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Matera – Basilicata (Capital Europea Cultura 2019)
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Il Venerdí di Photosatriani N. 187
07 Friday Dec 2018
Category Archives: Urban
Il Venerdí di Photosatriani N. 186
30 Friday Nov 2018
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Matera – Basilicata (Capital Europea Cultura 2019)
Matera será Capital Europea de la Cultura en 2019. Matera es la ciudad donde nació mi madre y donde pasé gran parte de los veranos de mi infancia. Matera para mi: sabe a nata que mi abuela nos dejaba cada mañana encima de la mesa de la cocina; huele a armarios de su casa, repletos de pequeños tesoros; son las horas de siesta para contrarrestar el calor de las tardes de verano; son los juegos inventados con mis hermanos y primas; es el asomarse a las ventanas detrás de las mamparas, para ver las personas pasear sin que ellas nos pudieran ver; es el cotilleo de las mujeres (para mi, todas extrañas y a veces surrealistas) que iban a visitar a mi abuela. Matera son “i Sassi” en todo su esplendor cuando todavía nadie les conocía, cuando uno podía esconderse en las casas abandonadas y cuando los mismos “materani” los consideraban una vergüenza que era conveniente esconder.
Il Venerdí di Photosatriani N. 185
23 Friday Nov 2018
Posted in Il Venerdí di Photosatriani, Landscapes, Travel & Reportage, Urban
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Besalú – Cataluña
Il Venerdí di Photosatriani N. 182
02 Friday Nov 2018
Posted in Il Venerdí di Photosatriani, Landscapes, Urban
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Ria de Bilbao desde Astrabudua
Il Venerdí di Photosatriani N. 181
26 Friday Oct 2018
Posted in Il Venerdí di Photosatriani, Landscapes, Urban
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Ria de Bilbao-1
4km de Fotografía en Madrid
22 Monday Oct 2018
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Se habla muchas veces de la “milla de oro” pero ¿Qué os parecería si en lugar de una, fueran dos y media las millas de fotografía que se pueden disfrutar este Octubre en Madrid? Es una oportunidad única para ver grandes maestros de la fotografía entre los cuales 12 premios nacionales de fotografía en tan pocos kilómetros. Se trata de cinco exposiciones en cinco espacios expositivos de grande atractivo, que reconciliarían hasta la persona más insensible, con la belleza y el acto creativo. De estas cinco exposiciones, dos (Terré en el Canal Isabel II y Chema Madoz en la galería Elvira González) cierran a principio de Noviembre, las otras tres, se podrán visitar hasta el principio del año nuevo.
No vivo en Madrid, pero allí voy a menudo por trabajo; esta vez he pensado en un plan de visitas que combina la trascendencia del arte (entendida como la capacidad que tiene el arte de hacernos pasar de un ámbito a otro, atravesando el límite que los separa), con la concreción de la comida. ¡De esta manera he querido enriquecer el placer visual con un placer algo más…visceral!
Ricardo Terré (Canal Isabel II) – la fotografía que se encuentra en el siempre impactante escenario de la torre del agua del Canal Isabel II es una fotografía directa, sensible, de gestos, de saber mirar, de saber encontrar en la normalidad la chispa de la belleza que atrapa porque nos permite identificarnos en lo que vemos. Es lo que hoy en día se identifica como fotografía documental intimista, en la cual “la lucha diaria” no se ve, pero es latente en los instantes inmortalizados, en los cuales siempre hay un detalle (el famoso “punctum” de Barthes) que nos permite conectar con el momento retratado. A esta exposición asocié el restaurante “El ingrediente” que ofrece una comida delicada, pero con carácter que se puede degustar también en forma de medias raciones. Una comida que mucho definirían de fusión pero que en mi opinión es mejor no encasillar porque lo que se encuentra allí son platos que exaltan las mezclas de sabores y que el solo paladar puede definir; platos en apariencia de “toda la vida”, que encierran siempre algún ingrediente inesperado que les da el toque de unicidad.
Chema Madoz (Galería Elvira González) – Una puesta en escena diáfana en un espacio diáfano es, en mi opinión, el gran acierto de esta exposición porque así se exaltan las fotografías del artista que necesitan de espacio mental para ser interpretadas por cada visitante, más allá del primer impacto que suele pintar una sonrisa entre ironía, sorpresa y fascinación para la genialidad juguetona del autor. El mundo de Chema Madoz es el mundo del improbable que no llega ser imposible, usando objetos tan comunes que nadie pensaría que pudieran tener otra vida en un mundo paralelo. En este sentido, considero que exista un paralelismo conceptual entre Chema Madoz y Escher. A esta exposición asocié el restaurante “Mama Campo” que ofrece una comida ecológica en la espléndida plaza Olavide, con mesas tanto en el interior, como en el exterior. “Higos, sardina ahumada y crema de idiázabal”, el “poke de atún y ají amarillo”, o los “mezzi paccheri con ragout de rabo de ternera” son un ejemplo de una combinación de platos inolvidables.
Humberto Rivas (Fundación Mapfre-Sala Barbara de Barganza) – desconocía por completo este autor, pero su obra me ha impactado tan fuertemente que me ha generado la necesidad de profundizar en su legado. Sus paisajes urbanos sin personas retratan esquinas de calles o edificios abandonados aparentemente sin interés, que su mirada transforma en lugares llenos de misteriosa belleza y desconcertante seducción. A mí me han especialmente fascinado los paisajes a colores que el retrataba usando tiempos largos de exposición e imprimiendo las fotos en Cibachrome (papel fotográfico ad elevado contraste), obteniendo al contrario, unos sorprendentes colores muy tenues y poco contrastados, tanto que la impresión que se tiene es como si alguien hubiera pintado las calles para luego dejar desteñir el color con el paso del tiempo. En las antípodas de lo que acabo de describir están sus retratos completamente aislados del contexto vital de los modelos, para los cuales usaba una luz muy dura y directa. Para mí son sublimes los retratos a los muñecos abandonados y encontrados en algún rincón callejero. A esta exposición asocié el restaurante indio “Tandoori Station” en el cual se pueden degustar unos curries realmente especiales y unos tandoori muy logrados, siempre acompañados por una gran variedad de diferentes panes y/o arroces. Una mención a parte merecen dos complementos: el Raita (yogur con tomate, pepino y cebolla) y sobre todo el Achar (salsa de mango verde, guindillas, lima)
12 Fotografos en el museo del Prado (Edificio Villanueva, galería baja norte) – doce premios nacionales de fotografía han sido invitados (para conmemorar el bicentenario de la institución) a proporcionar su particular visión del museo o de sus obras y ofrecernos, a través de sus miradas, nuevas perspectiva y nuevos estímulos para visitar este museo. Es muy llamativo que un museo como el Prado, haya elegido la fotografía como medio expresivo para conmemorar su bicentenario; algo realmente halagador para la Fotografía porque demuestra la potencia de su lenguaje comunicativo, a pesar de la banalización a la cual está sometida, por la inundación visual a la cual estamos sometidos diariamente. Esta misma razón quizás explica el porque el Prado ha decidido hacer pagar el billete completo del Museo (15€) para poder disfrutar de estas obras fotografías; en mi opinión, esta elección limitará y mucho la difusión de esta iniciativa, más allá de las personas que ya iban a visitar el museo. Bueno, quizás alguien (como yo) se anima a volver al Prado porque haya esta exposición, pero me parece que esta no va a ser la elección de muchos (existe siempre la posibilidad, “chupándose” largas colas, de entrar gratis casi todos los días en las dos últimas horas de abertura del museo). De las obras expuestas, destacaría los delicadísimos y a la vez impactantes bodegones de Pilar Pequeño, mi maestra y sobre todo maestra de la luz natural; las múltiples exposiciones de partes de un mismo cuadro que Alberto García-Alix reconstruye en una única imagen que contiene una gran fuerza magnética y de dolor; las perspectivas enmarcadas por puertas entreabiertas de cuadros de condotieros que parecen invitarnos a entrar en su época y en su historia de Bleda y Rosa; los paisajes collages de Javier Vallhonrat sobre suelos de bosques que el fotografió y habitados por elementos naturales extraídos de cuadros presentes en el Prado; los espacios vacíos, contenedores de ausencia de Aitor Ortiz. A esta exposición asocié el restaurante Chuka que, en un entorno informal pero acogedor, ofrece ramen, gyozas y varios tipos de dim sum, riquísimos ejemplos de la mezcla entre la cocina china y japonesa. Para mí, ¡IMPERDIBLE!
Luigi Ghirri (Museo Reina Sofía) – se trata de una retrospectiva muy amplia sobre la obra de este fundamental fotógrafo italiano. Todavía no he tenido la oportunidad de visitarla, por lo tanto no proporciono ninguna opinión, limitándome a señalar la exposición como una oportunidad que no se puede desperdiciar. Tenemos tiempo hasta el 7 de Enero. Aquí también hay que pagar el ingreso al museo (10€) pero se puede aprovechar para disfrutar también de la exposición siempre fotográfica sobre el grupo Afal y sobra Dorothea Tanning. Cuando iré al museo para ver esta exposición, seguramente aprovecharé para volver a la Taqueria del Alamillo, un mexicano de gusto y con carácter, que dispone de una pequeña terraza en unos de los rincones de Madrid que más me gustan.
Il Venerdí di Photosatriani N. 165
06 Friday Jul 2018
Presenze no-fotográficas
23 Monday Apr 2018
Posted in Abstracto, Life & Limits, Network & Nomadism, Reflexiones, Te presento a un artista, Urban
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El 5 de Marzo publiqué un artículo en mi blog sobre una exposición de Thomas Nölle que vi en el Museo de Romanticismo en Madrid. Cuando leí el texto sobre esta exposición, me quedé intrigado; era un texto casi metafísico, en el cual encontraba muchos paralelismos con las ideas y los conceptos que hace más de 20 años, estaban a la base de mi serie que llamé “Presenze”, con la cual tuve la oportunidad de participar en la sección Photosalon de la Biennale Italiana della Fotografia (en el 1995) y que luego expuso en Bilbao en el 1996.
Después de haber visitado la exposición en el Museo del Romanticismo, escribí el artículo para el blog y decidí usar un conjunto de imágenes de mi serie Presenze para acompañar el texto, sin especificar que eran mías, dejando por lo tanto una cierta ambigüedad sobre la autoría de las mismas… quería ver si alguien comentaba algo al propósito…
Después de un mes y medio, recibo un e-mail de la mismísima comisaria de la exposición, pidiéndome de borrar las imágenes o por lo menos de especificar a pie de foto, su autoría, cosa que he hecho inmediatamente. Ahora que está todo arreglado y considerando que la comisaria ha sido siempre muy amable y muy correcta, cuestiono una frase suya que, cuando me pedí de borrar las imágenes o especificar el autor de las mismas y aclarar que no son de Thomas Nölle, añadió que “no tenía sentido que usara fotos de otro autor para ilustrar un artículo que habla de un autor en concreto”. ¿Según vosotros, es esta una petición correcta? Es verdad que antes, cuando no había especificado la autoría de las imágenes, se podía llegar a mal interpretar, pero ahora que está clara la autoría, porque no tendría sentido ilustrar un artículo en mi blog con las imágenes que yo considero más apropiadas para generar en los lectores las dudas o las reacciones que me gustaría generar en ell@s?
Quizás por un mes y medio alguna persona ha podido pensar que mis imágenes eran las de Thomas Nölle, ahora todos sabrán claramente que Thomas Nölle no es el autor de mis imágenes…entonces, ¿cuáles son las imágenes de Thomas Nölle? Menos mal que existe Google que nos ayudará a resolver este enigma y, aunque la exposición en el Museo del Romanticismo en Madrid, ya ha finalizado, seguro que las personas que se han interesado a esta historia, encontrarán la manera de hacer un paralelismo con el conjunto de imágenes extraídas de “Presenze” y que publico a continuación.
Presenze – Photosatriani
Bruce Davidson, desde la empatía y la comprensión
19 Monday Feb 2018
No pude ver la retrospectiva de Bruce Davidson que la Fundación Mapfre ha organizado en colaboración con Magnum Photos cuando estaba en Madrid (hasta el 15 de Enero), pero he tenido suerte, porque ha sido ella que ha venido a encontrarme a Bilbao (Sala Rekalde hasta el 6 de Mayo) y la oportunidad la he aprovechado de inmediato, 4 días después de su inauguración.
En la portada de esta entrada he elegido una fotografía que Bruce Davidson (1933) hizo en los años noventa en el Central Park en New York (trabajo que derivó en un libro publicado por Aperture Foundation); esta fotografía es seguramente muy diferente de las fotografías por la cual este autor es mundialmente conocido. He elegido esta imagen porque para mí visualiza la perspectiva interior desde la cual Bruce Davidson nos muestra sus fotografías. Sus fotografías derivan de la empatía que el autor ha sido capaz de sentir con las personas que retrata; esta empatía a su vez nace de la comprensión de mundos diferentes, fruto de la inmersión en las realidades de estas personas; esta comprensión es finalmente posible, porque Bruce Davidson ha siempre vivido desde el interior lo que ha representado visualmente. Como el mismo ha dicho: “si busco una historia, la encuentro en la relación con el sujeto; no soy yo que cuento, sino que es la historia que se me revela”
Esta segunda fotografía que propongo (para mí de una potencia impresionante con esta doble jaula como metáfora del encarcelamiento de cualquier esperanza de cambio), pertenece a la serie East 100th Street, del 1968 con la cual Bruce Davidson alcanzó la fama como fotógrafo (fue expuesto en el MoMA). Fue un trabajo de dos años en los cuales el autor vivió con los habitantes de este “ghetto” de la parte este de Harlem. Un trabajo sensacional, contiene una cantidad increíble de grandísimas y bellísimas fotografías que parecen ser instantáneas de vida, hechas por los mismos habitantes del barrio. El fotógrafo usó una cámara antigua de gran formato para que el “acto de fotografiar” fuera respetuosamente formal y macroscópicamente evidente; este particular da, en mi opinión, todavía más valor al trabajo de Bruce Davidson porque era necesaria por su parte una compenetración, una empatía, una comprensión y un respeto total de los sujetos para que estos se sintieran tan “a gusto” durante la toma y no posar si no simplemente revelarse tal como eran.
Bruce Davidson revelaba personalmente sus fotografías en su cuarto oscuro, controlando integralmente el proceso y trabajando mucho en post-producción sobre las luces y las sombras para hacer resaltar lo que el consideraba importante resaltar. Este dominio de las técnicas de revelado la fue adquiriendo desde muy pequeño; con 10 años su madre le montó un cuarto oscuro en el baño en casa para que revelara las fotos que iba haciendo en las calles de su barrio.
La exposición es sin lugar a duda imprescindible, tanto por la cantidad y la calidad del material expuesto, cuanto sobre todo para apreciar y aprender cómo llegar a ofrecer a los espectadores una visión personal del mundo, entrando empáticamente en las dinámicas emocionales, sociales y humanas de quien está siendo fotografiado y desde allí mostrarnos las cosas. Una manera de comunicarse a doble hilo: humanamente entre él y los sujetos; emocionalmente con quien mira sus fotografías, trasmitiendo naturalidad, pero al mismo tiempo denunciando.
Una última consideración: para mi existe un paralelismo entre la fotografía de Bruce Davidson y la serie Café Lehmitz de Anders Petersen que ví el año pasado en PhotoEspaña; este paralelismo no es tanto visual, sino más bien de visión de la vida y de respeto de la vida de los demás, sobre todo de la vida de quien aparentemente es sin esperanza.
Aprovecho para señalar que en el ámbito de los Viernes CFC Bilbao, el 9 de Marzo a las 19.30, el comisario de la exposición Carlos Gollonet, ofrecerá un recorrido por la carrera de Bruce Davidson
El itinerario convencional en GetxoPhoto 2017
09 Monday Oct 2017
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En la entrada de la semana pasada, enfoqué mi atención a las propuestas innovadoras presentadas en GetxoPhoto, esta semana os hablaré del recorrido tradicional dedicado a la fotografía.
La primera consideración que quiero hacer y que mirando el mapa salta a la vista claramente, es la importancia extremadamente marginal que se ha querido dar a la Participación Popular (PoP en el mapa), relegándola completamente fuera del circuito principal y en una zona de Getxo que no proporciona ningún motivo de atracción para la gente; es como si los organizadores hubieran querido decir a la gente que ha ofrecido con ilusión sus creaciones para la iniciativa: “¡piérdete!”. En mi opinión se debería dar mucha más importancia en GetxoPhoto a la participación popular, vista la naturaleza “callejera” del evento. Debería ser una oportunidad para que “puedan ver la luz” muchísimas más propuestas de anónimos artistas locales y no, en un contexto que quiere ser a la vez internacional y popular.
Yo también envié mi propuesta sobre el tema: “el futuro ya está aquí”, pero mi foto no fue seleccionada para la exposición. Hasta el último momento tuve serias dudas si enviar la imagen que finalmente envié o se era mejor la otra que no he enviado. ¿Alguien quiere decirme cuales de las dos habría enviado si hubiera sido en mi lugar? 1-Milenial Big-Bang o 2-Raíces de Futuro? (ver la imagen en portada de esta entrada y dejad vuestra preferencia en los comentarios)
Las propuestas más atractivas del recorrido para mi han sido:
SOUP: estremecedoras (por belleza estética y por denuncia) imágenes creadas utilizando residuos de plástico encontrados por la artista Mandy Barker en las playas de todo el mundo.
ABANDONED: destacaría la instalación en la vieja gasolinera abandonada de Algorta, que ofrece un escenario perfecto para las imágenes de Richard Allenbay-Pratt que plantea la hipótesis de un Dubai desierto después del fin de la era del petróleo, con la subyacente denuncia de la insostenibilidad del sistema económico actual.
FOOD: en este caso también la localización es perfecta (no sé si opinan lo mismo los carniceros del Mercado cubierto de Algorta) para unas imágenes que denuncian la no-humanidad del proceso que nos permite de comer carne diariamente. Las imágenes de Henk Wildshut, me han recordado el libro de Michel Faber “Bajo la piel” en el cual, los animales que mataban para proporcionar la carne a la mensa de otros seres vivientes, eran los humanos.
ESTE NO ES EL PARAISO de María Portaluppi: imágenes muy conmovedoras de animales en cautividad. En la mirada o en la gestualidad de los animales retratados se lee una profunda tristeza y nostalgia del alejado hábitat natural; esta sensación viene reforzada por una muy acertada atmosfera de sombra. En mi opinión, de la serie presentada, habría eliminado la imagen del acuario y la imagen de una planta trepante; no transmitían ni de lejos las sensaciones de las demás imagines.
Por otro lado, en mi opinión, había propuestas de las cuales se hubiera podido prescindir tranquilamente:
STANDARD de Roger Eberhard: dípticos de habitaciones de una misma cadena hotelera alrededor del mundo, con asociadas las vistas que se pueden admirar de sus ventanas. Tema visto y re-visto, frito y re-frito. Hasta yo tengo una serie de este tipo hecha en mis andares por el mundo como consultor, que nunca he querido editar, porque me parece perder tiempo por la banalidad del mensaje…pero mira, quizás me equivoqué!
PEST CONTROL de Tania Franco Klein. Forzosamente conceptual. Pretender que la gente entienda la relación entre la plaga de las palomas, el mensaje que se quería transmitir de (in)-comunicación entre personas y su realización visual es como pretender que la gente aprecie una pizza hecha sin levadura, con tomates madurados en el sol Antártico y con mozzarella hecha con leche de tigre!!!
