Inner Landscapes es un proyecto cuya gestación comenzó durante el período de confinamiento, cuando nos vimos obligados a quedarnos en casa, rediseñar nuestro modelo de vida, aplaudiendo a aquellas personas que estaban salvando vidas, poniendo en riesgo la suya. En esos días pensé mucho en el daño y abuso que la forma de vida de la Humanidad le está haciendo a la Naturaleza y a nuestro Planeta.
Esto fue el caldo de cultivo de Inner Landscapes, un proyecto todavía en curso que pero ha alcanzado ya una cierta entidad como para “salir a la calle” y encontrar espero los favores de la gente. La verdad es que ya he tenido el honor y el placer de que la plataforma Sineresi ha querido dedicar una de sus exposiciones virtuales a Inner Landscapes y su directora, Anna Rivelli le ha querido proporcionar una presentación realmente sentida y acertada.
Vivimos en un mundo tecnológicamente avanzado, pero emocionalmente primitivo; un mundo en el que sentir y vivir a menudo los mantenemos tan separados que, en lugar de apoyarse mutuamente, se obstaculizan.
Nuestro paisaje interior a menudo no emerge, porque contrasta demasiado con nuestra manera de vivir y con nuestra exagerada preocupación sobre cómo debemos aparecer a los demás y sobre lo que estos piensan de nosotros.
Para intentar llenar el vacío entre vivir y sentir, el mejor remedio es entrar en pleno contacto con la Naturaleza. La naturaleza es un poder armonioso y silencioso; es el espejo de nuestra pequeñez comparada con su grandeza.
Mis imágenes quieren representar esta unión necesaria entre la Naturaleza y la Naturaleza Humana, como la única forma de armonizar nuestro paisaje interior con nuestra vida.
esta imagen pertenece a la serie Inner Landscapes que está todavía en curso de preparación. En mi sitio web se puede ver ya algún avance de dicha serie que muy pronto saldrá a la luz
Por esta razón, hace ya más de ocho años, empecé este blog que nunca pretendió llegar a ser popular o un “trending topic” o una referencia imprescindible en el mundo de la fotografía. Para llegar a conseguir un “estatus” especial, a parte de buenos contenidos, habría que saber mucho de SEO, habría que ser brillante y proactivo en redes sociales, habría que curar la dimensión comercial; todos aspectos que requieren tiempo, dedicación, empeño que desafortunadamente no tengo y capacidades que no son todas mi punto de fuerza. Cuando empecé el blog Photosatriani, mi objetivo era dar cabida a mi necesidad de expresarme con la palabra y con las imágenes sobre las artes visuales, con la condición de que tenían que ser vividas en primera persona. Fotos hechas por mí, relatos sobre exposiciones que he visitado, vivencias fotográficas, películas que he visto, libros relacionados con las artes visuales que he leido, eventos fotográficos en los cuales he participado, personas relacionadas con el arte visual que he conocido y con las cuales tengo contacto, etc…
He sido perseverante y constante en todos estos años, acumulando un conjunto de lectores que me están acompañando en este camino y recibiendo apreciaciones explicitas de muchas personas. Gracias a mi blog y al contenido de los artículos que publico, he arrancado una colaboración con la revista digital Camera Lucida de mi mentor y maestro Juan Pablo de Miguel, así como una colaboración con el blog de viajes DosViajando, gestionado con acierto y picardía por Alberto y Suso. Con mucho orgullo y satisfacción, la semana pasade estrené una nueva colaboración, esta vez con Dodho Magazine digital, una plataforma dedicada a la fotografía y para la fotografía. ¡Ahora soy un “Dodher” y de esto estoy agradecido con Maxim (fundador y director de Dodho) que supo leer entre líneas en las entradas de mi blog y me invitó a ser parte de su iniciativa y a María (la responsable marketing de Dodho) que me ha ido empujando en mis primeros pasos como Dodher…
Estreno dicha colaboración con un artículo sobre la resiliencia en el proceso creativo. Ser resilientes es seguramente una de las mayores y mejores cualidades que hay que cultivar con perseverancia y método, sobre todo por aquellas personas que crean arte (somos la gran mayoría) y que luchan por “escapar del anonimato” y tener la satisfacción que sus obras vean la luz.
Uno de los sectores más golpeados por el COVID-19 es sin lugar a duda el de la Cultura. Durante el confinamiento he podido tomar todavía más conciencia del impacto de la pandemia en este sector, gracias a las píldoras visuales del Fair Saturday Forum que invito a todos y a todas a escuchar. Son fragmentos de optimismo realista que nos ofrecen esperanza de que el Arte y la Cultura puedan ser las herramientas al alcance de todos para sobrellevar mejor los tiempos más oscuros.
Ahora que hemos alcanzado una “nueva normalidad” y a pesar de tener que lidiar con brotes “pseudo-controlados”, deberíamos empezar a poner en práctica las invitaciones a acercarnos a cualquier forma de arte con el doble objetivo de enriquecernos y superar los rastros de negatividad que esta situación nos acarrea, pero también de ayudar a que este sector se sustente y que salga adelante con más energía y con propuestas innovadoras para adecuarse a la nueva situación. Menos reuniones masivas, menos ocio nocturno, menos botellones y más visitas a galerías, cines, teatros, exposiciones, bibliotecas, salas de conciertos; ciertamente es una receta que encontrará mucha resistencia en ciertos sectores de la sociedad, pero que ofrece una actitud más íntima, sosegada y solidaria hacia el disfrute personal y colectivo… y además tiene el efecto colateral de desarrollar el pensamiento crítico y creativo que mucha falta nos hace en estos tiempos.
Bilbao ofrece muchas oportunidades para poner en práctica lo que recomiendo y en este artículo señalo un cuadrilátero expositivo que se desarrolla entre el Museo de Bellas Artes, el Guggenheim, la Sala Rekalde y la Galería Lumbreras.
Me he acercado al Museo de Bellas Artes atraído por la exposición sobre la obra de Ameztoy (prorrogada hasta el 13 de Septiembre). En lapágina del Museo se puede descargar una completísima e interesantísima cronología sobre el autor, escrita por Miriam Alzuri Milanés y un documento extremadamente rico de Javier Viar que ayudan a entender mucho sobre la vida y la obra de este artista, además de encuadrarla en el contexto artístico-social y ofrecernos más claves de lectura.
Quise ir a ver esta exposición porque en sus creaciones hay una predominancia de la Naturaleza y del Humano a lo que se suma la presencia de lo imprevisible, a veces de lo inquietante, del insólito y del humor. Sus cuadros son como una mezcla (lo digo sin tener ninguna base de estudios de historia del arte) de El Bosco, Magritte y De Chirico. Para ser totalmente sincero, su obra me ha recordado también y de alguna manera, los comics de Jacovitti con los cuales pasaba horas y horas cuando era niño, perdiéndome en los pequeños detalles que Jacovitti incluía en sus obras.
Los cuadros de Ameztoy están llenos de referencias a la cultura vasca, a la ecología; sus pinturas son muy fotográficas, en el sentido que yuxtaponen diferentes planes como si se trataran de capas de Photoshop; delatan una técnica muy cuidadosa de los detalles y resultan muy sofisticadas y por todo esto, para mí son muy atractivas tanto visualmente como conceptualmente.
En estas últimas semanas, empujado por la necesidad de armonía y paz, he arrancado un nuevo proyecto fotografico que todavía no sé dónde me llevará y que tiene dos pilares con los cuales quiero crear imágenes: la Naturaleza y las Mujeres. Aquí tenéis un avance exclusivo de lo que estoy haciendo.
La exposición de Ameztoy me ha inspirado algunas variantes que exploraré en mis intentos y veremos si al final cuaja en un trabajo presentable y sobre todo satisfactorio para mí. Cualquier comentario (“reply” en esta misma entrada o e-mail a giusatriani@yahoo.com) que me queréis hacer sobre la imagen que he compartido y sobre la idea que hay detrás, sería muy importante para mi.
En el Museo de Bellas Artes hay también otra exposición temporal (hasta el 12 de Octubre) muy interesante, sobre el paisaje español de los principios del siglo XX.
Desde el Bellas Artes hasta el Guggenheim hay algo más de 500mt; allí se puede disfrutar de la exposición imperdible de Olafur Eliasson (hasta el 4 Abril 2021): un viaje en los sentidos y en las percepciones; un tipo de arte físico y tangible. Las instalaciones de este artista usan a menudo materiales como hielo, musgo, agua, niebla, luz reflejada que nos recuerdan nuestra dependencia de la Naturaleza y a la vez como la Naturaleza nos proporciona los elementos necesarios para podernos elevar. También en este caso, como en la exposición de Ameztoy y como mi humilde intento fotografico, el arte está impregnado de amor y respeto hacia la Naturaleza. Leyendo los panfletos disponibles en el Guggenheim, una cosa que me gusta subrayar de Olafur Eliasson es que, para crear su arte, cuenta en su estudio de Berlín con un equipo multidisciplinar hecho por artesanos, arquitectos, archiveros, investigadores, administradores, cocineros, programadores, historiadores del arte. La contribución y el dialogo de diferentes sensibilidades, perspectivas, conocimientos enriquece la creación artística, así como cualquiera actividad humana y representa una forma comunitaria de progreso y una expresión social del arte.
En la sala Rekalde (750mt desde el Guggenheim) acaba de cerrar la exposición “Con la boca abierta” una exposición temática de la grandísima fotógrafa Cristina García Rodero en la cual los sujetos fotografiados están bostezando, gritando, asombrados, riendo a carcajadas o gritando de dolor. Esto en la práctica significa una retrospectiva de más de 40 años dedicados a la fotografía por parte de esta grande mujer. Las imágenes de Cristina García Rodero plasman perfectamente su carácter curioso y sensible que le ha permitido superar barreras, normas y prejuicios en las situaciones más disparatadas, para conseguir imágenes de una belleza sobrecogedora en las cuales la Humanidad, las emociones humanas, los sentimientos y la imprevisibilidad, están siempre al centro. Una característica especial de la fotografía de Cristina García Rodero es que cuando alguien mira sus imágenes, tiene siempre la sensación de haber comprado una entrada para estar en primera fila en el teatro de la vida.
La Galería Lumbreras (500mt desde la Sala Rekalde), dentro de PHE20, propone “Piscinas del Olvido” de Cano Erhardt(hasta el 11 de septiembre). Se trata de una serie de fotografías hechas en un barrio de La Habana en el cual hay unas piscinas a lado del mar que han sido abandonadas. Esto es el pretexto del autor para hacernos reflexionar sobre lo que podía haber sido y que no lo ha sido, sobre futuros que no han podido ser.
Este cuadrilátero de arte en Bilbao es por sí solo una razón para que estas vacaciones anómalas que nos toca vivir este año se puedan convertir en una oportunidad para disfrutar con el arte pero también con la buena cocina, con lugares naturales espectaculares de sus alrededores, con el Aurrera Fest en el Euskalduna y con una ciudad que acoge siempre con brazos abiertos y con gana de sorprendernos.
Se habla mucho de le “España vaciada”. El fenómeno supera las fronteras y tiene ya un alcance europeo, si no global. Muchas ciudades son ya parangonables a los agujeros negros: se tragan mucha de la riqueza humana y material, sin devolver a menudo, ni un eco de valor. Son constelaciones egocéntricas y endogámicas que tientan, ofrecen oportunidades, uniformizan y brillan de luz propia, apagando el mundo a sus alrededores. Voy hacia dónde vengo es un llamamiento para invertir el rumbo y para proporcionar una esperanza de futuro.
En la edición de este año de Zinecittá (manifestación organizada en Bilbao por Euskaditalia), se ha presentado el documental: “Vado verso dove vengo”(* ver la nota al final del artículo) cuyo autor y director artístico es Luigi Vitelli y cuyo director es Nicola Ragone.
El documental trata el tema de la despoblación de las áreas rurales de mi región de proveniencia (la Basilicata). Lo hace a través de una recopilación de testimonios no solo de las personas que se han ido de aquellos lugares, sino también de las personas que a aquellos lugares vuelven, de las personas que han elegido quedarse y de aquellas personas que están andando alli, simplemente para encontrar un refugio lejos de la idiosincrasia urbana.
El lugar que constituye la espina dorsal de este documental es Aliano, un pueblo en provincia de Matera rodeado de “Calanchi”. Estas son unas formaciones orográficas maravillosas e impactantes, derivadas de la corrosión de la tierra arcillosa por el agua y el viento.
GENIUS LOCI
El encuentro con Luigi Vitelli e Nicola Ragone en Bilbao me dio pie a presentar la propuesta expositiva GENIUS LOCI para la iniciativa “HACER” enmarcada en PhotoEspaña.
El Genius Loci es una expresión en latín que indica la “esencia del lugar”, su naturaleza única e indistinguible. El Genius Loci es portador de identidad. La hipótesis que el colectivo AUKERA hace con esta propuesta visual es que el Genius Loci sea el motor primario para un nuevo renacimiento en el cual, al “genio” de los individuos que se han quedado, que vuelven o que simplemente van, se suma el “genio” del lugar. La polinización entre esta variedad de individuos y el lugar donde se juntan permite identificar las raíces culturales y plasmar una nueva identidad y una historia propia.
En la “Europa vaciada” es siempre más fácil encontrar lugares abandonados que normalmente se ven como espacios de nadie, escenarios de melancolía cargados de ausencia, abandono y olvido.
Para nosotros, estos lugares constituyen, por el contrario, el reino de las posibilidades; asociamos a ellos un mensaje de esperanza, de regreso, de vuelta a empezar, de segundas posibilidades. Solo si somos capaces de volver a la indeterminación del origen, solo si tomamos conciencia del vacío, podemos empezar a crear y componer un nuevo espacio y una nueva comunidad.
Los lugares abandonados tienen un Genius Loci abollado, arruinado, explotado en mil fragmentos, pero al mismo tiempo lleno de resiliencia. Es precisamente a partir de esas ruinas que debemos comenzar de nuevo. El objetivo no es reconstruir un tiempo arcaico que ya no existe, si no lo de usar las cosas que esos lugares aún tienen que decirnos. Estas cosas son muchas: valores como la sobriedad, la ecología, los recursos naturales y la cultura campesina. Sin embargo, tenemos el deber de reelaborar estos valores en una clave innovadora para dar un nuevo significado a la vida en esos lugares. Todo esto, no nos tiene que hacer olvidar los problemas que existen y que continuarán a existir si no se hace nada.
Voy hacia dónde vengo es un llamamiento para invertir el rumbo y para proporcionar una esperanza de futuro
(*) es parte del progetto “Storylines-The lucanian ways”, co-prodotto por Youth Europe Service e Fondazione Matera Basilicata 2019, co-financiado por por Lucania Film Commission, realizado con el fondo ético Bcc Basilicata. Partner di progetto: SImbdea, Allelammie, Mediterraneo Cinematografica, Bitmovies Srl.
La Cerdeña tiene para mi el mejor mar del Mediterraneo y unos paisajes escondidos de una belleza sobrecogedora. Cuando estaba allí, rodeado por el silencio y una Naturaleza maravillosa, me sentía en el Paraíso.
Las maravillas de la Cerdeña os esperan en Photosatriani
En ocasión del cierre de la exposición “Thomas Struth”, el Museo Guggenheim de Bilbao ha organizado un visionado de porfolios fotográficos por parte del autor. Cinco autores, seleccionados por el equipo curatorial del Museo, han podido presentar sus trabajos para recibir una visión crítica por parte del artista. Mi propuesta no fue seleccionada, pero el equipo curatorial, me invitó a mí y a otros cuatro candidatos a participar como oyentes en el taller.
En este artículo, comparto un resumen de lo que pude escuchar y aprender allí porque pienso que podría ser de gran utilidad a otras personas que se encontrarán en una situación similar. También para proporcionar alguna pincelada más sobre Thomas Struth, después de haber compartido con el cuatro horas muy intensas y ricas de enseñanzas.
Fases del Visionado
La primera cosa que pedía Thomas Struth a quien le iba a mostrar su propuesta visual, era disponer sus fotos encima de una gran mesa y de agruparlas según un criterio personal. Durante este tiempo, Thomas no hacía ninguna pregunta y tampoco quería que la persona dijera nada. Simplemente silencio, el ruido del papel deslizando encima de la mesa, las dudas de la persona, la mirada radiográfica de Thomas Struth.
Acabada esta tarea y después de una breve presentación del autor, Thomas empezaba a hacer preguntas, del tipo:
¿Qué has estudiado? ¿has hecho algún estudio artístico?
¿Cuál es tu profesión?
A parte de la fotografía ¿cuáles son tus otros campos de interés?
¿Cuál es tu legado fotografico?
¿Tienes un plan para tu vida artística?
¿Cuál es “tu héroe” en la pintura y en la fotografía?
Después de haber obtenido, aclarado y procesado estos datos, pasaba a hacer preguntas sobre los trabajos propuestos, que nerviosamente estaban esperando encima de la mesa. Arrancaba esta segunda fase, con preguntas del tipo:
Háblame de las imágenes que propones
Dime las que tu prefieres o las que son para ti “las mejores”
¿Qué tipo de sentimiento quieres expresar con esta serie?
¿Has expuesto o publicado esta serie?
¿Crees que la gente que ha visto estas fotografías han percibido lo que tu querías transmitir?
¿Por qué has seleccionado estos trabajos para mostrármelos o porque de los dos trabajos que has traído, has querido mostrarme antes este?
¿Cuál es el objetivo de tus trabajos fotográficos? ¿Quieres exponerlos en un espacio? ¿Quieres hacer un libro? ¿Quieres proponerlos en un concurso?
En la tercera fase del visionado, Thomas Struth entraba en acción, proponiendo otras combinaciones de las imágenes, recortando alguna para quitar “espacio innecesario”, jugando al descarte, poniendo las imágenes al revés… mientras tanto hablaba y aquí tenéis algunos de estos pensamientos que se hacían palabras siempre expresadas en un tono más bien bajo, con calma, con extremo respeto hacia la persona que sometía los trabajos a su juicio; tanto respeto, que a veces parecía que no estaba seguro de lo que decía:
Hay siempre que cuestionarse el porque hemos hecho una foto de una manera dada y de buscar siempre si hay otras maneras de hacer la misma foto. Hay que tener siempre una razón por la cual se quiere hacer una foto y luego ser consecuente con el modo en el cual hago aquella foto.
Hay que ser exigentes con uno mismo durante la toma, para elegir la perspectiva y el encuadre más adecuado a lo que sentimos e intentar no poner demasiadas cosas dentro.
Hay que ser directos, claros en el mensaje que se quiere transmitir y para eso es necesario encuadrar lo estrictamente necesario, sin dejar mucho “aire” alrededor de lo que es el sujeto de nuestra foto. Esto vale también a la hora de seleccionar las imágenes que mejor representan lo que queremos expresar. Hay que tener coraje y quedarse con 3, máximo 5 imágenes y estas imágenes tienen que encerrar todo y solo aquello que queremos expresar.
No hay que buscar la estética, si no que la estética tiene que estar al servicio del mensaje
Las imágenes siempre trabajan juntas, aunque en apariencia no haya una secuencia entre ellas. Las imágenes son como notas musicales: para crear una música, hay que ponerlas juntas de alguna manera. ¡En la creación, nada depende del caso!
Se pueden crear diferentes músicas (historias), simplemente dependiendo de que fotos seleccionamos y como componemos la secuencia entre ellas.
No me gusta mucho ver foto detrás de foto, para mi tiene sentido únicamente ver el dialogo que diferentes fotos tienen en el espacio en lo que las colocamos
Hay que mantenerse fiel a lo que se sentía cuando se hizo la foto y crear una música de acuerdo con esto y nunca para ofrecer la melodía que gustaría escuchar a los que van a ver nuestras imágenes
El tiempo asociado a la fotografía no es tanto aquel que se gasta en hacer la foto, si no aquel que nos lleva a querer hacer aquella foto
Cristalizar una emoción a través de la comparación, esto es la esencia y la ventaja de la fotografía
De vez en cuando es bueno ser consciente de que hoy, de que ahora, estamos fabricando las nostalgias que descongelarán algún futuro. (Mario Benedetti)
Ha llegado el final de año, tiempo de reflexiones y de consuntivos; el año pasado no pude mantener la tradición de desear desde este blog un feliz año nuevo a través de una pequeña reflexión. La última la hice en el 2017 sobre la importancia de las imperfecciones en el proceso creativo. Este año es sobre la resiliencia en el proceso creativo.
Las “burbujas” de Anish Kapoor delante de la sinuosidad de Frank Gehry
La distancia entre lo que sentimos y lo que vivimos
Vivimos en un mundo tecnológicamente avanzado y emocionalmente primitivo, en el cual el sentir y el vivir están tan alejados que, en lugar de apoyarse, se obstaculizan. Este aspecto, genera la necesidad de sobre-ocupar el tiempo para no dar espacio a la introspección o a “dañinas” esquizofrenias emocionales.
Una manera para intentar realinear lo que vivimos con lo que sentimos es entrar en contacto con el arte o, todavía mejor, practicando el arte; no importa si bien o si mal, pero si se hace arte en la mejor manera que podamos, habremos creado algo a través de un proceso que necesariamente es introspectivo y que necesariamente nos obliga a bucear en nuestro caos reordenando ideas, pensamientos, sensaciones, recuerdos, miedos, experiencias.
Crear nos ofrece un escape, pero también desarrolla la empatía y nos permite apreciar lo que tenemos y lo que somos. Lo que a menudo olvidamos, es que antes de crear algo significativo o simplemente que sea capaz de trasmitir emociones en quien son los receptores de nuestra arte, hay que equivocarse ciento y cientos de veces y cientos y cientos de veces levantarse y perseverar en el sendero estrecho de la creación.
La resiliencia en el proceso creativo
¿Por qué digo todo esto? porque estoy pasando por uno de los recurrentes periodos de confusión y desmotivación artística, en los cuales me olvido de mi legado, siento que siempre estoy persiguiendo, que llego tarde, que no soy capaz de proponer nada que tenga un eco en los demás. Son muchos los factores que me llevan a este abismo: un concurso fotografico en el cual había repuesto mucha ilusión que ha ninguneado mis obras; la sensación de pertenecer a un pelotón muy grande que muestra un pedaleo y una fuerza que no siento tener; la participación a un taller de un fotógrafo de éxito durante el cual visualizo la distancia entre lo que soy y lo que necesito aprender; el poco tiempo que puedo dedicar plenamente a la fotografía; la sensación de estar en el “borgiano” jardín de los senderos que se bifurcan y tener que optar siempre por el camino más torcido.
La pregunta que está siempre en el aire es: “¿para qué estoy haciendo todo eso?” ya sé que la respuesta más sensata es: “para mí, para mi disfrute”, pero en ella siempre se cuela algo de vanidad o simplemente el deseo de saber que mi mensaje alguien lo recibe y corresponde, creando así una comunicación a través del lenguaje universal de la fotografía. Cuando lo primero no es suficiente y el segundo no proporciona las respuestas deseadas, entonces, nace la disilusión, la insatisfacción, a veces el abandono.
Como dice Cristian Mihai en uno de sus innumerables artículos en el blog Irevuo, “la pasión tiene poco a que ver con la euforia y todo con la paciencia”. No se trata de tener un subidón, se trata más bien de resistencia, resiliencia y perseverancia. Se trata de equivocarse, de ser burlado, de pasar olímpicamente de lo que piensen y digan los demás, de dudas, de miedos, de rechazos, de silencios y de incomprensiones. Pero….,pero al final no hay mejor remedio que volver a intentarlo porque es lo que nos gusta hacer, porque ya sabemos que volveremos a quererlo una vez más. Es nuestra fuerza, nuestra manera de expresarnos, nuestro grito contra la soledad. Senza l’arte non moriremmo, ma ci sentiremmo meno vivi
Mis deseos para este nuevo año que arranca en breve, es para toda persona que no se cansa de luchar para que lo que creamos tenga un reflejo, un eco en los demás. FELIZ 2020!
Un parcial consuelo para mi es saber que lo que siento es algo común en las personas que crean y se expresan a través de alguna forma de arte. Invito todos a leer estos dos artículos que mi amiga Marcela Tinoco ha compartido en su página FB. Ambos escritos son de Carmen Reviriego que llega a mí misma conclusión, aportando un enfoque de quien trabaja en el mercado del arte. El primero es “El arte, una actividad solo para valientes”; el segundo es “Arte, el arma del futuro”
Una película y una exposición en el Prado que abren una brecha en el silencio que existe alrededor de las mujeres pintoras entre el XVI y XVIII siglos.
Imagen extraida de la pelicula “Portrait de la jeune fille en feu”
Retrato de una mujer en llamas
Con este post, vuelvo al cine de la mano de Céline Sciamma y su “Portrait de la jeune fille en feu”. Una película que me hizo palpitar y que me ha hecho sentir cercano a la intimidad de los dos personajes principales.
Una historia de amor ambientada en una isla de Bretaña de la Francia del siglo XVIII, entre una pintora y su modelo. Una película en la que no hay interpretes masculinos y que para mi, encuentra su máxima expresión visual, en las miradas de las dos protagonistas que evolucionan en el tiempo de acuerdo con la evolución de sus sentimientos, con una lentitud para nosotros inconcebible y que en cambio deberíamos volver a apreciar.
Una buena fotografía tanto de los paisajes marinos (últimamente han encontrado mucho espacio también en este blog), como de los retratos en el interior, contribuye a marcar los ritmos de este amor pasional e intenso.
La música no
tiene mucho espacio en esta película, pero contribuye de manera determinante a
que el doloroso, dramático y conmovedor final se haga desgarrador. “L’Estate”
de las “Quattro Stagioni di Vivaldi” asume unos tonos altamente románticos, por
la habilidad de la directora en casar la pieza musical, con unas imágenes de un
doloroso amor que no puede encontrar su cauce. Nunca había percibido en “L’Estate
Vivaldiana” el potencial de tristeza que puede trasmitir y que se dispara
cuando la tormenta se desata en su parte final.
Retrato de una mujer en llamas permite conocer una realidad oculta: la de las mujeres pintoras de aquella época, especialmente retratistas, de las cuales se sabe muy poco o nada y que han tenido un rol importante en el desarrollo del arte.
Museo del Prado
Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana
Aunque se trate de dos pintoras que han vivido más de un siglo antes de la época en la cual estaba ambientada la película de Sciamma, en la Sala C (Edificio Jerónimos) del Prado (hasta el 2 de febrero) se puede visitar una interesante exposición sobre dos pintoras que supieron romper los estereotipos que la sociedad de entonces asignaba a las mujeres en relación a la práctica artística y supieron afirmarse y alcanzar un papel significativo en el mundo artístico de la época. Se trata de Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.
Un bonito paralelismo entre la película y esta exposición en el Prado que
se me dio casualmente y que me ha permitido conocer una dimensión toda al
femenino del arte visual, contribuyendo a remover significativamente mi alma
dormida.
Sin arte no moriríamos, pero nos sentiríamos menos vivos
Un año más, he podido disponer de algo de tiempo para ir a Madrid y visitar PhotoEspaña. Es todo un reto poderlo hacer disfrutando de la oportunidad, debido a la gran cantidad de exposiciones dispersas alrededor de un área para nada pequeña de la ciudad. ¡Así que no hay más remedio que planificarse! Comparto mi manera de hacerlo, dejando para artículos futuros, el análisis de las exposiciones que más me han interesado. El punto de partida es sin lugar a duda la web de PHE19en la cual se encuentran descritas todas las exposiciones del evento, estructuradas en las cuatro secciones: ¿Déjá Vu?, la Sección Oficial, Festival Off y Sedes Invitadas. Hay que armarse de tiempo y paciencia e ir visitando las diferentes páginas (no vamos a ser facilitados por el sistema de navegación del sitio que está todavía diseñado con lógica de web-paleolítico), anotando en una hoja: sede, horario, fechas, parada de metro, de aquellas exposiciones que suscitan algún interés. En mi caso, este año, he buscado aquellas exposiciones relacionadas a los tres temas fotográficos en los que estoy metido: Naturaleza, Arquitectura y Bodegones. A estas temáticas, he además añadido las exposiciones de autores que no podía perderme. Una vez finalizada esta tarea exploratoria de las diferentes propuestas expositivas, tenía la lista de las exposiciones que me interesaban; un nuevo repaso a la lista, apoyado por visitas puntuales al sitio web PHE, me permitió clasificar las exposiciones seleccionadas, de acuerdo a dos prioridades. El siguiente paso fundamental, es bajarse e imprimirse el utilísimo plano de las exposicionesen el cual he ido redondeando con un círculo todas aquellas exposiciones que había seleccionado como prioridad 1 y prioridad 2. Una vez hecho este trabajo, a un simple vistazo del plano, se puede apreciar la distribución de las exposiciones seleccionadas en el mapa de la ciudad y así es fácil agruparlas por cercanía física. En mi caso están claramente definidos:
1. Un aglomerado principal (en naranja en el mapa que adjunto), perfecto para encajar en el día casi entero que tengo a disposición de las 9h hasta las 16h
2. Tres “archipiélagos” (en azul en el mapa que adjunto), para encajar y distribuir entre las tres tardes a mi disposición, a partir de las 19h: un lunes, un martes y un miércoles (es importante saber los días de la semana y el horario, porque la mayoría de las exposiciones están abiertas del M al D y solo pocas están abiertas los lunes)
3. Un conjunto de cuatro “islas” independientes (en rojo en el mapa que adjunto) que tendré que encajar en el otro medio día a mi disposición
Escribo esta entrada después de haber podido aprovechar de las primeras dos ventanas de tiempo; actualizaré este post, una vez que haya podido también disfrutar del último medio día a disposición. Más abajo, comparto una serie de consideraciones personales sobre las diferentes exposiciones che he podido visitar y las “galardonadas” por Photosatriani.
El corazón de todos los PHE
La zona Norte
Bodegones y Naturaleza Muerta
Las Galerías
Completa la Lista
Espero que mi experiencia y mis sugerencias puedan servir para organizar vuestra visita a PHE19 y para optimizar los tiempos. Por encima de todo, no olvidéis de disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente feliz. Cualquier comentario, discrepancia o añadido respeto a mis sugerencias será siempre bienvenido.
Matera, capital Europea de la cultura 2019 – sasso barisano
Prescindiendo de lo que deseamos, todos y todas tenemos que atravesar la noche. La noche es un tiempo que nos devuelve a nosotros mismos, así como realmente somos; es un tiempo en el cual reflejamos nuestra fragilidad. Es un tiempo propedéutico al posible, durante el cual soñamos y, gracias a estos sueños, tomamos coraje y cultivamos la esperanza. En este proceso, a veces, surge algo impensable a priori que, una vez despiertos, no se sabe bien cuando y tampoco como, puede encontrar en nosotros la manera de transformarse en realidad, aunque esto tiene que tener en cuenta los límites y los espacios de la realidad misma.
La vida es un cambio permanente, más apropiadamente es un tránsito porque en el cambio, cada uno de nosotros no tiene que perderse, si no guardar su propia historia y su propia esencia, para proyectarla en el futuro con la conciencia de sus propias potencialidades. Hay que mirar al futuro recuperando el sentido y la riqueza de nuestra memoria y de nuestras experiencias.
Reflexionando sobre estos dos conceptos de: “noche” y “tránsito” en los términos que acabo de describir, he desarrollado un sentir hacia mi vida y mi pasado en el cual se mezclan la nostalgia de algo que ya no existe y la imperiosa necesidad que todo lo vivido no se pierda en los meandros de la memoria o no se desvanezca en las palabras de un cuento para mis hijos o para quien tendrá gana de escucharme; me gustaría que todo esto tomara cuerpo en imágenes que encierren los sueños de un tiempo, el tránsito del tiempo transcurrido desde entonces y lo que ahora soy. Mis “noches en tránsito”
Matera es la ciudad donde nació mi madre y donde pasé gran parte de los veranos de mi infancia. Por esto la he elegido como primera “Noche en tránsito”
Matera para mí: sabe a nata batida en tarritos de cucurucho que mi abuela nos dejaba cada mañana encima de la mesa de la cocina para el desayuno; huele a los armarios de la cocina de su casa, llenos de pequeños tesoros con los cuales inventarse juegos y fantasear con mis hermanos y mis primas durante las calurosas horas de la tarde, mientras los mayores se echaban la siesta; es el asomarse a las ventanas abiertas pero cerradas por mamparas de madera verde que permitían ver las personas que paseaban por la calle, sin ser vistos; es el cotilleo de las mujeres extrañas y a veces surrealistas que visitaban a mi abuela, después de subir con el aliento a la garganta, una escalera empinada que era necesario superar para llegar a casa de mi abuela; es el helado de la tarde tomado paseando en la calle principal, vestidos como principitos y con el terror de manchar la camisa o el pantalón (¡rigurosamente corto!).
Desde entonces, han pasado muchos, muchísimos años, pero la belleza de la ciudad no solo se ha mantenido, si no que ha crecido, así como en mi han crecido el recuerdo y la nostalgia de aquel vivido. Las imágenes que propongo son el resultado del obrador de mis noches en tránsito que, usando los recuerdos y los sueños de entonces, ha querido construir emociones visuales sin tiempo, en las cuales cada uno espero pueda encontrarse y encontrar su propia y personal clave de lectura. aquí para ver la galeria de fotos completa
