No pude ver la retrospectiva de Bruce Davidson que la Fundación Mapfre ha organizado en colaboración con Magnum Photos cuando estaba en Madrid (hasta el 15 de Enero), pero he tenido suerte, porque ha sido ella que ha venido a encontrarme a Bilbao (Sala Rekalde hasta el 6 de Mayo) y la oportunidad la he aprovechado de inmediato, 4 días después de su inauguración.
En la portada de esta entrada he elegido una fotografía que Bruce Davidson (1933) hizo en los años noventa en el Central Park en New York (trabajo que derivó en un libro publicado por Aperture Foundation); esta fotografía es seguramente muy diferente de las fotografías por la cual este autor es mundialmente conocido. He elegido esta imagen porque para mí visualiza la perspectiva interior desde la cual Bruce Davidson nos muestra sus fotografías. Sus fotografías derivan de la empatía que el autor ha sido capaz de sentir con las personas que retrata; esta empatía a su vez nace de la comprensión de mundos diferentes, fruto de la inmersión en las realidades de estas personas; esta comprensión es finalmente posible, porque Bruce Davidson ha siempre vivido desde el interior lo que ha representado visualmente. Como el mismo ha dicho: “si busco una historia, la encuentro en la relación con el sujeto; no soy yo que cuento, sino que es la historia que se me revela”
Esta segunda fotografía que propongo (para mí de una potencia impresionante con esta doble jaula como metáfora del encarcelamiento de cualquier esperanza de cambio), pertenece a la serie East 100th Street, del 1968 con la cual Bruce Davidson alcanzó la fama como fotógrafo (fue expuesto en el MoMA). Fue un trabajo de dos años en los cuales el autor vivió con los habitantes de este “ghetto” de la parte este de Harlem. Un trabajo sensacional, contiene una cantidad increíble de grandísimas y bellísimas fotografías que parecen ser instantáneas de vida, hechas por los mismos habitantes del barrio. El fotógrafo usó una cámara antigua de gran formato para que el “acto de fotografiar” fuera respetuosamente formal y macroscópicamente evidente; este particular da, en mi opinión, todavía más valor al trabajo de Bruce Davidson porque era necesaria por su parte una compenetración, una empatía, una comprensión y un respeto total de los sujetos para que estos se sintieran tan “a gusto” durante la toma y no posar si no simplemente revelarse tal como eran.
Bruce Davidson revelaba personalmente sus fotografías en su cuarto oscuro, controlando integralmente el proceso y trabajando mucho en post-producción sobre las luces y las sombras para hacer resaltar lo que el consideraba importante resaltar. Este dominio de las técnicas de revelado la fue adquiriendo desde muy pequeño; con 10 años su madre le montó un cuarto oscuro en el baño en casa para que revelara las fotos que iba haciendo en las calles de su barrio.
La exposición es sin lugar a duda imprescindible, tanto por la cantidad y la calidad del material expuesto, cuanto sobre todo para apreciar y aprender cómo llegar a ofrecer a los espectadores una visión personal del mundo, entrando empáticamente en las dinámicas emocionales, sociales y humanas de quien está siendo fotografiado y desde allí mostrarnos las cosas. Una manera de comunicarse a doble hilo: humanamente entre él y los sujetos; emocionalmente con quien mira sus fotografías, trasmitiendo naturalidad, pero al mismo tiempo denunciando.
Una última consideración: para mi existe un paralelismo entre la fotografía de Bruce Davidson y la serie Café Lehmitz de Anders Petersen que ví el año pasado en PhotoEspaña; este paralelismo no es tanto visual, sino más bien de visión de la vida y de respeto de la vida de los demás, sobre todo de la vida de quien aparentemente es sin esperanza.
Aprovecho para señalar que en el ámbito de los Viernes CFC Bilbao, el 9 de Marzo a las 19.30, el comisario de la exposición Carlos Gollonet, ofrecerá un recorrido por la carrera de Bruce Davidson
La primera consideración que quiero hacer y que mirando el mapa salta a la vista claramente, es la importancia extremadamente marginal que se ha querido dar a la Participación Popular (PoP en el mapa), relegándola completamente fuera del circuito principal y en una zona de Getxo que no proporciona ningún motivo de atracción para la gente; es como si los organizadores hubieran querido decir a la gente que ha ofrecido con ilusión sus creaciones para la iniciativa: “¡piérdete!”. En mi opinión se debería dar mucha más importancia en GetxoPhoto a la participación popular, vista la naturaleza “callejera” del evento. Debería ser una oportunidad para que “puedan ver la luz” muchísimas más propuestas de anónimos artistas locales y no, en un contexto que quiere ser a la vez internacional y popular.
