Visionado de porfolios por Thomas Struth, la perspectiva de un oyente

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Bilbao, Guggenheim, Portfolio, Thomas Struth, Visionado

La selección final

En ocasión del cierre de la exposición “Thomas Struth”, el Museo Guggenheim de Bilbao ha organizado un visionado de porfolios fotográficos por parte del autor. Cinco autores, seleccionados por el equipo curatorial del Museo, han podido presentar sus trabajos para recibir una visión crítica por parte del artista. Mi propuesta no fue seleccionada, pero el equipo curatorial, me invitó a mí y a otros cuatro candidatos a participar como oyentes en el taller. 

En este artículo, comparto un resumen de lo que pude escuchar y aprender allí porque pienso que podría ser de gran utilidad a otras personas que se encontrarán en una situación similar. También para proporcionar alguna pincelada más sobre Thomas Struth, después de haber compartido con el cuatro horas muy intensas y ricas de enseñanzas.

Fases del Visionado

La primera cosa que pedía Thomas Struth a quien le iba a mostrar su propuesta visual, era disponer sus fotos encima de una gran mesa y de agruparlas según un criterio personal. Durante este tiempo, Thomas no hacía ninguna pregunta y tampoco quería que la persona dijera nada. Simplemente silencio, el ruido del papel deslizando encima de la mesa, las dudas de la persona, la mirada radiográfica de Thomas Struth.

Acabada esta tarea y después de una breve presentación del autor, Thomas empezaba a hacer preguntas, del tipo:

• ¿Qué has estudiado? ¿has hecho algún estudio artístico?
• ¿Cuál es tu profesión?
• A parte de la fotografía ¿cuáles son tus otros campos de interés?
• ¿Cuál es tu legado fotografico?
• ¿Tienes un plan para tu vida artística?
• ¿Cuál es “tu héroe” en la pintura y en la fotografía?

Después de haber obtenido, aclarado y procesado estos datos, pasaba a hacer preguntas sobre los trabajos propuestos, que nerviosamente estaban esperando encima de la mesa. Arrancaba esta segunda fase, con preguntas del tipo:

• Háblame de las imágenes que propones
• Dime las que tu prefieres o las que son para ti “las mejores”
• ¿Qué tipo de sentimiento quieres expresar con esta serie?
• ¿Has expuesto o publicado esta serie?
• ¿Crees que la gente que ha visto estas fotografías han percibido lo que tu querías transmitir?
• ¿Por qué has seleccionado estos trabajos para mostrármelos o porque de los dos trabajos que has traído, has querido mostrarme antes este?
• ¿Cuál es el objetivo de tus trabajos fotográficos? ¿Quieres exponerlos en un espacio? ¿Quieres hacer un libro? ¿Quieres proponerlos en un concurso?

En la tercera fase del visionado, Thomas Struth entraba en acción, proponiendo otras combinaciones de las imágenes, recortando alguna para quitar “espacio innecesario”, jugando al descarte, poniendo las imágenes al revés… mientras tanto hablaba y aquí tenéis algunos de estos pensamientos que se hacían palabras siempre expresadas en un tono más bien bajo, con calma, con extremo respeto hacia la persona que sometía los trabajos a su juicio; tanto respeto, que a veces parecía que no estaba seguro de lo que decía:

• Hay siempre que cuestionarse el porque hemos hecho una foto de una manera dada y de buscar siempre si hay otras maneras de hacer la misma foto. Hay que tener siempre una razón por la cual se quiere hacer una foto y luego ser consecuente con el modo en el cual hago aquella foto.
• Hay que ser exigentes con uno mismo durante la toma, para elegir la perspectiva y el encuadre más adecuado a lo que sentimos e intentar no poner demasiadas cosas dentro.
• Hay que ser directos, claros en el mensaje que se quiere transmitir y para eso es necesario encuadrar lo estrictamente necesario, sin dejar mucho “aire” alrededor de lo que es el sujeto de nuestra foto. Esto vale también a la hora de seleccionar las imágenes que mejor representan lo que queremos expresar. Hay que tener coraje y quedarse con 3, máximo 5 imágenes y estas imágenes tienen que encerrar todo y solo aquello que queremos expresar.
• No hay que buscar la estética, si no que la estética tiene que estar al servicio del mensaje
• Las imágenes siempre trabajan juntas, aunque en apariencia no haya una secuencia entre ellas. Las imágenes son como notas musicales: para crear una música, hay que ponerlas juntas de alguna manera. ¡En la creación, nada depende del caso!
• Se pueden crear diferentes músicas (historias), simplemente dependiendo de que fotos seleccionamos y como componemos la secuencia entre ellas.
• No me gusta mucho ver foto detrás de foto, para mi tiene sentido únicamente ver el dialogo que diferentes fotos tienen en el espacio en lo que las colocamos
• Hay que mantenerse fiel a lo que se sentía cuando se hizo la foto y crear una música de acuerdo con esto y nunca para ofrecer la melodía que gustaría escuchar a los que van a ver nuestras imágenes
• El tiempo asociado a la fotografía no es tanto aquel que se gasta en hacer la foto, si no aquel que nos lleva a querer hacer aquella foto
• Cristalizar una emoción a través de la comparación, esto es la esencia y la ventaja de la fotografía

Bilbao PHOTOexperience: una cita a la cual no se puede faltar

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Bilbao, Events, Workshop

Los días 20-21 y 22 de Mayo se deberían reservar en las agendas de cualquier amante o profesional de la fotografía. En Bilbao, en el hotel Sercotel Gran Bilbao, se celebrará la segunda edición de BilbaoPHOTOexperience. Yo participé en la primera edición y me pareció un evento muy interesante porque combinaba charlas de fotógrafos de altura, charlas comerciales, la posibilidad de tocar con mano algunos productos como: cámaras, herramientas para la iluminación, procesos de impresión. El todo en un entorno muy amigable y con una anfitriona como Vicky Duro que reboza simpatía y profesionalidad. Además el año pasado la suerte tuvo cariño conmigo y gané el sorteo que Fuji hizo entre los participantes…desde entonces tengo en mis manos una flamante XQ2 de bolsillo. En este mismo blog, publiqué una entrada sobre aquella experiencia.

Simplemente por estas razones, me voy a volver a inscribir a la edición de este año que además viene cargada de novedad y de “pesos pesados”. Primero entre todo, la presencia como ponente de Cristina García Rodero pero también de Gervasio Sánchez, de la fotografía nocturna de Mario Rubio, de la fotografía de arquitectura de César Azcárate, de la fotografía gastronómica de Francésc Guillamet. Habrá una masterclass sobre la iluminación por parte de Innovafoto, fotografía de Naturaleza y de viajes; se van a sortear: una cámara Fuji XT10, un trípode Benro IT15, la subscripción gratuita al APP Foto DNG.

El evento se estructura en dos espacios como el año pasado: la sala en la cual se darán las diferentes ponencias y el espacio dónde algunas de las principales marcas expondrán las novedades en cuanto a equipos, utilización de los mismos , así como zonas con stand para poder adquirir y/o probar los productos. A estos dos espacios, se añade este año un tercero que constituye la gran novedad de la segunda edición un taller de Fotoperiodismo impartido por Gervasio Sánchez (premio Nacional de fotografía).

La gran novedad de este año es el Seminario de Fotoperiodismo – la dignidad es lo que importa impartido por Gervasio Sánchez, son 15 horas para hablar de un tema muy controvertido y durante las cuales se intentarán dar respuestas a preguntas cuales: ¿Para qué sirve la fotografía de conflicto? ¿Es importante que los conflictos sean cubiertos por fotógrafos y periodistas? ¿Cómo ha evolucionado la prensa en los últimos 30 años? En este mismo seminario los alumnos tendrán la posibilidad de hacer un visionado compartido de sus propios trabajos. El precio de este seminario es de 100€.

Razones de sobra para no faltar a la segunda edición de BilbaoPHOTOexperience, ¿verdad?…y quien no pueda ir a Bilbao en Mayo, tiene una segunda posibilidad (algo diferente pero igualmente de interesante) en Medina PHOTOexperience el 24-25-26 de Junio

 

Bilbao Photoexperience: ver, aprender, compartir y probar

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Bilbao, Chema Madoz, Fuji, Ouka Leele

Cuando llegué a Bilbao, hace ya 20 años, me encontré un contexto muy pobre, fotográficamente hablando. No me refiero a las personas que se dedicaban a la fotografía, si no más bien a las oportunidades que un aficionado a la fotografía tenía en la ciudad, de aprender, compartir, confrontarse, innovar. Estaba todo basado en la iniciativa personal y encerrado en círculos a los cuales era complicadísimo acceder para quien no conocía las llaves apropiadas.

En aquel entonces, la Taberna de los Mundos decidió dedicar un espacio público a la fotografía, para dar la posibilidad a los fotógrafos locales de poder mostrar sus trabajos; me acuerdo todavía la espera de los encuentros con los cuales se inauguraba la exposición mensual. Tuve la oportunidad de exponer dos veces allí, en el 1996 con el trabajo “Presencias” y en el 2001 con “Islas Nómadas”. Allí conocí a Juan Armentia, actual organizador de Bilbo Argazki, una cita fotográfica otoñal que este año cumple 10 años de vida y a la cual merece la pena participar activamente.

Hace dos años ocurrió una verdadera revolución en Bilbao (fotográficamente hablando); la abertura de la escuela CFC Bilbao, gracias a la iniciativa de Ricky D’Avila, Ernesto Valverde y el apoyo del Ayuntamiento de Bilbao. La escuela ofrece cursos, talleres y, a partir de este año, masters; gestiona una sala de exposición; organiza “Los Viernes del CFC”, unos encuentros siempre muy concurridos con importantes autores. Alrededor de esta escuela se ha además consolidado un grupo de gente muy creativa, inquieta e innovadora.

En este entorno muy dinámico, Vicky Duro Picaza y Jerez Imagen han regalado a Bilbao otra bellísima e interesantísima iniciativa que hubo lugar los días 5-6-7 de Junio: Bilbao PhotoExperience. En tres intensos y riquísimos días, los organizadores han sabido traer “gurús” como Chema Madoz u Ouka Leele y un abanico de otros ponentes que han cubierto muchísimas dimensiones de la fotografía actual: fotografía social, microstock, blanco y negro, fotografía gastronómica, documental, de viaje, de naturaleza, arte creativo, post-producción, marketing para fotógrafos.

Un aspecto muy interesante del certamen ha sido que, además de las charlas fotográficas, había unos stands comerciales en los cuales se podían tocar y probar diferentes productos del ámbito fotográfico, entre los cuales me gustaría destacar:

• Estudios Durero que presentaba un innovador proceso de impresión por sublimación, llamado ChromaluxeArt que permite obtener unas estampas sobre placas de aluminio, con unos volúmenes increíbles, que dan a las imágenes un aspecto tridimensional
• Fuji: con su serie de cámaras que son pequeñas joyas de gran calidad: XT-1, XT-10; tuve además la gran suerte de ganar el premio de la extracción que Fuji organizó en el certamen: me tocó una coqueta y completísima cámara Fujifilm XQ2 que llevaré siempre en el bolsillo.

• Sony, con su cámaras full frame que ofrecen una calidad de imagen excepcional
• Lytro: presentó una cámara cuyo sensor es tecnológicamente revolucionario porque permite hacer fotos sin diafragma: la imagen que se obtiene, contiene embebidos todos los diafragmas posibles; en fase de post-producción, usando el software Lytro, se podrá fijar lo que mejor convenga al fotografo. Es además posible via software, transformar fácilmente una imagen a 3D (imagen estereoscópica). Difícil de entender si no se ve y cuando se ve, uno piensa que es pura magia.

Alguna pincelada sobre las charlas que más me han impactado.

Chema Madoz, una persona excepcional; humilde, empático, delicado, generoso, muy organizado; nos ha presentado su trayectoria como artista desde sus comienzos hasta hoy; un trabajo enfocado a, como el mismo ha dicho, “quebrar la realidad en su propio terreno” ¡no me cansaría nunca de escucharlo y ver sus fotos que son como un columpio entre ironía, poesía, pensamiento, introspección, psicología!

Ouka Leele, tímida y decidida al mismo tiempo; un espíritu libre y una persona que no tiene miedo a nada si está guiada por su arte. También ella nos ha hablado de su trayectoria artística, mostrándonos una gran variedad de imágenes que como ella ha dicho, “no puedo categorizarlas en un estilo porque el estilo es una cárcel”

Marina Gondra, una joven con una enorme capacidad imaginativa que sabe estar en perfecto equilibrio entre “panza y poesía”; una fotógrafa de los nuevos tiempos que entra dentro la corriente que se define como “fotografía conceptual”; personalmente odio esta definición porque ¡toda expresión artística es conceptual!

Israel Luri, un verdadero gurú de la post-producción digital…sabe simplemente TODO lo que hay que saber sobre el flujo de trabajo digital; podría perfectamente codearse con los gurús de Adobe. Además su capacidad de exponer es excepcional, realmente un Maestro.

 

Marina Cano, una fotógrafa de la Naturaleza que tiene el Cabarceno como fuente principal de inspiración y entrenamiento; sus fotografías delatan un grandísimo respeto por los animales y una ternura profunda: ella misma nos ha dicho que cuando está “de caza”, habla constantemente con los animales y hasta les pide posas específicas y parece que ellos le obedecen…

Arturo Rodríguez, un fotorreportero de verdad con un olfato excepcional por el momento clave, que se alimenta con un trabajo de estudio previo del contexto social, cultural, histórico del lugar y de las historias humanas que allí ocurren y/o del conocimiento psicológico de las personas públicas que le piden fotografiar.

En la imagen de abajo me tenéis, arropado por los organizadores del evento que espero tenga larga vida y se transforme en una cita imperdible para todos los amantes de la fotografía de Bilbao y alrededores.

Ahora, lo único que falta en el “universo fotográfico” bilbaíno es la integración de las diferentes iniciativas, evitando (a ser posible) de caer en el infantil síndrome de “yo soy lo mejor, el resto me copian o no están a la altura”. Echo de menos este espíritu integrador, colaborativo, cómplice…sería lo mejor para Bilbao y para todos las partes involucradas: “Bilbao capital permanente de la fotografía”…a un verdadero Bilbaíno debería gustarle esta posibilidad…¡¿no?! Pero sin espíritu colaborativo, esto NUNCA se alcanzará!

La próxima semana, el post estará dedicado a la primera parte del recorrido que he hecho por las exposiciones de PHE15…

La belleza invisible: taller con Pilar Pequeño

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Nature, PhotoEspaña, Pilar Pequeño, Still Life

Después de casi un año, he vuelto en el mismo escenario en el cual participé el año pasado en Descubrimientos de PHE14, pero esta vez para estar en el taller “El fotógrafo en el estudio” organizado por PIC.A, la Escuela Internacional Alcobendas PhotoEspaña con Pilar Pequeño.

El año pasado conocí por casualidad la fotografía de Pilar Pequeño cuando, dentro de las visitas en las diferentes exposiciones organizadas por PhotoEspaña, visité la Galería Marita Segovia. Mirando las fotos de Pilar que compartían el espacio con las magníficas esculturas de Rafael Muyor y los muebles y los objetos que llenan aquella galería, conseguí entrar en una dimensión de silencio, de no-tiempo, de placidez, de bienestar, de valoración de la belleza de las cosas pequeñas o que pasan inobservadas. Una fotografía la de Pilar Pequeño que nos llena de armonía, de fragilidad, de efímero. Me acuerdo que me quedé paralizado delante de esta foto de dos membrillos sumergidos en el agua.

Muchos sabemos que la vida a veces rema en la misma dirección de nuestros deseos y cuando esto pasa, siempre ocurren cosas maravillosas o por lo menos que marcan un antes o un después. Esto me pasó cuando me llegó el e-mail de PhotoEspaña informándome que Pilar Pequeño iba a hacer un taller en PIC.A los días 17 y 18 de Abril. Estas fechas justo coincidían con una estancia de trabajo en Madrid y era como una llamada de Pilar Pequeño directa a mí a la cual no podía faltar contestar afirmativamente; así que, organizadas las cosas familiares y laborales de manera apropiada, pude estar en el grupo de gente que Pilar Pequeño ha acompañado pasito a pasito en el descubrimiento de su mundo en el cual la Naturaleza, la introspección, la luz y la fotografía se juntan mágicamente.

Pilar es antes de todo una persona encantadora, empática, sensible, humilde (en el 2010 fue galardonada por el Ministerio de Cultura con la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes), enamorada de la Naturaleza y de los paseos, con una mirada delicada pero capaz de ver la belleza donde muchos no ven más allá de unas flores sin mucho significado, unas hierbas o unas hojas caídas. Es una persona que transmite placidez, serenidad y paciencia; trabaja con la luz natural, domándola, guiándola, corrigiéndola, con medios muy sencillos pero altamente eficaces; habla de reflejos, de composición, de gusto, de actitud, de histogramas, de altas luces, de ISOs, de belleza, de emoción, con sencillez, maestría y mucha, mucha pasión. Para hacer un paralelismo quizás atrevido pero para mí muy pertinente, me acuerda aquellas chicas que son tan hermosas por naturaleza que hasta cuando se arreglan mal, parecen todavía más bellas.

La fotografía que he aprendido a hacer en el taller es “muy mía” en el sentido que he encontrado mucha semejanza con mi fotografía sobre el silencio; se trata de una “slow-photography” en la cual la capacidad de ver y de encontrar la belleza en las cosas pequeñas, viene exaltada por un uso muy personal e intimista de la luz natural y se tiene que apoyar en la paciencia, en el cuidado de los detalles y en el inventar estratagemas para que el pose de los objetos sea justo lo que uno quiere…no lo vais a creer pero os prometo que una naranja por ejemplo que parece inanimada, cuando se hace modelo, de repente se anima, se da la vuelta, ofrece a tu mirada lo que tú no quieres ver, se resiste a mostrar lo que tú has visto en ella, etc… y la luz…¡ah la luz! efímera por naturaleza, es fuerte cuando la quieres tenue y se esconde cuando la quieres que deslumbre… y el histograma que se quema a la derecha y luego a la izquierda: +3 no! +1, que va: +2…no es suficiente, aumenta el ISO, no! Demasiado -2 si ahora si…¡vaya! Justo ahora la luz se ha ido…vuelta e empezar! Paciencia, paciencia, paciencia….la belleza es invisible a los ojos de quien tiene prisa o de aquellos que están atraídos por la vulgaridad, lo extremo o lo chocante.

He disfrutado, aprendido y conocido una gran persona…creo que más allá de esto hay muy poca cosa que un taller fotográfico pueda añadir…

 Como las coincidencias en la vida nunca llegan solitas, la semana que viene el post será dedicado a una exposición que he visitado en Lisboa: “Florestas Submersas”…

Los Antihéroes de Susana Blasco

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Bilbao, Portraits, Zaragoza

Esta semana, para poder hablar de los Antihéroes de Susana Blasco, os cuento una historia que tiene como protagonista la casualidad. En uno de mis viajes de trabajo, me encontraba en Zaragoza; allí hay un lugar que es una referencia para mí cada vez que estoy en esta ciudad, se trata del Centro de Historias. En una de las salas de este centro, me encontré la exposición Antihéroes de Susana Blasco que me cautivó por la creatividad de su autora en jugar con viejos retratos, poniendo objetos en sus caras y ofreciéndoles así una nueva perspectiva visual y por lo tanto una nueva vida; algo como encerrar en un único instante, el presente (la imagen “estropeada”) con el pasado (el viejo retrato) y con el futuro (el pensamiento generado en el visitador que mira estas imágenes). En un rincón de la sala, había además una mesa acristalada con todos los diminutos objetos que Susana había usado para construir sus Antihéroes. De vuelta al hotel, en una de las pequeñas callejuelas del Coso Zaragozano, me encontré (sin saberlo) con el estudio recién estrenado de mi amigo Ferrán Mallol (actual instructor en Spectrum Sotos); entré y después de los normales abrazos que siguen a un encuentro casual, Ferrán me presentó su “compañera de estudio”, María Blasco (comercialmente nota como Pétula Plás) que se dedica sobre todo al restauro creativo de muebles. Hablé de los Antihéroes y la primera sorpresa fue que la restauradora era la hermana de Susana Blasco y la segunda fue saber que Susana vive en Bilbao desde hace un año. Hace un par de semanas nos encontramos en lo que ya va tomando la forma de un lugar de encuentro para espíritus artísticos: el restaurante Kokken en la plaza del gas en Bilbao.

Susana es de Zaragoza pero ha vivido en Londres, Berlín y ahora en Bilbao; se define una diseñadora gráfica y una ilustradora; para ella lo de la fotografía es un modo divertido para experimentar. Le gusta jugar, experimentar, crear, disfrutando y sin muchas vueltas conceptuales. Le gusta coleccionar objetos que recoge en todo el mundo y guarda en cajas, con una sistematicidad casi maniática. Para Susana un objeto no es solo un objeto, sino que es también la historia, reconstruida o imaginada, que existe detrás del objeto y que le ha permitido llegar hasta ella. El nacimiento de sus Antihéroes con los cuales a “conquistado el mundo” ha sido completamente casual. Susana estaba meditando sobre cómo aprovechar las miles de fotos que va recolectando en los mercadillos de todo el mundo mientras comía una nuez; la cascara cayó sin querer en la cara de uno de los retratos que tenía delante…y la chispa encendió en su cabeza una posibilidad que luego supo concretar en una idea y en un proyecto en Instagram que está teniendo una enorme repercusión. Cada uno de los Antihéroes es una pieza única y es el resultado de este encuentro mágico entre un pequeño objeto y un antiguo retrato que tiene lugar gracias al saber ver y a la capacidad de jugar de Susana Blasco; una vez que haya obtenido lo que tenía en la cabeza, “congela” su creación, haciéndole una fotografía con su iPhone, para luego devolver al objeto y a la imagen antigua a sus respectivos e independientes destinos. Sus Antihéroes se pueden comprar; Susana mima cada uno de sus clientes haciéndolos sentir únicos y os entregará un paquete de Antihéroes muy coqueto y elegante

Susana Blasco no se tiene que asociar exclusivamente a los Antihéroes porque su especialidad es el diseño gráfico y la ilustración; Es una virtuosa de los collage geométricos hechos con tijera, cola, precisión (pensad que cada pieza del mosaico es de 3mmx3mm) y diversión. Hay un curso on-line en el cual Susana imparte un taller sobre collage. Susana reconstruye también lápices y otros objetos, re-interpretándolos y enseñándonos que la verdad no existe o que hay muchas verdades porque depende de la perspectiva con la cual vemos las cosas.

Aunque ella no quiere definirse así, yo creo que ¡Susana Blasco es realmente una artista!

La semana que viene el post será dedicado a un evento fotográfico en Vitoria…

La importancia del visionado de portfolios: mi experiencia en Descubrimientos PHE14 1a Parte

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Descubrimientos, Giuseppe Satriani, Madrid, PhotoEspaña

La mayoría de los lectores de este blog es gente que no puede vivir una vida en la cual no haya espacio para el arte y la creatividad; para algunos esta necesidad es además la manera con la cual intentan ganarse la vida. Crear es un proceso totalmente personal e íntimo, un proceso en el cual nosotros mismos nos metemos en juegos y expresamos algo que sentimos. Debería ser un proceso auto-sostenible…hasta un punto…porque en nosotros alberga siempre la justa necesidad de saber si los demás aprecian lo que hacemos. Esta necesidad es vital para aquellos cuya vida depende del éxito comercial de su oficio de “artista-profesional” pero es de igual manera importante para los demás que no vivimos de la fotografía.

En este sentido, el visionado de portfolios es una oportunidad que nos ayuda a confrontarnos con otros (normalmente “expertos” del sector) y consecuentemente a “calibrar” nuestro ego y nuestras direcciones artísticas en manera algo más objetiva. Con esto no quiero decir que el resultado de un visionado nos tiene que condicionar tanto como para re-considerar el nuestro ser creativo pero si, invitarnos a analizar lo que hacemos, como lo hacemos y a quien le puede interesar. La primera razón que sustenta mi anterior afirmación es que, para estar en un visionado, hay que ser seleccionado y normalmente la competencia y la calidad de los trabajos es muy fuerte y cualificada. Por lo tanto, el hecho de haber sido seleccionado es ya de por sí una evidencia que nuestra propuesta es atractiva y bien planteada. Pero esto no es suficiente. Un visionado hay que prepararlo en todos los detalles para que se maximice la utilidad de los pocos minutos de contacto con cada visionador.

En esta pequeña serie de posts sobre el visionado, os contaré como me he preparado, que resultados he obtenido y que conclusiones he sacado de mi experiencia en Descubrimientos de PHE14, esperando que pueda ser de utilidad para mis lectores.

PREPARACIÓN (parte 1ª)

1. Decidir el (los) trabajos que se quieren presentar, preparando un marco conceptual uniforme o diferentes conceptos (para mostrar las diferentes “almas” que albergan en nosotros como artistas). Es un momento clave porque hay que ser muy críticos consigo mismo y pensar siempre en las limitaciones de tiempo de las entrevistas. Para Descubrimientos decidí una estrategia a tres bandas:

• Fotografía del Silencio (Ikebana, el trabajo que me permitió estar entre los seleccionados, junto con otros 2-3 trabajos, para corroborar la existencia de una línea de trabajo homogénea); se trata de una fotografía intimista y de búsqueda, enfocada en los paisajes y en los espacios
• Urban Liquidity, algo totalmente diferente del anterior: visceral, enfocada en la gente, en las ciudades y a las huellas de lo que será la ciudad el futuro
• Emotionage: para poder obtener una opinión cualificada sobre la sensatez de este proyecto colectivo que he lanzado en Facebook y sobre el tipo de resultados que espero poder conseguir
• Es bueno además tener otras fotos que consideramos caracterizan nuestra exploración fotográfica, por si a caso el discurso con el visionador nos lleve a territorios de antemano no previstos y que podrían dar la oportunidad de mostrárselos

En la segunda parte de este post, continuaré hablando de las actividades necesarias a la preparación de un visionado de portfolio; esta segunda parte se publicará el lunes 7 de Julio, visto que el post de la semana que viene estará dedicado a los ganadores del mes de Junio del concurso Photo of the Month…

Encontrar tu público: cuando pasión rima con panza…

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Madrid, Mary Virginia Swanson, PHE

Las pasiones o las aficiones, si además de ser fuentes de experiencias y de acrecimiento personal, fueran también estructuradas y canalizadas, puede ser que, además de alimentar nuestra alma y nuestro ego, podrían ser útiles también para alimentar la panza! Para los libres profesionistas y sobre todo para aquellos que actúan en el entorno artístico, el primer paso en este sentido, es lo de buscar (¡y encontrar!) aquellas personas interesadas a comprar nuestras creaciones. El taller organizado por PIC.A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña y magistralmente llevado a cabo por Mary Virginia Swanson, al cual pude asistir a finales de Noviembre del año pasado, ha sido seguramente una herramienta muy valiosa y útil para los participantes para aumentar las probabilidades de éxito en esta tarea muy complicada.

Mary Virginia Swanson (MVS) es autora, educadora y consultora que ayuda a artistas a encontrar las fortalezas en su obra, a identificar su público objetivo y a presentar su obra de una manera profesional y con criterio. En el taller al cual he participado, MVS nos ha proporcionado elementos muy pragmáticos y directamente aplicables a nuestro día a día  para entender algo más sobre el mercado del coleccionismo relacionado con las galerías y museos, pero también con las ventas on-line a través de contratos de “licensing”. Nos ha transmitido la importancia de invertir y de cómo hacerlo en visionados de portfolio y otros eventos que nos dan la posibilidad de presentar nuestro trabajo al “juicio de expertos”. Nos ha hablado del diseño y del contenido de nuestras web para alcanzar nuestro público, así como de la importancia de los soportes comerciales para crear o potenciar nuestra “imagen” como artistas. El último día del taller, cada participante ha tenido la oportunidad de presentar su trabajo y recibir útiles indicaciones sobre dudas y enfoques. Aconsejo fuertemente visitar su web y suscribirse a su blog porque es una fuente inagotable de oportunidades seleccionadas para presentar nuestras fotografías y darles alguna posibilidad más de ver la luz y conocer si estamos en el buen camino para encontrar nuestro público.

Personalmente, además de las cualidades personales de Mary Virginia, he valorado mucho su experiencia en el campo, su increíble red de contactos y las sugerencias pragmáticas para evitar errores que nos hacen perder mucho tiempo antes de entender que los hemos cometido. A continuación, comparto algunos de los apuntes que tomé durante el curso, en la esperanza que puedan ser útiles también a vosotros:

• Mantener una traza documentada relacionada a cada foto sobre donde se ha expuesto o publicada; a quien se ha enviado, pero también sobre la historia que nos llevó a hacerla. Esto aumenta el valor de nuestras fotos sobre todo si queremos enfocar el mercado del coleccionismo
• No deseche la posibilidad de enviar nuestras fotos a un banco de imagen o a cualquier otra iniciativa basada en el licensing, siempre y cuando no enviemos aquellas imágenes con las cuales queremos jugar en la “Primier League” y siempre después de haber leído bien los términos y las condiciones del contrato de licensing
• La importancia de los keyword asociados a nuestras fotos que deberían siempre cubrir el aspecto objetivo (la imagen de que trata) y el aspecto emocional (la imagen que trasmite)
• Un sitio alternativo a Blurb  y más barato para hacer nuestros libros auto-editados y también nuestro material de marketing es MagCloud
• Es importante conocer y aprender el lenguaje de galeristas, curadores, coleccionistas y para hacerlo es muy útil estudiar sitios en los cuales se vende arte; algún sitio al respeto: unseenamsterdam o curatenyc o hasta el mismo Amazon que ha abierto una sección para vender arte.
• En el web-site son muy valoradas las imágenes que muestran nuestra fotos colgadas en alguna exposición, los libros que se han publicado, otros objetos sobre los cuales se han impreso nuestras fotos, hasta el proceso de impresión y la impresora con la cual hemos hechos nuestra copias en papel y el “making-of” de nuestros trabajo.
• La importancia de invertir en material promocional impreso como medio para darse a conocer y de no abusar de los medios virtuales (e-mails, blogs, sitios web, grupos, etc.) para promocionar nuestros trabajos
• Mantener una consistencia entre el sito web, el blog, el material promocional, nuestras tarjetas de presentación
• …y mucho, muchísimo más pero no caben todos…os dejo algún website para tenerlo como referencia o para sacar inspiración: photoeye, susankaegrant, katmoser, jeffbridges, lenscratch.

Os recuerdo que podéis adquirir el libro ¡amARTE baby! con algunos de los primeros cien posts publicados en este blog.

La semana que viene, el post será dedicado a una joven y para mi talentosa artista Polaca que he conocido últimamente…

Autoedición. Del fotolibro al diaporama

He vuelto a un taller de fin de semana organizado por la escuela CFC Bilbao; segunda experiencia con CFC, segundo universo creativo descubierto y explorado! Esta vez gracias a Nacho Gabrielli y su taller sobre la autoedición. Siempre he pensado que el arte visual necesita ser mostrada porque, si se queda en un cajón o en el PC, entonces no es arte, simplemente porque nadie la puede mirar. Nacho y CFC han mostrado a los 15 asistentes como aprovechar la tecnología, la artesanía y la web para dar salida a nuestros trabajos fotográficos de manera independiente y sin la necesidad de esperar a que una galería nos apadrine o un editor nos publique. Como decía Nacho, el camino hacia la libertad, implica realizar proyectos que tengan como resultado algo físico, que se pueda tocar, oler y no solo mirar. La primera parte del taller ha sido dedicada a explorar las herramientas a nuestra disposición para conseguir nuestro objetivo; en esta parte he aprendido por ejemplo los diferentes tipos de papeles, las herramientas a disposición para la maquetación o para la construcción de diaporamas; sitios web donde auto-editar libros y periódicos; sitios donde encuadernarlos, imprimirlos en alta calidad, presentarlos y venderlos. Un mundo fascinante que “democratiza” el acceso a los recursos y permite que nuestra creatividad no se pare por el hecho que no se encuentra a nadie al cual le gusta lo que hacemos, evitándonos además en caer en peligrosos baches en los cuales solemos pensar:…”total al final nadie va a querer exponer o publicar el trabajo que hago, ¿entonces porque hacerlo?”.

En la segunda parte del taller, cada uno de los participantes ha podido exponer su potencial proyecto para hacer un libro y, después de los oportunos “ajustes” y consejos de Nacho, cada uno ha empezado a recortar, encolar, pegar, emparejar, de-construir, reconstruir, encuadernar, pintar, escribir las páginas de nuestro libro, de manera totalmente manual….en mi caso el resultado de todo eso ha sido lo que se ve a continuación.

En la última parte del taller, cada uno se ha auto-construido un diaporama, juntando imágenes y sonido y jugando con velocidad, duración, combinación, transición, etc… el resultado de esta segunda parte en mi caso es el video que váis a poder ver, una vez que YouTube lo haya publicado.

Muchas gracias a Nacho, a los compañeros con los cuales siempre se intercambian ideas y experiencias enriquecedoras y una vez más a la escuela CFC Bilbao y a su anfitrión Ricky Dávila.

La semana que viene el post será dedicado a una amiga y artista autodidacta que ha conseguido por fin exponer en Bilbao…

 

¿El flash en mi flujo de trabajo? ¡Gracias Vicente Paredes y CFC Bilbao!

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Bilbao, CFC Bilbao, Flash

¿A que sirven los cursos si no para romper barreras y animar en atrevernos a cosas que antes nos daban miedo o respeto? Para una realidad provincial como Bilbao es una grandísima noticia la constitución de una verdadera escuela de fotografía al estilo de ciudades como Madrid o Barcelona. El abismo a-cultural de carácter fotográfico ha sido finalmente colmado por la escuela CFC Bilbao y su incansable animador Ricky D’Ávila, acompañado por su encantadora mujer Marta Olano.

En el edificio del Ensanche se han empezado (esto es ya el segundo trimestre) a impartir cursos, talleres, conferencias de alto nivel y además a imprimir una revista (tanto en papel como digital).

El todo ha sido una revolución para Bilbao y el nivel de aceptación de la iniciativa es diría excepcional gracias sobre todo a la red de conocimientos de Ricky y a la elevada calidad de “los productos” ofertados. Justo antes de semana santa, he podido a asistir a un taller de fin de semana tenido por Vicente Paredes sobre las múltiples maneras de usar el flash como herramienta creativa.

Vicente con su hacer sosegado y concreto, con un discurso en el cual cada palabra tenía valor didáctico y abría horizontes creativos nuevos (por lo menos para mi) ha conseguido que al final de los dos días, muchos alumnos nos hemos quitado “el miedo al flash” y ha generado la gana de introducirlo como herramienta muy potente para cambiar radicalmente el mensaje que se quiere dar a nuestras fotografías.

Para quien está en la zona de Bilbao creo que CFC debería ser un punto de referencia fundamental e imprescindible para el desarrollo de las competencias y un punto de encuentro de gente que ama la fotografía. El siguiente taller al cual voy a participar es “Autoedición. Del fotolibro al diaporama.” tenido por Nacho Gabrielli el 1 y 2 de Junio.

Aprovecho para señalar un acontecimiento importante para mi al cual os invito a participar: el día 26 de Abril se inaugura DeARTE 2013 en la cual expongo una propuesta de 4 fotos cuyo título es “Biografía de árboles solitarios”

La semana que viene el post será dedicado a un trabajo fotográfico personal que he desarrollado a partir de un circo de pueblo que visita Barrika cada verano…

HUB Bari y Startup Weekend: el poder del provenir

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Bari, Italy

En estos tiempos oscuros, en los cuales la sociedad se está enfeando y parece que la única palabra que tiene sentido es “crisis” (por lo menos en la “información oficial” que se nos proporciona), he decidido abrir este blog a la esperanza, al positivismo y al porvenir, no solo en forma de arte y de imágenes, si no también de cualquier manifestación que tengo la suerte de vivir personalmente o de las cuales se me informa.

A finales de Septiembre tuve la oportunidad de participar como “coach” en uno Startup Weekend organizado por el HUB di Bari, invitado por dos de sus organizadores (Francesco Antonacci e Monica Del Vecchio) que conocí gracias a una de estas carambolas del destino que a veces se tiene la suerte de poder aprovechar. Uno Startup weekend es una red global que organiza eventos en todo el mundo en los cuales en 54 horas, cualquier persona que tenga una idea, puede compartirla, encontrar otras personas con competencias complementarias que pueden ayudarle a definirla y llevarla a cabo y hasta lanzar una startup. Un HUB es un sitio de co-working que incentiva la colaboración y el aprendizaje entre personas, además de proporcionar el espacio y la infraestructura necesaria para cualquier persona que necesita una oficina. Estos sitios están distribuidos en todo el mundo y colegados en una red global.

Los HUBs y los Startup Weekends me han desvelado un mundo paralelo lleno de iniciativa, de voluntad de sacarse la vida por uno mismo, de optimismo, de posibilidad, de colaboración, de no miedo al riesgo, de saber que los desafíos del presente necesitan soluciones diferentes, de optimismo, de conocimiento de las propias capacidades y de un deseo infinito de hacer. Delante de tal espectáculo tan prometedor de un porvenir mejor, no tenía ni siquiera mi cámara; lo único que tenía para transformar todo esto en imágenes era mi BlackBerry. Una vez en casa, he intentado mejorar la calidad visual del resultado en post-producción, aprovechando (en lugar de intentar esconderlas) las limitaciones intrínsecas de la calidad de las imágenes hechas con una BB. He pensado entonces de darles un aspecto de fotos hechas con una cámara antigua…de esta manera, lo que se muestra, parece un sueño no solo posible, si no que ya está haciéndose realidad!