Il Venerdí di Photosatriani N.152

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Arbóreo N.90 – Hayedo Otzarreta

 

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Il Venerdí di Photosatriani N.151

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Arbóreo N.89 – Hayedo Otzarreta

 

Las “marinotipias” de Isabel Muñoz

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Isabel Muñoz. S/T (JAP16639). Serie Japón, 2017. Galería Blanca Berlín

En diciembre del 2011, David Espada (hoy pilar imprescindible del laboratorio Espacio RAW), me abrió las puertas del estudio de Isabel Muñoz y así, tuve la oportunidad de conocerla en persona, charlar con ella y asistir al proceso de impresión de las platinotipias para el proyecto “Danzas y Ritos”, que en aquel entonces ella y sus colaboradores estaban experimentando y practicando y que algún mes después, fueron presentadas con gran éxito en la galería Blanca Berlín. Isabel Muñoz y las platinotipias son ahora un binomio inseparable, la artista ha llegado a ser una de las máximas expertas mundiales de esta técnica de impresión, llegando no solo a maximizar el altísimo rango tonal, sino también a reproducir con sutileza la luz y a incluir el color en este proceso.

Desde la mitad de febrero, hasta el 28 de abril, siempre en la galería Blanca Berlín, se expone el último proyecto de Isabel Muñoz: “Agua”, en el cual, la casi totalidad de las imágenes son platinotipias. Este trabajo ha sido desarrollado bajo el agua del Mediterráneo y del Mar de Japón y, como dice la misma artista, constituye una denuncia del mal trato que la humanidad tiene verso el mar que “nos lo da todo, sin pedirnos nada a cambio”. En mi opinión, la principal clave de lectura de las imágenes de “Agua” es la “obsesión” que Isabel Muñoz tiene por la danza y el movimiento de los cuerpos cuando danzan (recuerdo los trabajos de Isabel Muñoz sobre el ballet en La Habana, sobre el tango, sobre el baile de los sufíes en Turquía, sobre el flamenco, sobre las danzas orientales). Las imágenes de “Agua” son altamente sensuales; los cuerpos parecen volar, los plásticos de invernaderos que bajo el agua parecen de seda, son el perfecto envoltorio de dichos cuerpos; la luz sutil a unos cinco metros bajo el agua atenúa la mirada y ralentiza el tiempo; los golpes de color que ha usado en algunas de las imágenes son como llamas visuales; las zapatillas de ballet recuerdan la ligereza del ser en movimiento. Estos cuerpos de seda, danzantes bajo el agua, me han recordado la hermosura de los movimientos del Pterois Volitans cuando “vuela” en el agua. También he hecho un paralelismo con la denuncia de contaminación plástica de los océanos hecha por Mandy Barker especialmente en su trabajo “Soup” pero no solo…

Isabel Muñoz. S/T (BEA06275)

Serie Bajo el agua., 2017

Galería Blanca Berlín

Il Venerdí di Photosatriani N.150

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Arbóreo N.88 – El despertarse

El Invierno ha finalizado? Así se dice pero la realidad es otra. En cualquier caso, a partir de esta semana, propondré algunas imágenes arbóreas que muestran el despertarse del mundo vegetal

Il Venerdí di Photosatriani N. 149

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                                     Arbóreo N. 88 – Bosque en letargo

Il Venerdí di Photosatriani N. 148

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                                  Arbóreo N. 87 – Pentagramma

La “no-fotografía” de Thomas Nölle

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Imagen de Giuseppe Satriani

La última vez que estuvo en el Museo del Romanticismo en Madrid, me enamoré de la visión evocadora de la fotografía de Miroslav Tichý en la edición 2016 de Photoespaña. Cuando vi que el mismo museo proponía una nueva exposición fotográfica (By the Way de Thomas Nölle, hasta el 15 de Abril) pensé que no podía perderme esta nueva cita, alentado además por el hecho que en el panfleto ilustrativo de la exposición, se define el trabajo de Thomas Nölle como un “ensayo visual sobre la experiencia momentánea de la mirada en tránsito sobre el paisaje”.

Antes de hablar de la exposición, me gustaría denunciar el muy malo horario de apertura del Museo del Romanticismo, más bien apto para quien trabaja a tiempo parcial que para aquellos que trabajamos a jornada completa. Un horario invernal, aunque sea continuado, de las 9.30 a la 18.30, dificulta mucho visitar el museo durante la semana laboral.

La exposición está en una sala lateral del museo y no se necesita pagar la entrada. El autor ha también derivado un libro de este trabajo y en este libro Norval Bitello, define este ensayo como un ejemplo de “no-fotografía”, en el sentido que la cámara es como si se transformara en pincel y pintura de imágenes interiores.

Las imágenes expuestas se basan en la huella que la luz deja en el sensor de la cámara cuando hay movimiento, o bien del artista en la toma, o de lo elementos retratados. Las sensaciones que estas imágenes transmiten, tienen a que ver con la inmaterialidad, la volatilidad, la transitoriedad, la fluidez, la fugacidad; son románticas en el sentido que activan una cierta nostalgia no bien definida pero que tiene a que ver con lo vivido de cada uno, con la sensación de plenitud que a veces conseguimos vivir en los momentos mágicos de nuestra vida. Las imágenes de Nölle se alejan del realismo e invitan a permanecer en el rectangulo de la fotografía, para arrancar un dialogo entre el paisaje y el mundo interior del espectador. Un proceso totalmente contrario a lo que diariamente estamos sometidos por la avalancha de instantaneas que estamos acostumbrados a absorber fugazmente.

La exposición y las imágenes de Thomas Nölle no constituyen una obra maestra, pero seguramente son una oportunidad para ensimismarse y entender que la nitidez, la inmediatez, la historia no son necesariamente elementos esenciales para comunicarse visualmente con los demás; que existen muchos mundos visuales paralelos y cada uno de ellos es una dimensión en la cual los espectadores tienen la oportunidad de reflejar sus propias emociones, en un viaje de conocimiento a veces documental, a veces estetico y otras veces evocador.

Yo mismo, hace muchos años tuve una etapa fotográfica de este tipo; aquí presento una pequeña serie de no-imágenes hechas por mi

Ninguna de las imágenes de la galería está hecha por Thomas Nölle; las imágenes pertenecen a la serie “Presenze” de Giuseppe Satriani

Il Venerdí di Photosatriani N. 147

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                             Arbóreo N. 86 – Ventisca en Castilla y León

Il Venerdí di Photosatriani N. 146

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                                    Arbóreo N. 85 – Inverno in pineta

Finalizada la serie de imágenes abstractas, a partir de esta semana, propongo un conjunto de imágenes arbóreas relacionadas con el invierno.

Bruce Davidson, desde la empatía y la comprensión

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No pude ver la retrospectiva de Bruce Davidson que la Fundación Mapfre ha organizado en colaboración con Magnum Photos cuando estaba en Madrid (hasta el 15 de Enero), pero he tenido suerte, porque ha sido ella que ha venido a encontrarme a Bilbao (Sala Rekalde hasta el 6 de Mayo) y la oportunidad la he aprovechado de inmediato, 4 días después de su inauguración.

En la portada de esta entrada he elegido una fotografía que Bruce Davidson (1933) hizo en los años noventa en el Central Park en New York (trabajo que derivó en un libro publicado por Aperture Foundation); esta fotografía es seguramente muy diferente de las fotografías por la cual este autor es mundialmente conocido. He elegido esta imagen porque para mí visualiza la perspectiva interior desde la cual Bruce Davidson nos muestra sus fotografías. Sus fotografías derivan de la empatía que el autor ha sido capaz de sentir con las personas que retrata; esta empatía a su vez nace de la comprensión de mundos diferentes, fruto de la inmersión en las realidades de estas personas; esta comprensión es finalmente posible, porque Bruce Davidson ha siempre vivido desde el interior lo que ha representado visualmente. Como el mismo ha dicho: “si busco una historia, la encuentro en la relación con el sujeto; no soy yo que cuento, sino que es la historia que se me revela”

Esta segunda fotografía que propongo (para mí de una potencia impresionante con esta doble jaula como metáfora del encarcelamiento de cualquier esperanza de cambio), pertenece a la serie East 100th Street, del 1968 con la cual Bruce Davidson alcanzó la fama como fotógrafo (fue expuesto en el MoMA). Fue un trabajo de dos años en los cuales el autor vivió con los habitantes de este “ghetto” de la parte este de Harlem. Un trabajo sensacional, contiene una cantidad increíble de grandísimas y bellísimas fotografías que parecen ser instantáneas de vida, hechas por los mismos habitantes del barrio. El fotógrafo usó una cámara antigua de gran formato para que el “acto de fotografiar” fuera respetuosamente formal y macroscópicamente evidente; este particular da, en mi opinión, todavía más valor al trabajo de Bruce Davidson porque era necesaria por su parte una compenetración, una empatía, una comprensión y un respeto total de los sujetos para que estos se sintieran tan “a gusto” durante la toma y no posar si no simplemente revelarse tal como eran.

Bruce Davidson revelaba personalmente sus fotografías en su cuarto oscuro, controlando integralmente el proceso y trabajando mucho en post-producción sobre las luces y las sombras para hacer resaltar lo que el consideraba importante resaltar. Este dominio de las técnicas de revelado la fue adquiriendo desde muy pequeño; con 10 años su madre le montó un cuarto oscuro en el baño en casa para que revelara las fotos que iba haciendo en las calles de su barrio.

La exposición es sin lugar a duda imprescindible, tanto por la cantidad y la calidad del material expuesto, cuanto sobre todo para apreciar y aprender cómo llegar a ofrecer a los espectadores una visión personal del mundo, entrando empáticamente en las dinámicas emocionales, sociales y humanas de quien está siendo fotografiado y desde allí mostrarnos las cosas. Una manera de comunicarse a doble hilo: humanamente entre él y los sujetos; emocionalmente con quien mira sus fotografías, trasmitiendo naturalidad, pero al mismo tiempo denunciando.

Una última consideración: para mi existe un paralelismo entre la fotografía de Bruce Davidson y la serie Café Lehmitz de Anders Petersen que ví el año pasado en PhotoEspaña; este paralelismo no es tanto visual, sino más bien de visión de la vida y de respeto de la vida de los demás, sobre todo de la vida de quien aparentemente es sin esperanza.

Aprovecho para señalar que en el ámbito de los Viernes CFC Bilbao, el 9 de Marzo a las 19.30, el comisario de la exposición Carlos Gollonet, ofrecerá un recorrido por la carrera de Bruce Davidson