Los Carnavales han finalizado pero mucha gente ya está pensando en los del año que viene… a estas personas tan previsoras, pero también a los curiosos de las tradiciones populares, creo que le vendrá muy bien el artículo que he escrito para el blog de viajes “DosViajando”sobre un Carnaval muy especial que se vive en Ivrea, una pequeña ciudad casi a contacto con los Alpes del Piemonte.
En Ivrea he vivido con mucho gusto 10 años de mi vida. Allí, cada año en la semana de Carnaval se desata un acontecimiento único y peculiar: la batalla de las naranjas. Es una tradición muy antigua en la cual se mezcla historia y leyenda.
La protagonista es la “Vezzosa Mugnaia (¡léase muñaia!)” que es el símbolo de la libertad y la protagonista de la fiesta. El carnaval es la conmemoración de la sublevación del pueblo al marqués de Monferrato. Según la leyenda, fue el gesto heroico de Violetta, la hija de un molinero, que liberó a la gente de la tiranía. Violeta se rebeló contra el “ius primae noctis” impuesto por el barón y lo mató con su propia espada, iniciando la rebelión del pueblo. La famosa Batalla de las Naranjas recuerda esta revuelta.
En ocasión del cierre de la exposición “Thomas Struth”, el Museo Guggenheim de Bilbao ha organizado un visionado de porfolios fotográficos por parte del autor. Cinco autores, seleccionados por el equipo curatorial del Museo, han podido presentar sus trabajos para recibir una visión crítica por parte del artista. Mi propuesta no fue seleccionada, pero el equipo curatorial, me invitó a mí y a otros cuatro candidatos a participar como oyentes en el taller.
En este artículo, comparto un resumen de lo que pude escuchar y aprender allí porque pienso que podría ser de gran utilidad a otras personas que se encontrarán en una situación similar. También para proporcionar alguna pincelada más sobre Thomas Struth, después de haber compartido con el cuatro horas muy intensas y ricas de enseñanzas.
Fases del Visionado
La primera cosa que pedía Thomas Struth a quien le iba a mostrar su propuesta visual, era disponer sus fotos encima de una gran mesa y de agruparlas según un criterio personal. Durante este tiempo, Thomas no hacía ninguna pregunta y tampoco quería que la persona dijera nada. Simplemente silencio, el ruido del papel deslizando encima de la mesa, las dudas de la persona, la mirada radiográfica de Thomas Struth.
Acabada esta tarea y después de una breve presentación del autor, Thomas empezaba a hacer preguntas, del tipo:
¿Qué has estudiado? ¿has hecho algún estudio artístico?
¿Cuál es tu profesión?
A parte de la fotografía ¿cuáles son tus otros campos de interés?
¿Cuál es tu legado fotografico?
¿Tienes un plan para tu vida artística?
¿Cuál es “tu héroe” en la pintura y en la fotografía?
Después de haber obtenido, aclarado y procesado estos datos, pasaba a hacer preguntas sobre los trabajos propuestos, que nerviosamente estaban esperando encima de la mesa. Arrancaba esta segunda fase, con preguntas del tipo:
Háblame de las imágenes que propones
Dime las que tu prefieres o las que son para ti “las mejores”
¿Qué tipo de sentimiento quieres expresar con esta serie?
¿Has expuesto o publicado esta serie?
¿Crees que la gente que ha visto estas fotografías han percibido lo que tu querías transmitir?
¿Por qué has seleccionado estos trabajos para mostrármelos o porque de los dos trabajos que has traído, has querido mostrarme antes este?
¿Cuál es el objetivo de tus trabajos fotográficos? ¿Quieres exponerlos en un espacio? ¿Quieres hacer un libro? ¿Quieres proponerlos en un concurso?
En la tercera fase del visionado, Thomas Struth entraba en acción, proponiendo otras combinaciones de las imágenes, recortando alguna para quitar “espacio innecesario”, jugando al descarte, poniendo las imágenes al revés… mientras tanto hablaba y aquí tenéis algunos de estos pensamientos que se hacían palabras siempre expresadas en un tono más bien bajo, con calma, con extremo respeto hacia la persona que sometía los trabajos a su juicio; tanto respeto, que a veces parecía que no estaba seguro de lo que decía:
Hay siempre que cuestionarse el porque hemos hecho una foto de una manera dada y de buscar siempre si hay otras maneras de hacer la misma foto. Hay que tener siempre una razón por la cual se quiere hacer una foto y luego ser consecuente con el modo en el cual hago aquella foto.
Hay que ser exigentes con uno mismo durante la toma, para elegir la perspectiva y el encuadre más adecuado a lo que sentimos e intentar no poner demasiadas cosas dentro.
Hay que ser directos, claros en el mensaje que se quiere transmitir y para eso es necesario encuadrar lo estrictamente necesario, sin dejar mucho “aire” alrededor de lo que es el sujeto de nuestra foto. Esto vale también a la hora de seleccionar las imágenes que mejor representan lo que queremos expresar. Hay que tener coraje y quedarse con 3, máximo 5 imágenes y estas imágenes tienen que encerrar todo y solo aquello que queremos expresar.
No hay que buscar la estética, si no que la estética tiene que estar al servicio del mensaje
Las imágenes siempre trabajan juntas, aunque en apariencia no haya una secuencia entre ellas. Las imágenes son como notas musicales: para crear una música, hay que ponerlas juntas de alguna manera. ¡En la creación, nada depende del caso!
Se pueden crear diferentes músicas (historias), simplemente dependiendo de que fotos seleccionamos y como componemos la secuencia entre ellas.
No me gusta mucho ver foto detrás de foto, para mi tiene sentido únicamente ver el dialogo que diferentes fotos tienen en el espacio en lo que las colocamos
Hay que mantenerse fiel a lo que se sentía cuando se hizo la foto y crear una música de acuerdo con esto y nunca para ofrecer la melodía que gustaría escuchar a los que van a ver nuestras imágenes
El tiempo asociado a la fotografía no es tanto aquel que se gasta en hacer la foto, si no aquel que nos lleva a querer hacer aquella foto
Cristalizar una emoción a través de la comparación, esto es la esencia y la ventaja de la fotografía
La fotografía es un medio de expresión; un vehículo de comunicación. Hacer fotografías, crear imágenes, si luego estas se guardan en un cajón, o todavía peor, en el disco duro del ordenador y nadie las ve, es como hablar en el desierto o tocar música en un cuarto anecoico. Por supuesto queda la posibilidad del disfrute personal pero entonces ya no tendríamos comunicación.
La génesis
Un día, paseando por el centro histórico de Huesca, en la plaza Luis López Allué (creo recordar), me paré delante del escaparate de una lonja, en la cual, un artista local exponía unos delicados, coloreados y emotivos dibujos de paisajes de Los Monegros. Quedé atrapado delante de aquellas pequeñas obras porque consiguieron sintonizarse con algún sentimiento que albergaba en mi interior.
Lo mismo ocurrió otra vez muchos años atrás y a miles de kilómetros de distancias de Huesca cuando, en Cairns (Queensland, Australia), encontré una tienda de un fotógrafo local especializado en fotografía panorámica de paisajes.
Los dos artistas, estaban buscando la manera de sacar sus obras a la luz en el intento no solo de vender, si no también de dialogar con la gente que pasaba por allí. Desde entonces, siempre tuve este deseo romántico de montar mi propria lonja en algún lugar de Euskadi o de la Basilicata en el que mis fotografías pudieran buscar el dialogo con los transeúntes.
Internet y los social networks han abierto un nuevo mundo de escaparates virtuales que seguramente han ayudado a los artistas de Huesca y de Cairns a amplificar el alcance de sus intentos de dar a conocer sus obras. Tener un escaparate virtual es hoy en día una necesidad básica de cualquier persona que, a través de sus obras, quiere instaurar un dialogo con los demás y de esta manera llegar a exponerlas o a venderlas.
Por muchas razones diferentes, a mi me ha costado muchísimo poder montar mi propio escaparate, pero hoy, este deseo lo he podido transformar en realidad. Se llama www.photosatriani.com y quiero mimarlo en el tiempo tanto en contenidos como en visibilidad, para que los transeúntes puedan encontrarlo y así permitir que mis creaciones vean la luz, puedan dialogar y las pueda vender o exponer.
Entra en la sección Porfolio de mi sitio web; está estructurada en tres áreas que están siendo aquellas en las que concentro mis trabajos fotográficos:
HABITAT: fotografías de paisajes catalogadas por países
ARCHITECTURE: fotografías de paisajes urbanos y arquitectónica
CONCEPT: proyectos fotográficos sobre diferentes temáticas que voy desarrollando de acuerdo con la inspiración del momento
Networking
Además de ir actualizando periódicamente los contenidos del sitio, ahora me queda el trabajo más complejo: hacer que la gente llegue a mi escaparate, convencerla a entrar y a ir husmeando en las diferentes galerías. Si esto ocurre y si mis imágenes les convencen, espero que se genere un virtuoso contagio basado en el “boca a boca”.
Cada uno de vosotros puede aportar su granito en este intento, compartiendo, si quiere, la dirección www.photosatriani.com en vuestras redes y entre vuestros amigos. Además, cualquiera persona que lea este artículo, puede contactarme a través de la página de contacto del sitio web, estaré encantado de dialogar con ellas.
Si por comunicación entendemos la posibilidad de entrar en contacto con otras personas a través del intercambio de información, emociones o sentimientos, es necesario una acción biunívoca entre por lo menos dos partes. www.photosatriani.com es mi intento para que esto ocurra alrededor de mis creaciones visuales, con cualquier persona de cualquier parte del mundo.
De vez en cuando es bueno ser consciente de que hoy, de que ahora, estamos fabricando las nostalgias que descongelarán algún futuro. (Mario Benedetti)
Ha llegado el final de año, tiempo de reflexiones y de consuntivos; el año pasado no pude mantener la tradición de desear desde este blog un feliz año nuevo a través de una pequeña reflexión. La última la hice en el 2017 sobre la importancia de las imperfecciones en el proceso creativo. Este año es sobre la resiliencia en el proceso creativo.
Las “burbujas” de Anish Kapoor delante de la sinuosidad de Frank Gehry
La distancia entre lo que sentimos y lo que vivimos
Vivimos en un mundo tecnológicamente avanzado y emocionalmente primitivo, en el cual el sentir y el vivir están tan alejados que, en lugar de apoyarse, se obstaculizan. Este aspecto, genera la necesidad de sobre-ocupar el tiempo para no dar espacio a la introspección o a “dañinas” esquizofrenias emocionales.
Una manera para intentar realinear lo que vivimos con lo que sentimos es entrar en contacto con el arte o, todavía mejor, practicando el arte; no importa si bien o si mal, pero si se hace arte en la mejor manera que podamos, habremos creado algo a través de un proceso que necesariamente es introspectivo y que necesariamente nos obliga a bucear en nuestro caos reordenando ideas, pensamientos, sensaciones, recuerdos, miedos, experiencias.
Crear nos ofrece un escape, pero también desarrolla la empatía y nos permite apreciar lo que tenemos y lo que somos. Lo que a menudo olvidamos, es que antes de crear algo significativo o simplemente que sea capaz de trasmitir emociones en quien son los receptores de nuestra arte, hay que equivocarse ciento y cientos de veces y cientos y cientos de veces levantarse y perseverar en el sendero estrecho de la creación.
La resiliencia en el proceso creativo
¿Por qué digo todo esto? porque estoy pasando por uno de los recurrentes periodos de confusión y desmotivación artística, en los cuales me olvido de mi legado, siento que siempre estoy persiguiendo, que llego tarde, que no soy capaz de proponer nada que tenga un eco en los demás. Son muchos los factores que me llevan a este abismo: un concurso fotografico en el cual había repuesto mucha ilusión que ha ninguneado mis obras; la sensación de pertenecer a un pelotón muy grande que muestra un pedaleo y una fuerza que no siento tener; la participación a un taller de un fotógrafo de éxito durante el cual visualizo la distancia entre lo que soy y lo que necesito aprender; el poco tiempo que puedo dedicar plenamente a la fotografía; la sensación de estar en el “borgiano” jardín de los senderos que se bifurcan y tener que optar siempre por el camino más torcido.
La pregunta que está siempre en el aire es: “¿para qué estoy haciendo todo eso?” ya sé que la respuesta más sensata es: “para mí, para mi disfrute”, pero en ella siempre se cuela algo de vanidad o simplemente el deseo de saber que mi mensaje alguien lo recibe y corresponde, creando así una comunicación a través del lenguaje universal de la fotografía. Cuando lo primero no es suficiente y el segundo no proporciona las respuestas deseadas, entonces, nace la disilusión, la insatisfacción, a veces el abandono.
Como dice Cristian Mihai en uno de sus innumerables artículos en el blog Irevuo, “la pasión tiene poco a que ver con la euforia y todo con la paciencia”. No se trata de tener un subidón, se trata más bien de resistencia, resiliencia y perseverancia. Se trata de equivocarse, de ser burlado, de pasar olímpicamente de lo que piensen y digan los demás, de dudas, de miedos, de rechazos, de silencios y de incomprensiones. Pero….,pero al final no hay mejor remedio que volver a intentarlo porque es lo que nos gusta hacer, porque ya sabemos que volveremos a quererlo una vez más. Es nuestra fuerza, nuestra manera de expresarnos, nuestro grito contra la soledad. Senza l’arte non moriremmo, ma ci sentiremmo meno vivi
Mis deseos para este nuevo año que arranca en breve, es para toda persona que no se cansa de luchar para que lo que creamos tenga un reflejo, un eco en los demás. FELIZ 2020!
Un parcial consuelo para mi es saber que lo que siento es algo común en las personas que crean y se expresan a través de alguna forma de arte. Invito todos a leer estos dos artículos que mi amiga Marcela Tinoco ha compartido en su página FB. Ambos escritos son de Carmen Reviriego que llega a mí misma conclusión, aportando un enfoque de quien trabaja en el mercado del arte. El primero es “El arte, una actividad solo para valientes”; el segundo es “Arte, el arma del futuro”
Después de la serie sobre Purple Guggenheim, no alcanzo todavía alejarme de Bilbao; siguiendo La Ría que fluye tranquila cerca del museo hacia su salida al océano, quedaremos en la “Gran Bilbao” todavía esta y la siguiente semana. Pincha aquí si quieres ver más…
¿Que se obtendría si alguien nos fotografiara en el momento en el cual estamos mirando una foto en la cual otras personas están mirando una obra de arte que a su vez mira las personas que la están mirando?… esto es lo que he llegado a pensar cuando estaba inmerso en las salas del Guggenheim de Bilbao (hasta el 19 de enero) dedicadas a la fotografía de Thomas Struth. ¿Y si volviéramos a hacer lo mismo hasta el infinito? Obtendríamos un abismo de miradas que miran como cuando de pequeño, con mis primas, nos poníamos en el medio de dos espejos que se reflejaban en el cuarto de dormir de mi abuela, restituyéndonos un abismo recursivo de nuestras personas.
La retrospectiva que el Guggenheim de Bilbao dedica al fotógrafo Thomas Struth es realmente impresionante e imperdible; una importante cantidad de imágenes, agrupadas en un conjunto de temáticas que espacian desde el retrato a los paisajes, pasando por retratos a animales muertos, paisajes tecnológicos, casi macros y sobre todo imágenes que muestran miradas que miran en una mareante espiral en la cual quien mira pierde la orientación, hasta llegar a cuestionarse su propio rol en este cuadro de realidad “Escheriana”. A continuación, dejo alguna consideración sobre las series que más me han atraído.
Nuevas imágenes del paraíso
Se trata de imágenes de grandísimo formato que retraen una selva “anónima” en todos sus detalles; se trata de fotografía inmersiva en el sentido que el espectador tiene la sensación de entrar en aquellos lugares y el proceso que se desarrolla no tiene nada a que ver con la contemplación visual, sino que se acerca más a un viaje meditativo o un viaje en el tiempo porque en nuestra mirada no tenemos ninguna referencia que pueda condicionar nuestra perspectiva o juicio.
Esta serie y en particular las imágenes de los laboratorios de investigación espacial, plantas de energía nuclear, laboratorios tecnológicos, quirófanos y plataformas de perforación, son para mí la pieza más fuerte de toda la exposición. El artista ha fotografiado con muchísimo cuidado, detalle, curiosidad y con una fabulosa capacidad de observación y síntesis de espacios complejos: estaciones de trabajo, experimentos científicos e híper-tecnológicos, nuevos desarrollos, investigaciones, procesos de medición e intervenciones que, en algún momento futuro, de forma directa o indirecta, entrarán en nuestras vidas y cambiarán su curso. Se trata de lugares e infraestructuras que normalmente nadie ve porque nadie puede acceder a ellos que, bajo la interpretación visual del fotógrafo, adquieren una insospechable belleza visual hecha de formas, colores y complejidad. Thomas Struth se enfoca en experimentos complejos cuando todavía son prototipos, para transmitirnos la importancia del enfoque “prueba y ensayo” como herramientas para transformar la sociedad contemporánea y explora la estética de la vanguardia tecnológica, la experimentación y la innovación en la actividad humana.
Para mí, la segunda serie más impactante presentada en el Guggenheim es la que retrae los animales tenidos en cautividad y muertos por causas naturales, antes que les hicieron la autopsia en el instituto zoológico Leibniz. La primera sensación que he tenido es de rechazo. Luego me fijé en la dignidad que desprendían estos animales y que fue una clara intención de Struth, a través de poses cuidadosamente buscadas y con una toma desde el alto. Deteniéndome delante de estas imágenes, me fijé luego en pequeños detalles de desgarro en la exterioridad de estos animales que muestran la fragilidad y la sacralidad de la vida, ofreciendo una imagen del pasaje entre la vida y la muerte.
Si una chica de casi 23 años decide quitarse la vida lanzándose al vacío desde su apartamento, no se generaría mucho ruido mediático; quizás un pequeño párrafo en la crónica local. Lo mismo pasó el 19 de enero del 1981, cuando Francesca Woodman puso fin a su atormentada búsqueda de un sentido para su vida.
La insignificancia de la vida
Este acto extremo de alguien que llega a preferir la muerte a la insignificancia que da a la vida, confiere a la biografía de Francesca Woodman un halo de misterio que en los años ha amplificado el estatus de artista maldita de culto, que ella y su obra ha ido adquiriendo en el tiempo.
Es la tercera vez en siete años que visito en España una exposición de sus fotografías. Todavía me acuerdo de la tremenda emoción que experimenté la primera vez que veía sus imágenes sabiendo como acabó su vida y como esto contrastaba con la belleza, delicadeza, tensión, provocación de su mensaje visual.
En esta nueva exposición en la Fundación Canal de Madrid (hasta el 5 de Enero), para mi hay que destacar tres elementos novedosos, respeto a lo que normalmente se propone sobre esta artista:
El montaje intenta alejarse de la obscuridad alrededor de su muerte, mostrando sus imágenes de una manera que prevalga la luz de su atormentada alma creativa y de su inequivocable talento comunicativo y artístico
Se presentan tres bellísimos cianotipos de gran formato; cosa muy inusual en Francesca Woodman, visto que normalmente pide al espectador de acercarse mucho a sus imágenes
Se proyecta un video en el cual se ve Francesca Woodman en acción durante su proceso creativo. Verle moverse y escuchar su voz, ha sido para mí muy emotivo.
En estos años, he ido leyendo algunos escritos alrededor de su vida (un ejemplo puede ser esto en el blog Cartier-Bresson no es un reloj) y de ellos se entiende que Francesca Woodman era excéntrica y apasionada y seguramente muy atrevida. Todo esto contrasta fuertemente con su introversión y con su fragilidad interior, creando este dualismo de estados que Francesca por alguna razón no ha sabido conciliar y que por otro lado le ha servido para dejar (en ocho años de practica fotográfica) un potente legado visual altamente evocador, oscuro, provocador, sensible, inquietante, efímero, perturbador, corpóreo, etéreo, sensual, complejo, surrealista, maduro y fugaz.
La familia Woodman era una familia de artistas y su madre tenía que ser bastante excéntrica y anteponía a menudo su arte a la cercanía y empatía hacia sus hijos. Muchos piensan que eso ha podido quizás ser una de las causas que ha pesado en la fragilidad del ser de Francesca que, a través de sus autorretratos, buscaba quizás encontrar su individualidad o por lo menos un fragmento de su ser para conciliarlo con el recipiente que lo transportaba en la vida. Otra cosa que ha podido incidir negativamente en su incapacidad de conciliar alma y cuerpo, fue el hecho que, a parte de tres pequeñas exposiciones, de las cuales, la primera en una librería en Roma y otra en su escuela en Rhode Island, nadie quiso nunca exponer sus creaciones.
Los ángeles de Francesca Woodman son terrenales, con las alas sucias de contradicciones, con un cuerpo sensual y adolescente (el suyo), ambientados en escenografías decadentes, abandonadas, en ruina. El contraste entre su cuerpo terrenal y dichas escenografías, son seguramente la metáfora de la no-conciliación de la que hablaba antes y amplifican la belleza del mensaje y al mismo tiempo desvelan un abismo interior, su fragilidad, su introversión y su vulnerabilidad.
Cuando veo las fotografías de Francesca Woodman es como recibir un puñetazo en el estomago y a la vez levitar en su poesía visual; es como saborear la dulzura del placer y quedarse con regusto de amargura y tristeza; es como si fuéramos un insecto en plena metamorfosis revertida: desde un ser variopinto que vuela libre, hacia un gusano que se arrastra sin esperanza.
Aquí tenéis otro artículo que escribí sobre Francesca después de haber visto la segunda exposición de sus fotos.
Una película y una exposición en el Prado que abren una brecha en el silencio que existe alrededor de las mujeres pintoras entre el XVI y XVIII siglos.
Imagen extraida de la pelicula “Portrait de la jeune fille en feu”
Retrato de una mujer en llamas
Con este post, vuelvo al cine de la mano de Céline Sciamma y su “Portrait de la jeune fille en feu”. Una película que me hizo palpitar y que me ha hecho sentir cercano a la intimidad de los dos personajes principales.
Una historia de amor ambientada en una isla de Bretaña de la Francia del siglo XVIII, entre una pintora y su modelo. Una película en la que no hay interpretes masculinos y que para mi, encuentra su máxima expresión visual, en las miradas de las dos protagonistas que evolucionan en el tiempo de acuerdo con la evolución de sus sentimientos, con una lentitud para nosotros inconcebible y que en cambio deberíamos volver a apreciar.
Una buena fotografía tanto de los paisajes marinos (últimamente han encontrado mucho espacio también en este blog), como de los retratos en el interior, contribuye a marcar los ritmos de este amor pasional e intenso.
La música no
tiene mucho espacio en esta película, pero contribuye de manera determinante a
que el doloroso, dramático y conmovedor final se haga desgarrador. “L’Estate”
de las “Quattro Stagioni di Vivaldi” asume unos tonos altamente románticos, por
la habilidad de la directora en casar la pieza musical, con unas imágenes de un
doloroso amor que no puede encontrar su cauce. Nunca había percibido en “L’Estate
Vivaldiana” el potencial de tristeza que puede trasmitir y que se dispara
cuando la tormenta se desata en su parte final.
Retrato de una mujer en llamas permite conocer una realidad oculta: la de las mujeres pintoras de aquella época, especialmente retratistas, de las cuales se sabe muy poco o nada y que han tenido un rol importante en el desarrollo del arte.
Museo del Prado
Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana
Aunque se trate de dos pintoras que han vivido más de un siglo antes de la época en la cual estaba ambientada la película de Sciamma, en la Sala C (Edificio Jerónimos) del Prado (hasta el 2 de febrero) se puede visitar una interesante exposición sobre dos pintoras que supieron romper los estereotipos que la sociedad de entonces asignaba a las mujeres en relación a la práctica artística y supieron afirmarse y alcanzar un papel significativo en el mundo artístico de la época. Se trata de Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.
Un bonito paralelismo entre la película y esta exposición en el Prado que
se me dio casualmente y que me ha permitido conocer una dimensión toda al
femenino del arte visual, contribuyendo a remover significativamente mi alma
dormida.
Sin arte no moriríamos, pero nos sentiríamos menos vivos
Hace dos semanas anuncié en este blog “Absolute Sea”, mi modo silencioso de disfrutar del verano, del sol y del mar; los dos últimos viernes, ya publiqué las primeras dos fotos de la serie. Como a menudo ocurre cuando alguien pone su atención en algo, de repente aparecen miles de cosas similares a tu alrededor. Así ha ocurrido con ¡Absolute Sea! Cuando había pensado de publicar las imágenes de esta serie en mi blog, llega a mi casa el boletín mensual del museo Guggenheim de Bilbao, anunciando la exposición “Marinas” de Gerard Richter. Cuando vi sus pinturas en el boletín del museo, me di cuenta de que, de alguna manera y con total inconsciencia, compartía con él algún disparador emocional, alguna visión, quizás alguna idea. Decidí por lo tanto visitar la exposición de Richter para intentar captar algo más sobre esta sorprendente coincidencia y este artículo es el resumen de lo que vi y de lo que me he llevado después de haber visto sus “marinas” y de haberlas relacionadas con las premisas que me han llevado a realizar las imágenes de Absolute Sea. Antes de todo diré para quien tenga la oportunidad de ir, que la exposición en el Guggenheim de Bilbao finalizará el 9 de septiembre. Richter pintó 22 marinas en total, la primera en el 1968 y la última en el 1998. A pesar de llamarse “marinas”, en la mayoría de los cuadros expuestos en el Guggenheim, ¡el cielo ocupa más de la mitad de cuadro! En sus marinas, los horizontes parecen infinitos, a veces el mar y el cielo se fusionan, tanto que se podría hasta dar la vuelta al cuadro y la imagen seguiría teniendo sentido. Un sentido de nostalgia se apoderó de mí, mientras daba vueltas en la sala que les acoge; me preguntaba: ¿nostalgia de qué? No sabría darme todavía hoy una respuesta totalmente satisfactoria. Quizás nostalgia de una Naturaleza sublimada que es al alcance solo de quien mira más allá de la apariencia; nostalgia del ser humano respetuoso de la Naturaleza, porque es consciente de su insignificancia; nostalgia de las referencias espaciales que en las pinturas de Richter se pierden y que nos dejan desamparados. En sus cuadros hay quizás solo tres colores: los azules, los grises y los negros, pero con infinitas variedades de tonos; tanto los colores, como la luz no sirven a guiar nuestras miradas, porque esta plana sobre el cuadro de una manera uniforme y solo cuando nuestra atención se fija en un particular, entonces el color y la luz parecen que se juntan para ayudarte a tener una lectura. Se respira una calma absoluta en sus marinas y en la sala que las contiene. Richter empleabas a menudo la fotografía para retratar sus marinas y se puede intuir que su intención ha sido la de crear una sensación de ambigüedad en el espectador que las miras, que continuamente se pregunta si son fotos o pintura, aunque sabe perfectamente que son pinturas.
El próximo viernes, la tercera cita con mis imágenes de la serie “Absolute Sea”, ¡Prepárate!
Hace dos semanas anuncié en este blog “
