del sentimiento de las personas que retrata. En mi opinión en Tierra de sueños, su mirada ha seguido un proceso diferente, más pausado, más profundo y menos de “robo”; sus imágenes nos hablan sobre todo de mujeres en la India rural, de los olvidados entre los olvidados; de los marginados dentro de los inexistentes. Sus imágenes a tamaño natural y con unos colores brillantísimos, contrastan fuertemente con el contenido visualizado en las mismas, generando sensaciones fuertes en el espectador porque es como si un grito silencioso se adueñara de él. El efecto es que el espectador se siente inmerso in aquella tierra de sueños, hasta tal punto que pruebas la necesidad de ofrecer tu ayuda.
