Il Venerdí di Photosatriani N. 116

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Arbóreo N. 55 – Raíces

 

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SOROLLA y la LUZ: cuando pintura y fotografía se encuentran

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Foto by Photosatriani

Este año el Museo Sorolla (un rincón de paz y de luz en una Madrid enfocada) es una de las sedes de PHE. La razón es la exposición Sorolla en su paraíso(hasta el 1 de Octubre, comisario Publio López-Mondéjar) que, a través de unas fotografías de gran calidad, ofrece una visión íntima y sorprendente del “paraíso” familiar y laboral del gran pintor. Una especie de biografía visual, sentimental y artística que ayuda a entender la “visión fotográfica” que Sorolla tenía en su manera de ver.

Los cuadros de Joaquín Sorolla me han siempre atraído por la manera con la cual el artista pone a la luz como gran protagonista; una luz que me lleva derecho al Mediterráneo con sus olores y sus colores intensos y saturados. Cuando estoy delante de un cuadro de Sorolla o cuando se entra en lo que fue su último estudio, parece que se está en la playa junto con sus modelos o sobrevolando la escena pintada. Otro aspecto “fotográfico” que ha hecho que las pinturas de Sorolla me han siempre llegado con intensidad, es la perspectiva que normalmente elije en sus cuadros. Es una perspectiva muy dinámica, que acentúa la cotidianeidad de las escenas retratadas y que contribuye a sentirse como parte de aquel momento de vida. La exposición fotográfica de alguna manera nos ofrece justo este punto de vista: la oportunidad de ver el “making-of” de algunos de los cuadros más representativos del pintor.

Lo que esta exposición me ha permitido, es transformar mis percepciones en conocimiento, visto que he podido profundizar en la relación que Sorolla tuvo con la fotografía. Más que una relación fue una compenetración. Cuando el pintor tenía unos 18 años, un amigo suyo, le presentó al fotógrafo Antonio García Peris que parece necesitaba un ayudante y decidió contratarle; con el pasar del tiempo Peris acogió Sorolla en su casa (el pintor se quedó huérfano con solo dos años y vivía con sus tíos) y le facilitó la posibilidad de dedicarse a la pintura y le introdujo en los círculos artísticos de la ciudad; junto con el fotógrafo, Sorolla experimentaba en su estudio con la luz y con el retoque. El gran amor, fuente de inspiración y esposa de Joaquín Sorolla (Clotilde) era la hija de Antonio García Peris.

Antonio García Peris-1906

Quería destacar la imagen de la portada de este artículo (que está incluida en la exposición del Museo Sorolla), cuyo autor es Antonio García Peris. Se trata de una escena familiar alrededor de una mesa de una belleza estremecedora tanto por la luz, como por la puesta en escena y la composición; para mí una verdadera obra maestra, considerando además que la toma es del 1907.

El otro grande fotógrafo con el cual Sorolla se vinculó cuando ya se mudó a Madrid con toda su familia, fue el Danés Christian Franzen (un importante retratista de la época), al cual Sorolla dedicó este bonito retrato y con el cual colaboró en algún proyecto.

Sorolla se sirvió además de la fotografía para fijar en sus cuadros el invisible o lo fugaz que normalmente escapa a nuestra mirada o que se diluye con el pasar del tiempo. La exposición no muestra este aspecto, si no el contexto y los escenarios en los cuales Sorolla desarrollaba su vida y su trabajo. Se trata de unas 60 imágenes entre las cuales hay muchos retratos del pintor, pero también escenarios en los cuales Sorolla iba instalando su caballete para pintar sus cuadros, fotos familiares, etc. Este link os da la oportunidad de tener una buena idea de lo que se puede disfrutar en la exposición en el Museo Sorolla. Propongo a continuación otra evidencia de la importancia que la fotografía hubo en la vida de Sorolla; se trata de una retrato que hizo a su hija María en la playa de Biarritz, en el cual la mujer tiene en mano una cámara fotográfica.

Un último apunte; Sorolla también coleccionó fotografías que ahora son parte de los fondos del Museo. En el ámbito de PHE17 (hasta el 20 de Junio), en la Casa de América ha habido una exposición de imágenes de paisajes de Estados Unidos hechos por Carleton Watkins y que Sorolla recibió en regalo del fundador de la Hispanic Society .

Desde la página web del Museo Sorolla, se puede descargar gratuitamente el primer volumen de un interesantísimo catálogo sobre la colección de fotografía antigua conservada en el museo.Fotografia Museo Sorolla

 

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 115

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Arbóreo N. 54 – Giochi di luce e di acqua

Café Lehmitz: la belleza de los invisibles

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La sensibilidad es sin lugar a duda una calidad esencial para que una imagen trasmita algo; más allá de la apariencia y para que genere en el observador la curiosidad (o la necesidad) de saber más, de conocer la historia que está detrás de aquella imagen. Anders Petersen en la serie Café Lehmitz (PHE17-Madrid, Sección Carta Blanca curada por Alberto García-Alix en CentroCentro Cibeles hasta el 17 de Septiembre) alcanza totalmente este objetivo, dejándonos entrar en un mundo en el cual la sociedad no suele o no quiere mirar, presentándonos sus protagonistas desde una perspectiva de humana complicidad, autenticidad y cercanía.

El fotógrafo sueco descubrió casualmente el Café Lehmitz que estaba situado en el barrio rojo de Hamburgo y por 3 años frecuentó este café que era un punto de encuentro de los que normalmente se etiqueta como “personas marginales”, con el objetivo de retratar la dignidad de estas personas que allí encontraban chispas de despreocupación, complicidad, alegría, amor. El fotógrafo llegó a ser uno de ellos y esta cercanía a las “guerras personales” de los clientes del Café Lehmitz, le ha permitido sacar unas imágenes que nos hacen sentir parte de aquel entorno; que nos hacen empatizar con aquellas historias; que nos juzgan y nos hacen reflexionar sobre la hipocresía con la cual solemos apartar nuestra mirada sobre “los diferentes” para convencernos que no son parte de la misma sociedad a la cual nosotros pertenecemos.

Como dice Alberto García-Alix, “Petersen nos hipnotiza, se adueña del aire”. Pero, además de la belleza de cada una de las imágenes que forman la exposición, el diseño de la instalación de la misma (comisariada por Nicolás Combarro) ayuda todavía más a sumergirse en el lugar hasta hacernos sentir como un cliente más del Café Lehmitz. El aspecto casual y curioso, que ha sido determinante para que tuviera una valoración tan alta de esta exposición, es que, sin saberlo, entré por lo que el comisario había diseñado ser como el final de la exposición: una sala cuyas paredes estaban totalmente “empapeladas” con la impresión de las tiras de negativos hechas por Anders Petersen, incluidas las anotaciones que el mismo hacía durante el proceso de visionado y selección. Verse y sentirse envueltos por tantas imágenes, cada una llena de tanta expresividad, complicidad, soledad, alegría fugaz, fracaso, me hizo empatizar con cada uno de los clientes del bar, con sus historias, sus “guerras”, sus necesidades de ser comprendidos y amados, aunque sea por solo algunos minutos. Una sensación fuertísima, asombrosa, demoledora; un torbellino de emociones que muy pocas veces he probado mirando una exposición de fotografía.

Un bellísimo audiovisual en una de las salas en las que se divide la exposición, permite profundizar y entender todavía mejor lo que era el mundo del Café Lehmitz y las historias de sus clientes, tanto que luego, volviendo a mirar las imágenes colgadas en las salas, las emociones probadas inicialmente, se multiplicaban todavía más y queda muy claro como el fotógrafo ha sabido encerrar en sus imágenes la cercanía y la complicidad con las cuales su sensibilidad vivía y se impregnaba de las historias que pasaban en el Café Lehmitz.

¡ I M P E R D I B L E !

 

 

En el mismo CentroCentro Cibeles, está también otra exposición que merece la pena de ser vista y disfrutada con mucha atención; se trata de Pistas de Bailes de Teresa Margolles que trata el tema de la prostitución en Ciudad Juárez de una manera realmente original pero al mismo tiempo cruda y realista.

 

 

Photoespaña XX: como organizarse para optimizar la visita

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Este año PhotoEspaña (31 de Mayo–27 de Agosto) cumple 20 años; un hito muy importante para una manifestación que ha alcanzado una grande resonancia nacional e internacional. También este año he conseguido estar en esta cita que para mí se traduce siempre en un torbellino visual. Realizar mi visita anual a PhotoEspaña, depende de una combinación de muchos factores que, para poderse dar, necesitan mucho trabajo previo y una capacidad extrema de encaje. Esto, por un lado me permite disfrutar con más intensidad de las exposiciones que consigo visitar, por otro lado pero, el tiempo que dispongo es muy limitado respeto a la envergadura del evento y necesito optimizar el tiempo y tomar dolorosas decisiones para descartar alguna exposición (además de renunciar a todas las actividades colaterales que se organizan para el público). Limitándome únicamente a la sede principal de Madrid (hay otras sedes en España y en otras naciones), esta tarea se ha hecho todavía más compleja este año, debido al XX aniversario: el número de exposiciones ha crecido notablemente y están distribuidas en unas 45 sedes diferentes; además de las históricas secciones Oficial y Festival Off, se ha añadido la sección Carta Blanca que ha sido curada por Alberto García-Alix.

 

Comparto aquí los criterios que he aplicado para optimizar la visita y maximizar el número de exposiciones visitadas, con la esperanza que os puedan servir para facilitar la toma de decisión en vuestra visita. En mi caso disponía de un día entero en Junio, algunas tardes a partir de las 19h y un medio día en Julio

Para poder planificar en el detalle la visita, es imprescindible bajarse el plano de la exposiciones e ir husmeando las diferentes exposiciones, navegando en el sitio web de PHE que desafortunadamente (es un fallo importante de esta edición) no proporciona buenos contenidos visuales (mucho texto y muy pocas imágenes para poderse hacer de antemano una buena idea de cada exposición). Lo ideal sería disponer de la Guía PHE que desafortunadamente no se puede adquirir a través de la página web (aunque sea en formato digital); se puede comprar solo en los puntos librería de PHE en Madrid (9.50€).

Disponiendo de este conjunto de información, el problema que se pone es: “qué criterios aplico para seleccionar las exposiciones que voy a ver? Cuáles descarto?” Después de haberlo intentando de diferentes maneras, creo que lo mejor es organizar el tour por contigüidad física de los diferentes espacios expositivos. Como se puede ver en el mapa anterior, personalmente he dividido el mapa en tres zonas A-B-C y, en función de mis criterios (y de la info recopilada en newsletters artísticas) he señalado las expos en el mapa en rojo (MUST), negro (NICE TO GO) y dejando sin señalar aquellas que me parecían prescindibles. Las exposiciones que han quedado fuera de estas tres áreas también las he señalado en rojo o negro para organizar visitas específicas, aprovechando los huecos de disponibilidad que disponía por las tardes. Usar el criterio de contigüidad física de los espacios expositivos, nos permite además limitar bastante el impacto de un factor que quizás muchos no consideran como importante y que pero al final va a condicionar muchísimo nuestra capacidad de realización del plan diseñado cómodamente en nuestra casa: el calor infernal que podemos encontrar en una Madrid veraniega; a mí me han tocado temperaturas máximas de unos 36-40 grados y os aseguro que no es una broma deambular por las calles de Madrid con estas temperaturas, a pesar de agua, protector solar, gorro, etc…

 

En la tabla de abajo, he hecho mis recomendaciones, de acuerdo a mis personales criterios de gusto e interés; la lista incluye todas aquellas exposiciones que seleccioné como merecedoras de una visita, pero he valorado únicamente aquellas que he podido visitar hasta el día de hoy. Espero que mi perspectiva pueda servir para organizar vuestra visita a PHE17 con el objetivo de optimizar los tiempos pero sobre todo para disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente dinámico y feliz. Cualquier comentario o discrepancia respeto a mis sugerencias, bienvenida sea! Estaré encantado adjuntarla a esta entrada para proporcionar puntos de vistas diferentes.

Los dípticos que ilustran esta entrada son de Photosatriani y representan un paralelismo visual de dos espacios mágicos en Madrid: el Jardín Botánico y un sitio multi-uso ubicado en Malasaña: el Paracaidista; ambos dos acogen exposiciones de PHE17. ¡A disfrutar!