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Il Venerdí di Photosatriani N. 276
21 Friday Aug 2020
Category Archives: Street Photography
Los unicornios de Hernandez-Muñoz
04 Monday Feb 2019
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Una vez más me encuentro a relatar y reflexionar sobre dos exposiciones que he visto en Madrid. Una bonita antología del fotógrafo Anthony Hernandez en la sala Barbara de Barganza de la Fundación Mapfre (hasta el 12 de Mayo) y un etéreo trabajo de Isabel Muñoz en la Galería Blanca Berlín (hasta el 9 de Marzo).
Algunos críticos han definido el trabajo de Anthony Hernandez como poesía visual de la decadencia; no estoy convencido totalmente de esta definición. Para mi Hernandez ha fotografiado con increíble respeto lo que su mirada veía y lo que su intelecto quería que viera. Como el mismo dijo: “ser consciente es más importante que la evidencia de esa conciencia en un trozo de papel; ser sensible hacia lo que pasa es más importante de lo que pasa a través de la cámara”. En este sentido se entiende la multitud de técnicas y de enfoques que se encuentran en sus obras y sobre todo se aprecia la migración de su pensamiento en el tiempo, desde la gente a la huella que esta gente deja en los lugares y en el tiempo. No hace falta retratar personas para mostrar (y quizás denunciar) la periferia social; en el paisaje urbano están escritas sus presencias, a través de la ausencia se ve lo que es el mundo de los seres humanos que están al margen de la sociedad; a través de los “castillos sin sentido” que a veces se construyen sin luego finalizarlos, se retrata la sed de dinero y la esperanza de “dar un pelotazo” por parte de otro tipo de personas. De esta manera se abstrae y no se retratan los individuos si no la sociedad. Estando en la sala, me ha parecido encontrar un dualismo dramático entre dos series: Public Transit del ’79 y Screened Pictures del 2015. En ambos casos se trata de paisajes urbanos de gente en espera cerca de paradas de autobús; pero mientras en Public Transit las imágenes trasmitían esperanza, en Screened Picture se percibe atadura y angustia. En Public Transit la ciudad parecía expandirse, había perspectiva, futuro y la gente era la protagonista de un paisaje marginal, pero con esperanza de mejora; en Screened Pictures el espacio y el tiempo son planos, comprimidos, filtrados, enjaulados por las marquesinas de las paradas de autobús y la gente es el fantasma de sí mismo en un tiempo en el cual se tiene la obligación de vivir, pero sin esperanza.
El título de la exposición de Isabel Muñoz es “Los unicornios existen” porque una niña que visitó la exposición que se hizo en Deauville, cuando Isabel fue invitada a participar en el festival Planche Contact con el encargo de realizar un proyecto sobre esta ciudad, dijo que después de haber visto la muestra, podría pensar que los unicornios existen. Se trata de imágenes en blanco y negro de caballos a la orilla del mar en las cuales a veces entra una mujer que casi se fusiona con el animal. La gran mayoría de las imágenes son magníficas platinotipias que acrecen la sensación de una existente conexión entre etéreo y corpóreo, entre espiritual y terrenal.
Il Venerdí di Photosatriani N. 165
06 Friday Jul 2018
Bruce Davidson, desde la empatía y la comprensión
19 Monday Feb 2018
No pude ver la retrospectiva de Bruce Davidson que la Fundación Mapfre ha organizado en colaboración con Magnum Photos cuando estaba en Madrid (hasta el 15 de Enero), pero he tenido suerte, porque ha sido ella que ha venido a encontrarme a Bilbao (Sala Rekalde hasta el 6 de Mayo) y la oportunidad la he aprovechado de inmediato, 4 días después de su inauguración.
En la portada de esta entrada he elegido una fotografía que Bruce Davidson (1933) hizo en los años noventa en el Central Park en New York (trabajo que derivó en un libro publicado por Aperture Foundation); esta fotografía es seguramente muy diferente de las fotografías por la cual este autor es mundialmente conocido. He elegido esta imagen porque para mí visualiza la perspectiva interior desde la cual Bruce Davidson nos muestra sus fotografías. Sus fotografías derivan de la empatía que el autor ha sido capaz de sentir con las personas que retrata; esta empatía a su vez nace de la comprensión de mundos diferentes, fruto de la inmersión en las realidades de estas personas; esta comprensión es finalmente posible, porque Bruce Davidson ha siempre vivido desde el interior lo que ha representado visualmente. Como el mismo ha dicho: “si busco una historia, la encuentro en la relación con el sujeto; no soy yo que cuento, sino que es la historia que se me revela”
Esta segunda fotografía que propongo (para mí de una potencia impresionante con esta doble jaula como metáfora del encarcelamiento de cualquier esperanza de cambio), pertenece a la serie East 100th Street, del 1968 con la cual Bruce Davidson alcanzó la fama como fotógrafo (fue expuesto en el MoMA). Fue un trabajo de dos años en los cuales el autor vivió con los habitantes de este “ghetto” de la parte este de Harlem. Un trabajo sensacional, contiene una cantidad increíble de grandísimas y bellísimas fotografías que parecen ser instantáneas de vida, hechas por los mismos habitantes del barrio. El fotógrafo usó una cámara antigua de gran formato para que el “acto de fotografiar” fuera respetuosamente formal y macroscópicamente evidente; este particular da, en mi opinión, todavía más valor al trabajo de Bruce Davidson porque era necesaria por su parte una compenetración, una empatía, una comprensión y un respeto total de los sujetos para que estos se sintieran tan “a gusto” durante la toma y no posar si no simplemente revelarse tal como eran.
Bruce Davidson revelaba personalmente sus fotografías en su cuarto oscuro, controlando integralmente el proceso y trabajando mucho en post-producción sobre las luces y las sombras para hacer resaltar lo que el consideraba importante resaltar. Este dominio de las técnicas de revelado la fue adquiriendo desde muy pequeño; con 10 años su madre le montó un cuarto oscuro en el baño en casa para que revelara las fotos que iba haciendo en las calles de su barrio.
La exposición es sin lugar a duda imprescindible, tanto por la cantidad y la calidad del material expuesto, cuanto sobre todo para apreciar y aprender cómo llegar a ofrecer a los espectadores una visión personal del mundo, entrando empáticamente en las dinámicas emocionales, sociales y humanas de quien está siendo fotografiado y desde allí mostrarnos las cosas. Una manera de comunicarse a doble hilo: humanamente entre él y los sujetos; emocionalmente con quien mira sus fotografías, trasmitiendo naturalidad, pero al mismo tiempo denunciando.
Una última consideración: para mi existe un paralelismo entre la fotografía de Bruce Davidson y la serie Café Lehmitz de Anders Petersen que ví el año pasado en PhotoEspaña; este paralelismo no es tanto visual, sino más bien de visión de la vida y de respeto de la vida de los demás, sobre todo de la vida de quien aparentemente es sin esperanza.
Aprovecho para señalar que en el ámbito de los Viernes CFC Bilbao, el 9 de Marzo a las 19.30, el comisario de la exposición Carlos Gollonet, ofrecerá un recorrido por la carrera de Bruce Davidson
El itinerario convencional en GetxoPhoto 2017
09 Monday Oct 2017
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En la entrada de la semana pasada, enfoqué mi atención a las propuestas innovadoras presentadas en GetxoPhoto, esta semana os hablaré del recorrido tradicional dedicado a la fotografía.
La primera consideración que quiero hacer y que mirando el mapa salta a la vista claramente, es la importancia extremadamente marginal que se ha querido dar a la Participación Popular (PoP en el mapa), relegándola completamente fuera del circuito principal y en una zona de Getxo que no proporciona ningún motivo de atracción para la gente; es como si los organizadores hubieran querido decir a la gente que ha ofrecido con ilusión sus creaciones para la iniciativa: “¡piérdete!”. En mi opinión se debería dar mucha más importancia en GetxoPhoto a la participación popular, vista la naturaleza “callejera” del evento. Debería ser una oportunidad para que “puedan ver la luz” muchísimas más propuestas de anónimos artistas locales y no, en un contexto que quiere ser a la vez internacional y popular.
Yo también envié mi propuesta sobre el tema: “el futuro ya está aquí”, pero mi foto no fue seleccionada para la exposición. Hasta el último momento tuve serias dudas si enviar la imagen que finalmente envié o se era mejor la otra que no he enviado. ¿Alguien quiere decirme cuales de las dos habría enviado si hubiera sido en mi lugar? 1-Milenial Big-Bang o 2-Raíces de Futuro? (ver la imagen en portada de esta entrada y dejad vuestra preferencia en los comentarios)
Las propuestas más atractivas del recorrido para mi han sido:
SOUP: estremecedoras (por belleza estética y por denuncia) imágenes creadas utilizando residuos de plástico encontrados por la artista Mandy Barker en las playas de todo el mundo.
ABANDONED: destacaría la instalación en la vieja gasolinera abandonada de Algorta, que ofrece un escenario perfecto para las imágenes de Richard Allenbay-Pratt que plantea la hipótesis de un Dubai desierto después del fin de la era del petróleo, con la subyacente denuncia de la insostenibilidad del sistema económico actual.
FOOD: en este caso también la localización es perfecta (no sé si opinan lo mismo los carniceros del Mercado cubierto de Algorta) para unas imágenes que denuncian la no-humanidad del proceso que nos permite de comer carne diariamente. Las imágenes de Henk Wildshut, me han recordado el libro de Michel Faber “Bajo la piel” en el cual, los animales que mataban para proporcionar la carne a la mensa de otros seres vivientes, eran los humanos.
ESTE NO ES EL PARAISO de María Portaluppi: imágenes muy conmovedoras de animales en cautividad. En la mirada o en la gestualidad de los animales retratados se lee una profunda tristeza y nostalgia del alejado hábitat natural; esta sensación viene reforzada por una muy acertada atmosfera de sombra. En mi opinión, de la serie presentada, habría eliminado la imagen del acuario y la imagen de una planta trepante; no transmitían ni de lejos las sensaciones de las demás imagines.
Por otro lado, en mi opinión, había propuestas de las cuales se hubiera podido prescindir tranquilamente:
STANDARD de Roger Eberhard: dípticos de habitaciones de una misma cadena hotelera alrededor del mundo, con asociadas las vistas que se pueden admirar de sus ventanas. Tema visto y re-visto, frito y re-frito. Hasta yo tengo una serie de este tipo hecha en mis andares por el mundo como consultor, que nunca he querido editar, porque me parece perder tiempo por la banalidad del mensaje…pero mira, quizás me equivoqué!
PEST CONTROL de Tania Franco Klein. Forzosamente conceptual. Pretender que la gente entienda la relación entre la plaga de las palomas, el mensaje que se quería transmitir de (in)-comunicación entre personas y su realización visual es como pretender que la gente aprecie una pizza hecha sin levadura, con tomates madurados en el sol Antártico y con mozzarella hecha con leche de tigre!!!
Il Venerdí di Photosatriani N. 102
21 Friday Apr 2017
Berengo Gardin: “el fotógrafo del hombre”
04 Monday Jul 2016
“El fotógrafo del hombre”, así Sebastião Salgado define a Gianni Berengo Gardin que, con sus 86 años, es seguramente uno de los fotógrafos más representativos de nuestra época. El mundo capturado en las fotografías de Berengo Gardin es nuestro mundo: nos reflejamos, empatizamos con las personas que Gianni retracta, nos generan una sutil sensación de memoria y de nostalgia y al mismo tiempo son un documento muy preciso de lo que ha ocurrido (sobre todo, pero no solo) en Italia desde el 1954 (cuando empezó a hacer fotografías) hasta nuestros días. Hasta el 28 de Agosto, en el Palazzo delle Esposizioni in Roma, hay la exposición “Vera Fotografía” que narra visualmente los momentos fundamentales de la fotografía de este Maestro a través de unas 250 fotografías extraídas de sus principals trabajos. En mi opinión, un aspecto especialmente estimulante de esta exposición es que hay 24 imágenes de Berengo Gardin comentadas por “excelentes testigos” (colegas, artistas, arquitectos, comisarios de exposiciones, directores de cine, etc.) que facilitan nuestro pensamiento alrededor del valor estético-social que Berengo Gardin ha dejado como testigo a través de su legado visual.
“Si tengo que contar una historia”, dice Gianni Berengo Gardin, “intento siempre empezar desde el exterior: mostrar donde está y como está hecho un país, para luego entrar en sus vías, en sus tiendas y en las casas para hacer fotos a los objetos; esto es un bonito recorrido para conocer el hombre”. Este enfoque revela una delicadeza refinada de la mirada, un ánimo lleno de humanidad y poesía y la profundidad del intento; no se trata de “robar” la exterioridad, amplificando las reacciones superficiales e impactantes a primera vista; se trata de retraer la vida por la que es: momentos mágicos (que solo una mirada atenta y sensible sabe ver) embebidos en una normalidad que se hace testigo de la cotidianeidad. Berengo Gardin proyecta en la gente que retrae, su propia esperanza, su amor por los seres humanos y su capacidad de asombrarse cuando los destellos de belleza (buscados o esperados) iluminan de repente un momento aparentemente normal…y allí está el “click” del Maestro. Una mirada potente pero nunca agresiva.
Me gustaría mencionar entre todas las imágenes que están expuestas en el Palazzo delle Esposizioni, la última serie que Gianni Berengo Gardin ha dedicado a “Venezia e le Grandi Navi” un testigo horrible de la arrogancia con la cual el turismo de masa profana la belleza de las cosas, con la única perspectiva de generar una riqueza efímera para pocos, un daño irreparable al equilibrio de la vida y una violación de nuestro derecho a la dignidad. Como afirma Lea Vergine (crítica de arte), en estas imágenes está presente “una fría seducción que habla de muerte”.
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- ©Gianni Berengo Gardin courtesy Fondazione Forma per la Fotografia
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- ©Gianni Berengo Gardin courtesy Fondazione Forma per la Fotografia
Gianni Berengo Gardin trabajó por muchos años para Olivetti en la época dorada de Adriano Olivetti; considerando que yo también fui empleado Olivetti, aunque unos cuantos años más tarde, para cerrar este post, me gusta incluir algunas de las imágenes que Berengo Gardin hizo en Ivrea, sede de “La Fabbrica Olivetti” y de las personas que contribuyeron a hacerla un ejemplo mundial de sostenibilidad entre vida laboral y personal.
Bilbao fotogénico…
25 Monday Jan 2016
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Llegué a Bilbao en el ya lejano 1995 y desde entonces, la ciudad se está haciendo siempre más fotogénica. Esta mejoría, continúa a ser muy tangible en el aspecto exterior de sus plazas, calles, rincones, monumentos; en la calidad de vida que la gente puede disfrutar, pero también desde el punto de vista fotográfico. Era impensable hace 20 años encontrar en la Villa exposiciones fotográficas tan impactantes tanto en cantidad que en calidad, como las que se han podido disfrutar en el mes de Enero de este nuevo año. En este post, quiero hablar de cuatro que he podido visitar, pero estoy seguro que en algún otro lugar de la ciudad, habrá alguna más de las cuales ni me he enterado. Hace 20 años, si no era por la Sala BBK o por la Taberna de los Mundos, el resto era poco menos que un deserto para la fotografía; ahora es un florecer de oportunidades que contribuyen a que nuestra mirada se llene de estética y de contenidos, también fotográficos!
Totalmente alineada con las nuevas tendencias de llevar la fotografía (y el arte en general) a la calle, la exposición de Sebastião Salgado que se puede ver (hasta el 13 de Febrero) en la calle Ercilla es una maravillosa puesta en escena de los esplendores de la Naturaleza. Se trata del trabajo Génesis que ya había visto en el 2014 en el CaixaForum de Madrid; en la instalación callejera en Bilbao, las mismas imágenes adquieren una fascinación especial porque es como se tomaran vida cuando el cerebro de los visitantes viene estimulado no solo por la imagen en sí, sino también por el aire que percibe y los ruidos de las calles, creando un contraste abismal con los silenciosos y majestuosos paisajes retratados por Salgado; además el formato gigante de las fotografías y el soporte al más puro estilo “alto hornos bilbaínos”, crean una dimensión digna de las inmensidades naturales que las imágenes muestran y generan sensaciones amplificadas…
Entrar en las salas del Bizkaia Aretoa, sede de la exposición Ibérica (hasta el 29 de Enero) de Ricky Dávila, es como mirarse de verdad al espejo; cuando digo “de verdad” entiendo en profundidad, no deteniéndose en la mera estética, sino revoloteando el alma. En este trabajo, Ricky, que es seguramente uno de los principales artífices de que Bilbao se encuentra ahora en el mapa de la fotografía Española, en mi opinión es como “el Faust”, alcanza “robar el alma” de los modelos: todos (menos una chica de color que tiene la mirada hacia el suelo…ya me gustaría saber porque Ricky le permitió este cobijo) tienen la mirada directa, clavada en los ojos de los visitantes; esta mirada es a la vez una puerta abierta de par en par hacia sus almas y un cuchillo que penetra en las de los visitantes. El aspecto más inquietante para mi es que, a pesar de esta mirada directa, las personas retratadas por Ricky nos dejan la duda que hay algo más “detrás de ellos”. La cartografía generada por el trabajo de Ricky Dávila, me parece que se compone de aquella parte de la sociedad que lucha en silencio la batalla de su dura cotidianeidad; nada del “pijimos” imperante en algunos ambientes; es la realidad sin adornos de una sociedad que va cambiando: integrando, buscando una vía diferente, luchando contra la polarización, buscando las necesarias gradaciones de grises, apostando por la colaboración; una sociedad, que algunos querrían esconder o arrinconar por miedo a los piojos, a la diversidad o al ineluctable futuro…
Mi paseo por Bilbao se concluyó en la escuela de fotografía CFC (punto de referencia para muchos amantes de la fotografía y “reino” del maestro Dávila) que se encuentra en el edificio Ensanche; en el hall de este edificio, se puede ver una exposición de fotografía histórica: “Bilbao y sus gentes, 100 años atrás”.
Se trata de lo que ahora se llamaría “street photography” pero hecha a finales del ‘800, comienzos del ‘900. La historia de cómo estas fotografías han llegado hasta nosotros es peculiar: hace mucho tiempo, un albañil, haciendo una obra de rehabilitación en un camarote, encontró una caja de negativos y una cámara, que regaló a su hermano (Benito Tejedor). En el 2012, Javier Valbuena, casado con una hija de Benito Tejedor, empezó un complejo proceso de recuperación de los negativos y nos ha permitido disfrutar visualmente de lo que era la Bilbao de los comienzos del siglo pasado; una Bilbao prospera, en pleno desarrollo económico debido a la explotación del hierro.
Para acabar mi recorrido visual, entré en la sala de exposición del Centro CFC que se asoma en el hall del palacio del Ensanche; allí se encontraba la exposición Arquitecturas vivas de Nicolás Combarro. Se trata de intervenciones hechas por el fotógrafo para transformar espacios de arquitecturas abandonadas, para que retomen vida.
Fotografías – Photosatriani©
GetxoPhoto, el arte toma la calle
21 Monday Sep 2015
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Basque Country, Charoensuk, Euskadi, Getxo, GetxoPhoto, Punta Begoña, Travels, Vionnet
Después de muchas semanas de silencio, esta semana vuelvo a la cita semanal de los lunes en mi blog porque quiero compartir esta historia y así continuaré haciéndolo sin un ritmo pre-establecido, cada vez que tenga una historia en mi opinión interesante que contar…
La cita anual de GetxoPhoto está ya de manera definitiva en la agenda de muchos fotógrafos y amantes de la fotografía que pueden conciliar un tour cultural con un tour pintxo-cervecero. En GetxoPhoto, ¡las imágenes están en la calle!
La edición 2015 está dedicada al Viaje – imágenes de Photosatriani
GetxoPhoto reserva una sección a la participación popular, seleccionado 35 imágenes de gente que ha querido proporcionar su interpretación al tema establecido, este año se trataba de “Viaje sin panorama”. Estas imágenes se exponen en algunos comercios en Algorta. La imagen que propuse con el título “Viaje Interior” ha sido seleccionada y está expuesta en la tienda de ropa MT en la c/Basagoiti 67. Aunque no sea el escenario ideal, siempre hay que estar felices cuando nuestras obras vean la luz!
Según mis criterios y gustos, las dos propuestas que más me han convencido han sido la de Corinne Vionnet y la de Anusorn Charoensuk; las dos están expuestas en las galerías de Punte Begoña, un lugar impresionante que desconocía y que merece la pena ir.
A diferencias de las demás exposiciones que pueden disfrutarse 24h al día, estas de Corinne Vionnet y Anusorn Charoensuk subyacen a unos horarios (martes-viernes 17-20; sábado-domingo 12-15 e 18-20).
Corinne Vionnet presenta un conjunto de imágenes oníricas de sitios turísticos alrededor del mundo; cada una está hecha sobreponiendo muchas imágenes del mismo lugar, que la gente comparte en Internet y hecha desde la misma perspectiva. Cada una de ella atrapa vista desde lejos, porque parecen cuadros impresionistas con colores delicados y de ensueño. Si uno se acerca, puede apreciar muchísimos particulares y el barullo de gente que típicamente existe alrededor de estos lugares. Además se aprecia la increíblemente escasa diferencia en el ángulo elegido para la toma de personas diferentes, de culturas diferentes y hechas en tiempos diferentes.
Anusorn Charoensuk presenta un conjunto de imágenes que refleja como el deseo del viajar es independiente de la capacidad adquisitiva de las personas y como, a falta de esta última, hay gente que se ingenia y viaja con el pensamiento y desde allí son capaces de hacerse postales de los lugares que han visitado. El autor de esta serie, no pudiendo viajar a los sitios deseados, ha pensado bien de pintarlos en la pared de su garaje, para luego sacarse la típica foto turística, solo o junto con su familia; por ejemplo: ¿París? entonces en la pared de su garaje se materializa la tour Eiffel y allí está el con su madre; ¿New York? entonces la estatua de la libertad llena la pared de su garaje y allí está junto con su familia. ¡una genialidad a la Martín Parr!
Hasta la próxima que va a ser muy pronto, porque quiero hablar de Emotionage y de Sineresi, una revista de arte Italiana…
Il Venerdí di Photosatriani N.13 – Broken Harmony
07 Friday Aug 2015
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Broken Harmony by Photosatriani
