Las posibilidades descriptivas de la cámara fotográfica

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Madrid, Mapfre, Nixon

©Nicholas Nixon – “The Brown Sisters”

A Nicholas Nixon le conocía por la fantástica y a la vez sencilla serie de las “Brown Sisters”, en la cual el artista retrata su mujer junto con las hermanas de ella desde el 1975, cada año hasta hoy, siempre en el mismo orden compositivo de las modelos. Esta es una serie a mitad camino entre la objetividad documental y la íntima belleza emocional de un álbum familiar; desde la sencillez de la mirada, nos hace reflexionar sobre el inexorable paso del tiempo, sobre el proceso de envejecimiento y hasta sobre el inevitable dolor de la pérdida. Muchos de nosotros estoy seguro que tenemos algo parecido entre nuestras fotografías familiares. Yo mismo procuro hacer una foto familiar cada año (aunque no preservando el mismo orden en la composición) que luego incluyo en el calendario que creo y regalo a los más estrictos familiares en las Navidades; lo voy haciendo desde que mis hijos eran muy pequeños y antes de descubrir la serie de las hermanas Brown. Yo mismo me doy cuenta con el pasar de los años, de la importancia emotiva y documental de lo que estoy haciendo y a veces me encuentro pensado cosas del tipo: “a ver el año que viene si conseguimos estar todos”; “a ver en quien se va a notar estas discontinuidades que el tiempo nos reserva de vez en cuando”; “hay que pensar en reunir la familia para hacer la foto”. Es un mecanismo de refuerzo de los lazos familiares.

Volviendo a la exposición retrospectiva de Nicholas Nixon en la Fundación Mapfre en Madrid (hasta el 7 de Enero), además de la serie de las hermanas Brown (incluida en la exposición), se pueden admirar más de 200 fotografías que están claramente diferenciadas en dos mundos: los panoramas urbanos y los retratos. En ambos casos, estamos hablando de una fotografía nítida, precisa, con composiciones elegantes y refinadas. Nixon empezó con fotografiar los paisajes urbanos para luego migrar hacia el retrato. En la exposición, hay una serie que es la evidencia de este traspaso, se trata de la serie “Porches” en la cual el artista retrata personas y escenas familiares en los porches de sus casas; en este lugar intermedio entre el público y el privado, entre el paisaje y el retrato.

En las imágenes de Nixon percibo lentitud, entendida como el incansable e ineluctable trabajo del tiempo sobre las cosas y las personas; lentitud que se hace tristeza en la serie “Ancianos” retratados en las residencias donde Nixon trabajaba como voluntario; lentitud que se hace sufrimiento y desgarro en la serie “People witha AIDS”; lentitud que se hace dulce compaña en las imágenes intimas de la serie “Parejas”.

Nixon es un autor que nos hace sentir su implicación personal en las imágenes que hace y con los temas tratados; nos hace además percibir lo que normalmente pasa desapercibido cuando miramos con superficialidad nuestra cotidianeidad.

 

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Il Venerdí di Photosatriani N. 127

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Bosque, Fabula, Invierno

Arbóreo N. 66- Fabula Arbórea

Il Venerdí di Photosatriani N. 126

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Esqueletos, Invierno, Niebla

Arbóreo N. 65 – L’isola che non c’e’

 

Nuevas conversaciones en GetxoPhoto 2017

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Ali Eslam, GetxoPhoto, Realidad Virtual

Aunque la edición 2017 se acaba de finalizar, si tuviera que aconsejar por dónde empezar la visita a GetxoPhoto, sin lugar a duda diría por la Sala Torrrene, por las propuestas innovadoras que allí se ofrecían. Dos sobre todas: “Jaywalkers” de Dries Depoorter y “Death Tolls experience” de Ali Eslami.

En general, las propuestas visuales que se presentaban en esta sala, ofrecían al visitante interesantes oportunidades de reflexión sobre lo que es y será el arte visual que, con las nuevas tecnologías, va asumiendo formas y contenidos que se alejan enormemente de lo que tradicionalmente ha sido la aproximación a un cuadro, a una fotografía y hasta a un vídeo. Se trata de una (re)-evolución que causará perdedores y ganadores; seguidores y detractores; re-ajustes y carreras hacia adelante. Está claro para mí que, en un contexto como este, la fotografía está destinada a revisar y reconstruir el mensaje que ofrece si no quiere desaparecer como forma de arte visual. Tendría en mi opinión que dejar la exagerada tendencia conceptual en la cual se ha metido en los últimos años, porque las nuevas formas de arte visual ofrecen un vehículo mucho más potente y expresivo, y recuperar el contacto directo con la esfera sensorial; volver a la artesanía del proceso; re-descubrir la dimensión más íntimamente emocional.

En Jaywalkers, Dries Depoorter (artista Belga aunque dice que vive “on-line”) nos mete en el mundo horrible y agobiante del “Gran Hermano” que todo ve, controla y nos delata. Ha “hackeado” tres cámaras de seguridad en EEUU y en Canada, permitiéndonos de ver “live” lo que ocurre in tres anónimos cruces de carreteras con semáforos, de vete a saber cuál ciudad. Asociada a cada pantalla hay un pulsante rojo que podemos apretar si vemos un peatón o un coche que pasa con el rojo. Si esto ocurre, automáticamente se envía una denuncia por e-mail a la comisaría más cercana!!!

En Death Tools Experience, Ali Eslami nos materializa violentamente y visualmente los asépticos números de muertos relativos a las guerras actuales y a los flujos migratorios, que nos hemos acostumbrados a escuchar casi diariamente como frías estadísticas y no por lo que realmente son: personas que ya no existen, con todo lo que esto conlleva en su entorno. Para esto, nos propone un fascinante, inquietante, poético, brutal viaje de realidad virtual, en el cual el espectador se transforma en testigo presencial del inmenso número de cadáveres alineados y envueltos en bolsas blancas, haciéndonos sentir cercanos al drama y llegando a tocar nuestras cuerdas más íntimas de culpabilidad. Sus planos visuales son de una tal belleza y de una poética tan altamente sensible que, en parte amortiguan la crudeza del mensaje, raptándonos, centrifugándonos y devolviéndonos aquella compasión y empatía que hemos perdido.

La próxima semana os contaré del resto de las exposiciones que he visitado en GetxoPhoto.

 

 

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 125

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Pinar, Pinos, Salamanca

Arbóreo N. 64 – Danza Arbórea

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 124

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Extremadura, Pinar, Pineta, Pino

Arbóreo N. 63 – La vida secreta de los Pinos

 

Bill Viola y la videoarte emocional

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Bilbao, Bill Viola, Guggenheim, Videoarte

Hemos llegado a un punto en el cual consideramos la experiencia visual como imprescindible para nuestra experiencia cognitiva. La consecuencia más evidente de esta invasión es que estamos saturados y las imágenes están perdiendo efectividad. Además, en la mayoría de los casos, estas imágenes quieren guiar nuestro pensamiento hacia una interpretación específica. Si esto no lo consiguen con lo visible, habrá seguramente a lado de cada una de estas imágenes, alguna larga explicación “conceptual” que nos… “hace entender” como tenemos que interpretarlas.

Cuando entré en el mundo visual de Bill Viola en el Guggenheim de Bilbao (hasta el 9 de Noviembre), todo lo anterior desapareció. El mundo de Bill Viola es absolutamente sensorial; no se necesita de ninguna explicación y de ninguna palabra, para dar espacio a una experiencia cognitiva perceptiva, emocional y sensorial. Re-tomando unas palabras del mismo autor: “desde lo que yo soy y de lo que yo siento, transformo mi ser en unas imágenes que a vez son capaces de penetrar y romper culturas, mundos personales, historias, vidas y generan más emociones que se transforman en tesoro personal y nos hacen pensar y nos enriquecen”.

He prometido a mí mismo de volver a ver la imperdible retrospectiva en el Guggenheim, comisariada por Lucia Agirre e instaladas en ocho salas del Museo, cuando la horda turística haya bajado de intensidad, para poder disfrutar con mayor plenitud de las obras de videoarte allí instaladas y amplificar las emociones que se generan. Las espectaculares obras de Bill Viola tocan a veces la esencia del sentido de la vida terrenal, exploran conceptos como la muerte o el renacimiento humano después de haber tocado el infierno; por esta razón, sus obras generan en el espectador respuestas profundas y a veces, totalmente inesperadas. En el Guggenheim, se pueden admirar obras cuales: “The dreamers”, “Fire Woman”, “Tristan’s Ascencion”, “Inverted birth”; “The Encounter”, “The Veiling”.

Esta última, aunque no sea tan espectacular como otras, me ha parecido muy íntima y poética y por esto la señalo con especial hincapié. Se trata de una instalación de unas veinte capas de tela translucida, sobre los cuales se proyectan desde los dos extremos, imágenes de un hombre y una mujer acercándose y alejándose de la cámara en varios paisajes nocturnos. Las telas difuminan la luz, de manera que las imágenes son pura presencia en la tela central. Las diferentes capas, hacen que las imágenes asuman una forma tridimensional, que van moviéndose en el espacio oscuro de la sala, permitiendo meditar sobre como una misma realidad pueda ser percibida desde diferentes ángulos y perspectivas. Desde el punto de vista sensorial, la obra genera misterio y descubrimiento, a medida que las imágenes toman forma en las diferentes capas de las telas, para finalmente revelarnos lo que estamos viendo.

Dentro de la exposición en el Guggenheim, hay también un interesantísimo documental de Isabel María, “Tiempos de Tránsito”, en el cual Bill Viola revela su proceso creativo que empieza con el recopilar en un cuaderno que llama “Diario”, cualquier cosa que llama su atención: fragmentos de lecturas, recortes de periódicos/revistas, experiencias personales, ideas. El “Libro de Proyecto” es el cuaderno en el cual toma cuerpo un proyecto específico desde su conceptualización hasta su descripción en los detalles. El “Libro de Producción” es el cuaderno en el cual Bill Viola desarrolla la implementación técnico-práctica del proyecto, llegando a especificar todos los elementos necesarios para luego producir la obra visual: localización, decorado, iluminación, actores, etc…

Una experiencia que me ha “cogido totalmente desprevenido” por la fuerza emocional y sensorial que se vive, presenciando el videoarte de Bill Viola. Sugiero abrazar la fuerza creativa de Bill Viola y entrar en su mundo con: una predisposición mental abierta, la posibilidad de olvidarse del tiempo y un total abandono sensorial. Si se cumplen estas tres premisas, se podrá vivir cognitivamente y sensorialmente algo realmente único; una ascensión a algo que va más allá de lo terrenal.

De gira a Italia con el “Gusto dell’Arte”

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Basilicata, Exposiciones, I Sassi, Italia, Italy, Matera

La vida está hecha de días que no dicen nada y de momentos que lo son todo. La sabiduría está en saber disfrutar cada día pero también en el saber gustar de manera especial, la plenitud de los momentos. A mí me encanta hacer fotos, intento crear un canal de comunicación a través de mis fotos, disfruto trabajando en preparar mis fotos para que puedan ver la luz y así tener la oportunidad de encontrar la mirada y las emociones de otras personas. Cuando se da esta oportunidad, el círculo se cierra y me siento apaciguado y en armonía con todo. En Abril de este año, gané el primer premio de la sección gráfica digital del Premio Arte Novara. Entre Junio y Septiembre, su director artístico, el indómito e indomable Vincenzo Scardigno, “hace una gira” con las obras de los artistas; el tour “Il Gusto dell’Arte”, empezó en Oleggio, para luego tocar Matera, Molfetta, Reggio Calabria y finalizar en Novara.

La segunda etapa del tour es Matera, ciudad patrimonio de la humanidad (será además Capital Europea de la cultura en 2019), que sin lugar a duda, merece la pena ir a visitar. Matera es también la ciudad en la cual tengo la mitad de mis raíces; ha sido la ciudad en la cual vivía mi abuela y donde iba a pasar mis veranos de niño. En estos días y hasta el 6 de Agosto, mis dos obras: “Il Pesce Volante” e “Musica” están expuestas en dos lugares de ensueño: Casa Cava y el Convento de San Agostino. Podéis imaginar la tremenda ilusión y emoción que todo eso me genera y la inmensa gana de compartirlo. A continuación os dejo algunas imágenes de la inauguración de ayer, en la cual estuvieron mi madre y parte de mi familia. Es realmente especial saber que gracias a mis obras visuales, la distancia física que nos separa (ellos viven allí e yo en Bilbao), se ha podido anular por un momento y hemos vuelto a pisar lugares y espacios que nos veían juntos en otra época  (han pasado casi 35 años), cuando todavía vivía mi abuela.

Siguiente etapa: ¡REGGIO CALABRIA!

Para los más curiosos, invito a ver este breve video que trasmite bien el “sentimiento de ser Lucano” para quien, como yo, vive lejos de su Tierra

 

SOROLLA y la LUZ: cuando pintura y fotografía se encuentran

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Madrid, PHE, PhotoEspaña, Pintura, Sorolla

 

Foto by Photosatriani

Este año el Museo Sorolla (un rincón de paz y de luz en una Madrid enfocada) es una de las sedes de PHE. La razón es la exposición “Sorolla en su paraíso” (hasta el 1 de Octubre, comisario Publio López-Mondéjar) que, a través de unas fotografías de gran calidad, ofrece una visión íntima y sorprendente del “paraíso” familiar y laboral del gran pintor. Una especie de biografía visual, sentimental y artística que ayuda a entender la “visión fotográfica” que Sorolla tenía en su manera de ver.

Los cuadros de Joaquín Sorolla me han siempre atraído por la manera con la cual el artista pone a la luz como gran protagonista; una luz que me lleva derecho al Mediterráneo con sus olores y sus colores intensos y saturados. Cuando estoy delante de un cuadro de Sorolla o cuando se entra en lo que fue su último estudio, parece que se está en la playa junto con sus modelos o sobrevolando la escena pintada. Otro aspecto “fotográfico” que ha hecho que las pinturas de Sorolla me han siempre llegado con intensidad, es la perspectiva que normalmente elije en sus cuadros. Es una perspectiva muy dinámica, que acentúa la cotidianeidad de las escenas retratadas y que contribuye a sentirse como parte de aquel momento de vida. La exposición fotográfica de alguna manera nos ofrece justo este punto de vista: la oportunidad de ver el “making-of” de algunos de los cuadros más representativos del pintor.

Lo que esta exposición me ha permitido, es transformar mis percepciones en conocimiento, visto que he podido profundizar en la relación que Sorolla tuvo con la fotografía. Más que una relación fue una compenetración. Cuando el pintor tenía unos 18 años, un amigo suyo, le presentó al fotógrafo Antonio García Peris que parece necesitaba un ayudante y decidió contratarle; con el pasar del tiempo Peris acogió Sorolla en su casa (el pintor se quedó huérfano con solo dos años y vivía con sus tíos) y le facilitó la posibilidad de dedicarse a la pintura y le introdujo en los círculos artísticos de la ciudad; junto con el fotógrafo, Sorolla experimentaba en su estudio con la luz y con el retoque. El gran amor, fuente de inspiración y esposa de Joaquín Sorolla (Clotilde) era la hija de Antonio García Peris.

Antonio García Peris-1906

Quería destacar la imagen de la portada de este artículo (que está incluida en la exposición del Museo Sorolla), cuyo autor es Antonio García Peris. Se trata de una escena familiar alrededor de una mesa de una belleza estremecedora tanto por la luz, como por la puesta en escena y la composición; para mí una verdadera obra maestra, considerando además que la toma es del 1907.

El otro grande fotógrafo con el cual Sorolla se vinculó cuando ya se mudó a Madrid con toda su familia, fue el Danés Christian Franzen (un importante retratista de la época), al cual Sorolla dedicó este bonito retrato y con el cual colaboró en algún proyecto.

Sorolla se sirvió además de la fotografía para fijar en sus cuadros el invisible o lo fugaz que normalmente escapa a nuestra mirada o que se diluye con el pasar del tiempo. La exposición no muestra este aspecto, si no el contexto y los escenarios en los cuales Sorolla desarrollaba su vida y su trabajo. Se trata de unas 60 imágenes entre las cuales hay muchos retratos del pintor, pero también escenarios en los cuales Sorolla iba instalando su caballete para pintar sus cuadros, fotos familiares, etc. Este link os da la oportunidad de tener una buena idea de lo que se puede disfrutar en la exposición en el Museo Sorolla. Propongo a continuación otra evidencia de la importancia que la fotografía hubo en la vida de Sorolla; se trata de una retrato que hizo a su hija María en la playa de Biarritz, en el cual la mujer tiene en mano una cámara fotográfica.

Un último apunte; Sorolla también coleccionó fotografías que ahora son parte de los fondos del Museo. En el ámbito de PHE17 (hasta el 20 de Junio), en la Casa de América ha habido una exposición de imágenes de paisajes de Estados Unidos hechos por Carleton Watkins y que Sorolla recibió en regalo del fundador de la Hispanic Society .

Desde la página web del Museo Sorolla, se puede descargar gratuitamente el primer volumen de un interesantísimo catálogo sobre la colección de fotografía antigua conservada en el museo.Fotografia Museo Sorolla

 

 

Café Lehmitz: la belleza de los invisibles

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Café, García-Alix, Madrid, Petersen, PHE

La sensibilidad es sin lugar a duda una calidad esencial para que una imagen trasmita algo; más allá de la apariencia y para que genere en el observador la curiosidad (o la necesidad) de saber más, de conocer la historia que está detrás de aquella imagen. Anders Petersen en la serie Café Lehmitz (PHE17-Madrid, Sección Carta Blanca curada por Alberto García-Alix en CentroCentro Cibeles hasta el 17 de Septiembre) alcanza totalmente este objetivo, dejándonos entrar en un mundo en el cual la sociedad no suele o no quiere mirar, presentándonos sus protagonistas desde una perspectiva de humana complicidad, autenticidad y cercanía.

El fotógrafo sueco descubrió casualmente el Café Lehmitz que estaba situado en el barrio rojo de Hamburgo y por 3 años frecuentó este café que era un punto de encuentro de los que normalmente se etiqueta como “personas marginales”, con el objetivo de retratar la dignidad de estas personas que allí encontraban chispas de despreocupación, complicidad, alegría, amor. El fotógrafo llegó a ser uno de ellos y esta cercanía a las “guerras personales” de los clientes del Café Lehmitz, le ha permitido sacar unas imágenes que nos hacen sentir parte de aquel entorno; que nos hacen empatizar con aquellas historias; que nos juzgan y nos hacen reflexionar sobre la hipocresía con la cual solemos apartar nuestra mirada sobre “los diferentes” para convencernos que no son parte de la misma sociedad a la cual nosotros pertenecemos.

Como dice Alberto García-Alix, “Petersen nos hipnotiza, se adueña del aire”. Pero, además de la belleza de cada una de las imágenes que forman la exposición, el diseño de la instalación de la misma (comisariada por Nicolás Combarro) ayuda todavía más a sumergirse en el lugar hasta hacernos sentir como un cliente más del Café Lehmitz. El aspecto casual y curioso, que ha sido determinante para que tuviera una valoración tan alta de esta exposición, es que, sin saberlo, entré por lo que el comisario había diseñado ser como el final de la exposición: una sala cuyas paredes estaban totalmente “empapeladas” con la impresión de las tiras de negativos hechas por Anders Petersen, incluidas las anotaciones que el mismo hacía durante el proceso de visionado y selección. Verse y sentirse envueltos por tantas imágenes, cada una llena de tanta expresividad, complicidad, soledad, alegría fugaz, fracaso, me hizo empatizar con cada uno de los clientes del bar, con sus historias, sus “guerras”, sus necesidades de ser comprendidos y amados, aunque sea por solo algunos minutos. Una sensación fuertísima, asombrosa, demoledora; un torbellino de emociones que muy pocas veces he probado mirando una exposición de fotografía.

Un bellísimo audiovisual en una de las salas en las que se divide la exposición, permite profundizar y entender todavía mejor lo que era el mundo del Café Lehmitz y las historias de sus clientes, tanto que luego, volviendo a mirar las imágenes colgadas en las salas, las emociones probadas inicialmente, se multiplicaban todavía más y queda muy claro como el fotógrafo ha sabido encerrar en sus imágenes la cercanía y la complicidad con las cuales su sensibilidad vivía y se impregnaba de las historias que pasaban en el Café Lehmitz.

¡ I M P E R D I B L E !

 

 

En el mismo CentroCentro Cibeles, está también otra exposición que merece la pena de ser vista y disfrutada con mucha atención; se trata de Pistas de Bailes de Teresa Margolles que trata el tema de la prostitución en Ciudad Juárez de una manera realmente original pero al mismo tiempo cruda y realista.