Collages híbridos en tierra de sueños

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Collage, Conner, Cristina Rodero, India, Madrid

foto Photosatriani

Es una enriquecedora rutina que he consolidado en el tiempo; cada vez que tengo la oportunidad de pasar algún día en Madrid, es buena práctica personal la de visitar por lo menos una exposición, aprovechando las muchas posibilidades que esta ciudad ofrece al visitante. La semana pasada mi interés cayó sobre dos “joyas” cercanas en cuanto a lugar donde se exponían pero a los antípodas en cuanto a mensaje y estética. La exposición “Es todo cierto” en el Reina Sofía de Bruce Conner (hasta el 22 de Mayo) y la exposición “Tierra de sueños” de Cristina García Rodero en el Caixa Forum (hasta el 28 de Mayo).

Bruce Conner es un artista multi-facetico, poliédrico, anti-artista y muchísimas cosas más, con una inmensa producción que abarca desde el dibujo hasta escultura, desde el collage hasta la fotografía, desde los “assemblage” hasta el collage cinematográfico, desde la pintura hasta las manchas de tinta. Un tripudio de la polinización entre géneros, una fantasmagoría de mundos híbridos que dialogan con el espectador, lo embrujan y lo hacen pensar, sentir y fantasear.

El primer tipo de propuesta que ha hecho vibrar mis sentidos han sido los collage de grabados, en los cuales el artista creaba “no-personajes” y “no-lugares” a partir de antiguos grabados. El resultado es extraordinariamente parecido a los Antihéroes de Susana Blasco (ella trabaja fotografiando collages obtenidos con viejas fotografías y objetos). La cosa sorprendente es que, hablando con Susana, me ha dicho que ella no conocía la obra de Conner y que “menuda sorpresa” ha tenido cuando se la he presentado…una vez más la evidencia que existen conexiones invisibles y que el arte es circular.

 

 

 

foto cogida en: http://jacindarussellart.blogspot.it

 

Otra creatura de Conner son los Assemblage; consisten en unas esculturas hechas con objetos encontrados y normalmente encerrados en medias de nailon que regalan a estas composiciones de objetos, la sensación de haber dado con ellos en el “desván” de la abuela, llena de telarañas. Otra propuesta bellísima en su sencillez conceptual y material, y atractiva visualmente aunque de compleja fruición, son las manchas de tintas, obtenidas dejando caer un poco de tinta en un papel y luego doblándolo. El resultado son composiciones simétricas que recuerdan los mundos de Escher y que Conner presenta como piezas individuales o juntas, en secuencias de figuras que dejan visualizar el infinito.

https://it.pinterest.com/pin/328551735288144558/  No puedo no mencionar también sus películas que para mí son realmente collage cinematográficos, que Conner obtenía montando pequeñas secuencias de película encontrada o hecha por el. El resultado son películas con un ritmo vertiginoso, acompañadas por un sonido que acentúa todavía más el frenesí de la película. La que más emoción me ha generado, ha sido Breakaway; son 6 minutos de video totalmente cautivador, en el cual una modelo (Toni Basil) se mueve y baila al ritmo de la canción homónima; un himno al cuerpo visto como un instrumento para sentirse libres; una experiencia que no es fácil olvidar; un estilo luego copiado pero difícilmente alcanzado por muchos directores de videoclips.

Quien ama la fotografía, conoce y aprecia a Cristina García Rodero, una mujer capaz de estar donde ninguna otra persona se atreve a ir, además con una cámara en mano y haciendo fotos, para mostrar la esencia de ritos, pueblos, gente a través del sentimiento de las personas que retrata. En mi opinión en Tierra de sueños, su mirada ha seguido un proceso diferente, más pausado, más profundo y menos de “robo”; sus imágenes nos hablan sobre todo de mujeres en la India rural, de los olvidados entre los olvidados; de los marginados dentro de los inexistentes. Sus imágenes a tamaño natural y con unos colores brillantísimos, contrastan fuertemente con el contenido visualizado en las mismas, generando sensaciones fuertes en el espectador porque es como si un grito silencioso se adueñara de él. El efecto es que el espectador se siente inmerso in aquella tierra de sueños, hasta tal punto que pruebas la necesidad de ofrecer tu ayuda.

Il Venerdí di Photosatriani N. 83

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Businessman, Fiumicino, Orso Bianco

Summertime Blues N. 13

El oso polar ya nos lo va avisando…casi llega el invierno y creo que ha llegado el momento de finalizar la serie Summertime Blues.

A partir de la semana que viene vuelven mis árboles y la serie ARBOREO

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 76

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Garda, Jellyfish, Medusa

Summertime Blues – N.6

La Medusa

Il Venerdí di Photosatriani N. 74

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Garda, Ombre, Shadow, Traghetto

Summertime Blues – N.4

 

GETXOPHOTO 2016: la rayuela del tiempo

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Callejero, Exposiciones, Getxo, GetxoPhoto

El TIEMPO ha sido el tema de la edición 2016 de GETXOPHOTO, el festival fotográfico “callejero”. No podía faltar a la cita anual con mi post sobre esta manifestación que disfruto siempre muchísimo, aunque no totalmente, porque las fechas en las que se desarrolla me pillan siempre entre vacaciones (que suelo pasar en Italia) y la vuelta al trabajo que nunca es fácil. En GetxoPhoto hay imágenes en las calles, pero también exposiciones en alguna sala (como el aula de cultura de la localidad y la espectacular Punta Begoña) y además se organizan muchísimas manifestaciones colaterales de mucho interés. El día que he podido dedicar a la visita de las exposiciones, coincidió con un tiempo típicamente vasco: cielo pictórico con nubes galopantes, alternadas con sirimiri improvisos y copiosos, nubes bajas y viento del oeste. Este escenario eléctrico y electrizante, fue rematado por el encuentro casual con Nerea Falagán, una de las personas que desde hace años trabaja en el equipo de GetxoPhoto y que estaba guiando un grupo por las diferentes instalaciones. Nerea, con gran disponibilidad y sin con esto dejar de atender perfectamente a su grupo de estudiantes, me ha ayudado a dar todavía más luz sobre algunos de los autores presentes en la exposición, cosa que me ha permitido disfrutar todavía más del recorrido y ahondar en la perspectiva con la cual quería visitar las diferentes instalaciones, enfocada a la experiencia emocional y la introspección.

Cuando en la escalinata del Puerto Viejo de Algorta me encontré con la imagen de la portada de este post, pensé que era la representación más eficaz del espíritu de esta manifestación, que obliga a disfrutar de la Fotografía, andando, subiendo, parando, bajando, pausando, deambulando.

No creo que mi juicio esté condicionado por el hecho que lo más reciente parece siempre lo mejor, pero creo poder decir con total seguridad, que este año la calidad global de las obras expuestas en Getxophoto ha sido la más altas de todas las ediciones que he visitado (todas desde el 2012); este resultado es seguramente mérito de los comisarios y de todo el equipo. Presento a continuación el subconjunto de las 3 exposiciones que más han revuelto mi alma; antes propongo una galería de imágenes de las demás exposiciones que merecerían ser en cualquier caso mencionadas y de las cuales ofrezco un link para quien tenga la curiosidad de husmear: Bohnchang Koo, Michael Wesely, Manabu Yamanaka, Jérémie Nassif, Luce Lebart, Ken Kitano, Matthew Pillsbury. Todo esto es la evidencia del altísimo nivel alcanzado en esta edición de GetxoPhoto.

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DAESUNG LEE

Para mi, son las imágenes que más me han transmitido; están cargadas de un altísimo valor poético además de denunciar otro paraje que está sufriendo de manera violenta el cambio climático mundial: la desertificación de la Mongolia que obligará a los nómadas que allí viven, a re-inventarse para sobrevivir. En un estilo típicamente oriental, donde no existe nada superfluo, el autor nos conduce, a través de puertas visuales, a mezclar presente y futuro de una tierra y de un pueblo, o a proyectar el presente en un futuro que allí será pasado. Lo hace, a través de imágenes en las cuales la poesía y el sentimiento se mezclan con la perfección compositiva y junto trasmiten al espectador con fuerza abrumadora, una sensación de nostalgia y de empatía, que a mí me ha revuelto el alma. Una persona que es capaz de trasmitir todo esto, es seguramente una persona de una altísima sensibilidad y generosidad. En las fotos que he hecho de la instalación de Deasung Lee, he intentado re-doblar el mensaje del autor, mostrando sus imágenes embebidas de atisbos de horror en el nuestro paisaje o simplemente de la vida que aquí fluye.

EULALIA ABAITUA

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Parece ser la primera mujer fotógrafa vasca que, al final del 1800, primeros años del 900 ha sabido retratar con sencillez, sensibilidad y gusto, la vida del pueblo vasco y con particular tacto los rostros de la gente trabajadora, con un especial hincapié en las mujeres. Hay diferentes instalaciones dedicadas a su fotografía: un vídeo en el aula de cultura de Algorta, una serie di 4 imágenes en la c/Basagoiti, una serie de 5 imágenes, más una en dos lugares del Puerto Viejo de Algorta. Especialmente acertada en mi opinión la imagen colgada justo encima del monumento al pescador en el Puerto Viejo.

AMY FRIENDS

Está claro que existe desde hace unos años una clara tendencia en devolver la vida a fotografías antiguas que se encuentran por casualidad en diferentes lugares o que simplemente “te alcanzan” por una carambola de casualidades. Quizás es una necesidad de crear puentes con los antepasados, o materializar de alguna manera la herencia y la esencia de quien nos ha dejado, porque sobre ella edificamos nuestra vida. La manera propuesta por Amy Friend es muy delicada: retro-ilumina las viejas fotografías previamente agujereadas según un patrón que únicamente ella conoce y que parece estar muy cercano a como ella interiormente siente cada una de las imágenes. Este proceso, hace que la vieja fotografía luego ya no existe, se ha transformado en otra cosa que además no es la misma cosa que nosotros espectadores sentimos cuando vemos las imágenes de Amy. Estas diferentes capas se entrelazan continuamente, presente, pasado; muerte y vida; luz y oscuridad en un sinfín de sensaciones.

¡Hasta la edición del 2017!

Ojala la parte derecha de la imagen fuera la de la izquierda…para que estos monstruos acabaran de inquinar las ciudades del mundo con sus tentáculos de gente que invaden la singularidad del lugar con el espíritu del “tomar y salir corriendo”

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Miroslav Tichý: una historia, muchas imágenes y la evocación

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Evocación, PhotoEspaña, Poesía, Romanticismo, Tichý

La sensación de plenitud que la mayoría de las personas alcanza percibir cuando la Vida nos regala lo que yo llamo un “cruce mágico”, constituye para mi uno de los instantes que merecen ser perseguidos con abnegación y que recompensan de mucha “ordinariedad” (quiero decir, de muchas cosas ordinarias) que tenemos que tragar. Esto es lo que sentí cuando entré en el Museo del Romanticismo en Madrid y descubrí a Miroslav Tichý y su fotografía, gracias a la exposición organizada allí por Photoespaña (abierta hasta el 28 de Agosto). Llego algo tarde, lo se…Tichý saltó a la fama mundial en el 2004…pero ¡qué importa! No se trata de llegar primero, segundo o último, se trata de sumar al bagaje personal tanto como fotógrafo que como persona, un fragmento de belleza que enriquece y me hace sentirme mejor. Lo que me ha cautivado de Tichý han sido por supuesto sus imágenes evocadoras, resultado de una mirada incisiva y original de la cotidianeidad de la vida, pero también la historia que hay detrás y la persona Miroslav Tichý, un hombre que desarrolló una profunda y arraigada filosofía, fundamentada por la cultura, el arte, la sensibilidad y el anti-conformismo.

Miroslav Tichý antes de llegar a la fotografía, frecuentó la Escuela de Bellas Artes en Praga; nunca llegó a completarla, porqué mientras tanto, se estableció el régimen comunista que impuso a los artista un enfoque que Miroslav no compartía. A partir de allí se hizo siempre más evidente el choque frontal con el “estatus quo” que se iba estableciendo; Miroslav se transformó entonces en un espíritu libre, excéntrico, independiente, rozando la locura; elije una vida al límite y se conforma vivir en una chabola de madera en su ciudad Kyjovn en la Republica Checa. Todo esto le permite ser tolerado por el régimen, que lo deja vivir marginado y que lo obliga a pasar unas temporadas en psiquiátricos o cárceles, para quitarse del medio su figura que amenazaba la perfección aparente que el régimen quería mostrar públicamente, sobre todo durante manifestaciones en las cuales participaban representantes de la jerarquía gubernamental. En los años Cincuenta, Tichý descubrió la fotografía y empezó a desarrollar su propia visión, incluyendo el hecho que era el mismo que se construía sus propias cámaras y lentes con material de desecho, que intervenía con lápiz en las fotos reveladas, que sobrexponía y desenfocaba y que ha utilizado (quizás sin voluntad directa) el tiempo como un elemento más para deteriorar sus imágenes y de esta manera añadirle un mayor componente de evocación. La imperfección que crea poesía.

Cuando la fotografía se convierte en su misión, decide hacer cien fotos cada día; por lo tanto, cada día, sale a darse un paseo por su pueblo para hacer foto de lo que es el “mundo” (como el mismo dice en el maravilloso e imperdible video que Roman Buxbaum ha hecho sobre este artista); a juzgar de las imágenes, parece que su perspectiva del mundo estaba muy condicionada y cercana a la mujer. La casi totalidad de sus fotografías tienen como protagonista las mujeres.

Existe un claro paralelismo entre la poesía y la fotografía de Miroslav Tichý. La poesía es un género literario que, por medio de la palabra, evoca sentimientos, emociones, sensaciones y genera reflexiones y pensamientos. En la poesía se usan elementos de valor simbólico para generar imágenes, que necesitan de una actitud activa por parte de quien lee los poemas para poder captar el mensaje. Las imágenes de Tichý derivan de un concepto evocador de la fotografía. Como el mismo dice: “reconocemos solo lo que podemos y queremos reconocer”; sus imágenes provocan pensamientos, nos obligan a entrar en nosotros mismos, en nuestra memoria, en nuestro vivido, para poder evocar lo que las imágenes nos trasmiten. En este proceso, nuestro ánimo se llena de nostalgia, de recuerdos y de esencial y se le ofrece extraer de lo que ve borroso, sobrexpuesto, desenfocado en las imágenes de Tichý, una clarísima y dulcísima sensación de bienestar. El fotógrafo y el observador de su obra entran en sintonía y por un momento se tiene la sensación que su imagen es tu imagen y que tu vida ha sido lo que él ha congelado en sus fotos. Tichý decía: …”yo no existo en absoluto, soy simplemente una herramienta de percepción…”. Tichý lleva las imágenes a un sugerente lugar en el cual todos nos parecemos y nos reconocemos; la Fotografía de Miroslav Tichý es la más clara demostración que la poética de una imagen no nace de una cámara fotográfica si no de la mirada de la persona que está detrás de ella.

En el 1981, un vecino de Miroslav Tichý, que fue también su psiquiatra, Roman Buxbaum, empezó a entrevistar, a documentar dichas entrevistas y sobre todo a preservar el trabajo deteriorado; al mismo tiempo, trabajó para que se diera a conocer la obra de este artista. Desde entonces, solo en el 2004 (7 años antes de la muerte de Tichý) y gracias al curador suizo Harald Szeemann, se presentó al público su obra en la Biennale de Sevilla; a partir de allí la obra de Tichý cautivó a todos y se llegó a exponer hasta en el Centro Pompidou en París y en el Center of Photography in New York. Miroslav Tichý a pesar de que su obra había alcanzado notoriedad mundial, quedó fiel a sus principios, en ser anti-conformista y “anti-establishment”; rechazó la fama, el dinero, los premios y los paripés y se quedó en su casa llena de imágenes y de muchas otras cosas, en su pueblo Kyjov, del cual supo retratar la esencia de lo que ocurría, tomando siempre las mujeres como sus únicas musas.

Esta historia me cautiva pero también me genera rabia; seguramente nos hace reflexionar entre el dualismo entre ser artista y ser un artista reconocido. … ¿que quiere decir precisamente “reconocido”? ¿Reconocido por quién? ¿Quién se otorga la autoridad de reconocer a un artista? ¿Cuáles son los criterios que usa? ¿Cuánta subjetividad existe en estos criterios (si de criterios podemos hablar)? Todo esto me recuerda el relato visual “El escultor” que leí el año pasado en el cual un galerista decía a un artista: “crees de verdad que existe un “artometro” omnipotente que divide el bueno de lo malo? Es todo malditamente subjetivo, siempre lo ha sido y siempre lo será”.

Una persona que ha vivido su vida sin pedir nada, preservando su libertad y su pensamiento mientras el resto del mundo lo consideraba medio-loco y lo marginaba; una persona con una sensibilidad y profundidad de pensamiento excepcional, reversaba todo su ser en hacer fotografías con cámaras hechas por el mismo, usando materiales de deshecho. Una persona así ha generado una herencia para todos hecha de imágenes evocadoras en las cuales todos nos reconocemos o a través de las cuales, visualizamos nuestros recuerdos o nuestras nostalgias. Esto debería ser suficiente para que su obra fuera conocida y difundida, porque disfrutando de ella, nos ayuda a todos a ser mejores personas y a facilitar que nos conozcamos mejor, más allá de las apariencias, de las hipocresías y de la superficialidad. La obra de Miroslav Tichý conseguió (aunque muy tarde y a pesar de su voluntad) esta notoriedad; una gota en la infinidad del mar de los anónimos que hacen arte para sigo mismo, para sentirse mejor, para expresar la interioridad, para superar conflictos interiores o simplemente para el gusto de hacerla. En este sentido, Miroslav Tichý es sin lugar a duda el artista de los artistas…aunque él, conforme a su anti-conformismo, prefería autodefinirse un “Tarzán jubilado”.

En 1992, el pintor austríaco Arnulf Rainer visitó a Tichý y le pidió comprar algunas de sus obras. Tichý se negó a aceptar dinero y le propuso un trueque: una pintura de Rainer, a cambio de una fotografía. A partir de allí, muchos más artistas quisieron hacer lo mismo. Visto lo visto, Roman Buxbaum fundó entonces The Tichy Ocean Foundation, que se basa en el concepto de intercambio. Artistas de todo el mundo donan sus obras a cambio de fotografías de Miroslav Tichý.

Antes de acabar este post-homenaje, quiero añadir una cosita más: os invito a volver a leer cuanto he escrito o a mirar las imágenes de Tichý, poniendo la bellísima balada que Nick Cave ha querido componer y dedicar a Miroslav Tichý; una pieza que en mi opinión encierra en su ritmo y en sus palabras muchas de las sensaciones que las imágenes de Tichý evocan en nuestras cabezas cuando las miramos.

Berengo Gardin: “el fotógrafo del hombre”

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Berengo Gardin, Palazzo Esposizioni, Roma

“El fotógrafo del hombre”, así Sebastião Salgado define a Gianni Berengo Gardin que, con sus 86 años, es seguramente uno de los fotógrafos más representativos de nuestra época. El mundo capturado en las fotografías de Berengo Gardin es nuestro mundo: nos reflejamos, empatizamos con las personas que Gianni retracta, nos generan una sutil sensación de memoria y de nostalgia y al mismo tiempo son un documento muy preciso de lo que ha ocurrido (sobre todo, pero no solo) en Italia desde el 1954 (cuando empezó a hacer fotografías) hasta nuestros días. Hasta el 28 de Agosto, en el Palazzo delle Esposizioni in Roma, hay la exposición “Vera Fotografía” que narra visualmente los momentos fundamentales de la fotografía de este Maestro a través de unas 250 fotografías extraídas de sus principals trabajos. En mi opinión, un aspecto especialmente estimulante de esta exposición es que hay 24 imágenes de Berengo Gardin comentadas por “excelentes testigos” (colegas, artistas, arquitectos, comisarios de exposiciones, directores de cine, etc.) que facilitan nuestro pensamiento alrededor del valor estético-social que Berengo Gardin ha dejado como testigo a través de su legado visual.

“Si tengo que contar una historia”, dice Gianni Berengo Gardin, “intento siempre empezar desde el exterior: mostrar donde está y como está hecho un país, para luego entrar en sus vías, en sus tiendas y en las casas para hacer fotos a los objetos; esto es un bonito recorrido para conocer el hombre”. Este enfoque revela una delicadeza refinada de la mirada, un ánimo lleno de humanidad y poesía y la profundidad del intento; no se trata de “robar” la exterioridad, amplificando las reacciones superficiales e impactantes a primera vista; se trata de retraer la vida por la que es: momentos mágicos (que solo una mirada atenta y sensible sabe ver) embebidos en una normalidad que se hace testigo de la cotidianeidad. Berengo Gardin proyecta en la gente que retrae, su propia esperanza, su amor por los seres humanos y su capacidad de asombrarse cuando los destellos de belleza (buscados o esperados) iluminan de repente un momento aparentemente normal…y allí está el “click” del Maestro. Una mirada potente pero nunca agresiva.

Me gustaría mencionar entre todas las imágenes que están expuestas en el Palazzo delle Esposizioni, la última serie que Gianni Berengo Gardin ha dedicado a “Venezia e le Grandi Navi” un testigo horrible de la arrogancia con la cual el turismo de masa profana la belleza de las cosas, con la única perspectiva de generar una riqueza efímera para pocos, un daño irreparable al equilibrio de la vida y una violación de nuestro derecho a la dignidad. Como afirma Lea Vergine (crítica de arte), en estas imágenes está presente “una fría seducción que habla de muerte”.

©Gianni Berengo Gardin courtesy Fondazione Forma per la Fotografia

©Gianni Berengo Gardin courtesy Fondazione Forma per la Fotografia

Gianni Berengo Gardin trabajó por muchos años para Olivetti en la época dorada de Adriano Olivetti; considerando que yo también fui empleado Olivetti, aunque unos cuantos años más tarde, para cerrar este post, me gusta incluir algunas de las imágenes que Berengo Gardin hizo en Ivrea, sede de “La Fabbrica Olivetti” y de las personas que contribuyeron a hacerla un ejemplo mundial de sostenibilidad entre vida laboral y personal.

 

Madrid, ergo sum

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Blanca Berlín, Coceptual, Exhibitions, Isabel Muñoz, Joan Fontcuberta, Primates

En el post anterior, conté un recorrido fotográfico Bilbaíno, esta vez el recorrido lo hice en Madrid, visitando la exposición en el Canal Isabel II de Joan Fontcuberta (hasta el 27 de Marzo) y la exposición “Album de familia” de Isabel Muñoz en la Galería Blanca Berlín (finalizada el 27 de Febrero). Fue un recorrido sin ningún punto de contacto, ha sido como visitar dos mundos paralelos totalmente diferentes, un recordatorio de que inmenso alcance puede tener la Fotografía.

Se habla tanto, a veces demasiado de “fotografía conceptual” pero la persona que realmente nos ha enseñado a entender qué es realmente un proyecto fotográfico creativo (entendido como una fusión de pensamiento y fotografía), esa persona es Joan Fontcuberta. Un hombre extremadamente culto, innovador, precursor de los tiempos, de una ironía sutil pero afilada como la mejor katana, con una inmensa capacidad de reírse de sí mismo y de los medios que domina; calidades, todas estas, que poseen solo los sabios. En la obra de Joan Fontcuberta no hay solo fotografía. Hay investigación periodística, conocimiento profundo de la historia de la fotografía y del arte en general, capacidad de comunicación, dominio de diferentes medios expresivos y sobre todo (yo creo) tanta, tantísima gana de reírse de los excesos imperantes en nuestra sociedad de la imagen y de la información, utilizándolos para lanzar su propio mensaje, hacernos dudar de lo real y haciéndonos creer real lo que en realidad es ficción. Joan Fontcuberta utiliza un mismo proyecto para desarrollar líneas equivalentes y paralelas, usando medios diferentes de fruición pero manteniendo la fotografía como lenguaje primario de su manera de comunicarse. La exposición en el Canal Isabel II, nos permite entrar en diferentes mundos creados por Fontcuberta a lo largo de su vida artística: Milagros, Fauna, Sputnik, Trepat, Herbarium. Un bellísimo e interesantísimo video, en la azotea de la torre del Canal Isabel II, nos ayuda a leer, interpretar, entender, la propuesta del autor y nos permite acercarnos a su mensaje y a su punto de vista. ¡Realmente aconsejable!

La de Isabel Muñoz es una exposición que retrae, magnificándola y extrapolándola del contexto donde las escenas se daban, la belleza del retrato como forma de transmitir emociones y empatía. Aquí no hay nada de ficción, todo es real pero tan ancestral que la interpretación que el visitante hace delante de las fotografías de Isabel, es la de verse al espejo pero proyectándose atrás en el tiempo. Nuestra humanidad vista a través de los gestos y las expresiones de aquellos que nos hicieron humanos. Amor, preocupación, aburrimiento, ternura, coquetería, enfado, pedantería, ensimismamiento, protección, el orgullo de ser padre, el dolor de la pérdida, la confianza en un ser superior, todos estos son algunos de mis sentimientos o pensamientos que he visto reflejado en las expresiones de los primates retratados por Isabel Muñoz. Isabel, después de haber investigado y retratado los sentimientos humanos, en “Album de familia”, investiga el origen de estos sentimientos.

MICROGRAFÍA N. 87

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Emotionage, Micrografía, Poetry, Silencio, Zen

Esta imagen ya la había propuesto en Photosatriani dentro de los “Venerdí de Photosatriani”; es una imagen a la cual tengo mucho cariño. El proyecto Emotionage, la escritura de la luz está finalizando su segunda edición; a última hora, una de las artistas visuales que tenían que representar un micro-relato, no ha podido realizar su aportación. Decidí por lo tanto asumir personalmente el reto. Cuando leí el micro-relato que había que visualizar (se trata de ZEN de Ana Martínez), inmediatamente realicé que la imagen que había propuesto en los “Venerdí de Photosatriani” era perfecta para visualizar el contenido y las emociones que este micro-relato me habían generado en el momento de su lectura. En el micro-relato se habla del maravilloso viaje que una persona cumple cuando va hacia su propio ser; en este viaje, el silencio es el compañero que nos habla, nos abre puertas y nos guía.

Emotionage

Zen

Cerré los ojos tratando de concentrarme. El ruido del exterior me distraía. Apreté con fuerza los párpados intentando por todos los medios encontrar el camino que me guiase hacia mi ser. Tras unos largos minutos, entré en un estado de semi consciencia en el cual descubrí un silencio abrumador. Me asusté de tal manera que traté de aferrarme al exterior. Pero la ausencia de sonido me permitió continuar sumergiéndome en mi inconsciente, hasta que finalmente descubrí que el silencio nunca está vacío. Al contrario, el silencio es aquel que te coje de la mano y guía tu camino hacia tu propio ser.

Autor de la imagen – Giuseppe Satriani

Autor del Micro-relato – Ana Martínez

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Il Venerdí di Photosatriani N. 20 – Portrait of a dream

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Dream, Portrait, Venerdí

Portrait if a dream by Photosatriani