Retrato de una mujer en llamas

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Breton Island, El Prado, Exhibitions, Film, France, Italy, Madrid, Painters, Prado, Woman Painter

Una película y una exposición en el Prado que abren una brecha en el silencio que existe alrededor de las mujeres pintoras entre el XVI y XVIII siglos.

Imagen extraida de la pelicula “Portrait de la jeune fille en feu”

Con este post, vuelvo al cine de la mano de Céline Sciamma y su “Portrait de la jeune fille en feu”. Una película que me hizo palpitar y que me ha hecho sentir cercano a la intimidad de los dos personajes principales.

Una historia de amor ambientada en una isla de Bretaña de la Francia del siglo XVIII, entre una pintora y su modelo. Una película en la que no hay interpretes masculinos y que para mi, encuentra su máxima expresión visual, en las miradas de las dos protagonistas que evolucionan en el tiempo de acuerdo con la evolución de sus sentimientos, con una lentitud para nosotros inconcebible y que en cambio deberíamos volver a apreciar.

Una buena fotografía tanto de los paisajes marinos (últimamente han encontrado mucho espacio también en este blog), como de los retratos en el interior, contribuye a marcar los ritmos de este amor pasional e intenso.

La música no tiene mucho espacio en esta película, pero contribuye de manera determinante a que el doloroso, dramático y conmovedor final se haga desgarrador. “L’Estate” de las “Quattro Stagioni di Vivaldi” asume unos tonos altamente románticos, por la habilidad de la directora en casar la pieza musical, con unas imágenes de un doloroso amor que no puede encontrar su cauce. Nunca había percibido en “L’Estate Vivaldiana” el potencial de tristeza que puede trasmitir y que se dispara cuando la tormenta se desata en su parte final.

Retrato de una mujer en llamas permite conocer una realidad oculta: la de las mujeres pintoras de aquella época, especialmente retratistas, de las cuales se sabe muy poco o nada y que han tenido un rol importante en el desarrollo del arte.

Museo del Prado

Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana

Aunque se trate de dos pintoras que han vivido más de un siglo antes de la época en la cual estaba ambientada la película de Sciamma, en la Sala C (Edificio Jerónimos) del Prado (hasta el 2 de febrero) se puede visitar una interesante exposición sobre dos pintoras que supieron romper los estereotipos que la sociedad de entonces asignaba a las mujeres en relación a la práctica artística y supieron afirmarse y alcanzar un papel significativo en el mundo artístico de la época. Se trata de Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.

Un bonito paralelismo entre la película y esta exposición en el Prado que se me dio casualmente y que me ha permitido conocer una dimensión toda al femenino del arte visual, contribuyendo a remover significativamente mi alma dormida.

Sin arte no moriríamos, pero nos sentiríamos menos vivos

La Tortuga Roja

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Dibujos Animados, Esencia, Film, Tortuga

Casi nunca escribo entradas sobre películas (la última fue La sal de la Tierra, la pelicula de Wim Wenders sobre la vida de Sebastiao Salgado en Enero del 2015), porque desafortunadamente no tengo muchas oportunidades para ir al cine y también porque los contenidos de este blog me gusta mantenerlos lo más posible alineados a lo que he definido que fuera su alcance: “emotional photography, visual art and visual poetry”. La tortuga roja, la última producción de los míticos estudios Ghibli y dirigida por Michael Dudock De Wit, tiene todos los ingredientes tanto visuales como emocionales, para entrar de par en par en este blog.

Se trata de una película de animación en la cual no se dice ni una palabra, por lo tanto la potencia del mensaje es dejado exclusivamente a las imágenes, a los silencios, a los sonidos de la Naturaleza y a la música. Es un relato visual y emocional repleto de sensibilidad, de belleza y de espiritualidad, que pide al espectador calma y abandono para que su magnetismo se haga con nosotros y nos lleva a probar tensión, sorpresa, empatía, desgarro, tristeza, resignación conmoción; todas emociones de grandísimo calado que me han dejado como vaciado y “limpio”.

El mensaje que he captado es a la vez sencillo y extremadamente complejo si lo mapeamos con los valores predominantes de nuestra sociedad. Es la vuelta a la esencialidad, a lo que realmente cuenta en el ciclo vital del Hombre: la convivencia respetuosa con la Naturaleza en todo su esplendor y crueldad; la realización en los valores de la familia, del trabajo y del amor; la no necesidad de poseer mucho o “vivir a la grande” para poder alcanzar la felicidad; la perseverancia necesaria para realizar lo que se considere importante; la sabiduría en el aceptar con serenidad los eventos inevitables del ciclo vital; la belleza del más alto acto de amor altruista que un ser humano he llamado a hacer: cuidar, educar y preparar su descendencia, para poderle dar una vida propia y a menudo alejada del mundo en lo que han crecido y donde los padres normalmente se quedan.

Una gran película unos dibujos de una belleza sencilla y profunda, una narración basada en la empatía emocional sobre los grandes temas de nuestra existencia.

La sal de la Tierra

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Cinema, Film, Nature, Reporter, Travels

Wim Wenders es uno de los cineastas más prestigiosos y controvertidos de la actualidad; personalmente he amado profundamente sus “Más allá de las nubes” o “The million dollar hotel”, he odiado su “El cielo sobre Berlín”; soy un profundo admirador del Wim Wenders fotógrafo. Sebastiâo Salgado es para mucho “el” fotógrafo de nuestros tiempos; ha centrado sus trabajos en la vida de los marginados, de los débiles y de las víctimas de nuestro planeta; ha visto lo peor y lo mejor de este planeta. Ha cubierto guerras, ha observado las consecuencias de las hambrunas; ha descubierto paisajes que pocos seres humanos disfrutarán jamás y visitado tribus que apenas se comunican con el mundo exterior. A pesar de esto, sus trabajos siempre se han diferenciado por la inusual belleza de sus imágenes, cosa que incluso ha sido objeto de fuertes críticas.

Hace unos 25 años, Wim Wenders compró dos imágenes de Salgado que le conmovieron profundamente y que todavía tiene colgadas en su estudio. Desde entonces, quiso conocer al fotógrafo y con el tiempo decidió hacer una película sobre él; la ocasión ocurrió gracias a unos amigos suyos que eran amigos de Julio Ribeiro Salgado, el hijo de Sebastiâo, que a su vez había decidido hacer un documental sobre su padre. Julio ha vivido su infancia y adolescencia teniendo que asumir la constante ausencia de la figura paterna y quería hacer una película sobre su padre, como un camino de acercamiento hacia él. A partir de todas estas circunstancias, ha nacido La Sal de la Tierra, una película-entrevista-documental en el cual se mezclan imágenes de los viajes del fotógrafo, con secuencias del propio Salgado mirando la cámara y narrando su epopeya. Tuve la oportunidad de ver la pelicula en Diciembre y cuando se está en la sala te sientes como llevado en dos dimensiones diferentes: por un lado las fotografías de Salgado nos hablan a través de las vivencias que el mismo autor nos cuenta y por otro lado se revela el territorio íntimo del autor, como por ejemplo la fundamental presencia de su mujer (Lelia Deluiz) o que además de Julio, los Salgado tuvieron otro niño con Síndrome de Down que les llenó de ternura y amor y que murió sin haber podido empezar la escuela.

Wim Wenders decidió que la mejor manera de hablar de Sebastiâo Salgado era a través de sus imágenes y para que ambos pudieran tomar protagonismo, excogitó la manera de filmarle hablando de sus fotografías. Sebastião estaba en una habitación oscura, no podía ver al equipo, solo podía ver sus fotos en un monitor. La cámara estaba detrás del monitor y a través de un espejo las imágenes del monitor se proyectaban para ser grabada por la cámara; de esta manera el espectador tiene ante él una increíble secuencia de fotografías a través de las cuales se puede distinguir en ocasiones el reflejo del rostro de Salgado, cuya voz en off, junto a la de Wenders, sirven de guía para contar la historia del artista.

Al comienzo de los años 70, Sebastião Salgado era un licenciado en Economía que, junto con su mujer se fueron a Paris para ultimar su tesis y a la vez trabajaba para la Organización Internacional del Café en diferentes proyectos junto al Banco Mundial. La mujer nunca aparece, pero es importantísima en la carrera de Sebastião. Han pensado juntos los conceptos de sus trabajos, le ayuda a escoger fotografías, reseña los libros y las exposiciones. En sus viajes de trabajo, Sebastiâo entró en contacto con realidades humanas que le chocaron tanto que decidió que era necesario retratarles para que el resto del mundo las conociera y consecuentemente tomó una decisión vital radical: abandonarlo todo y dedicarse a la fotografía. En los siguientes 40 años se ha jugado el tipo, encontró un punto de vista único que le ha elevado a celebridad artística, perdió la fe en la humanidad, y recuperó la esperanza amando la naturaleza. Una vida inspiradora que se trasmite con mucha delicadeza y amor en La sal de la tierra que es sin lugar a duda una carta de amor de un padre a un hijo, pero sobre todo, es un documento inspirador sobre un testigo del lado más oscuro del ser humano.

La semana que viene el post será dedicado a los ganadores y finalistas del primer Photo of the Month (PoM) del 2015…¡suerte a tod@s!

 

IDA, una película de Pawel Pawlikowski

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Emotions, Film, Poland

Desde cuando tengo este blog, nunca había dedicado un post al cine, aunque el cine es creo el arte visual por excelencia, visto que es más “democrático” de la pintura, más complejo de la fotografía y el padre de muchas de las más modernas formas de arte visual que están afirmándose en los últimos tiempos. He decidido romper este involuntario silencio sobre el cinema, hablando de una hermosísima película polaca que he podido disfrutar hace dos semanas. Se trata de Ida, una película en blanco y negro de Pawel Pawlokowski que mucho de vosotros habrán visto y que no creo deje indiferente a nadie. Habla de Anna, una joven novicia en la Polonia del 1960 que, a punto de tomar sus votos como monja, se embarca en un viaje a la búsqueda de su identidad y de sus raíces, descubriendo un terrible secreto relacionado con su familia…es una película delicada que la enmarcaría en el movimiento “slow life” porque, a diferencia de la tendencia cinematográfica actual, en la que prima la velocidad a expensas de la reflexión, los tiempos de Ida permiten no solo reflexionar, si no también detenerse en los detalles y esto se lo he agradecido un montón al director. La elección del blanco y negro, del formato 4:3 y de total ausencia de movimientos de cámara, no han sido una casualidad, al contrario, ha sido una elección precisa del director para intentar obtener una historia que fuera intemporal y universal. Para los que quieran, os dejo un link a una video entrevista al director.

En este post quería enfocar sobre todo el tema de la fotografía; Ida ofrece unas imágenes altamente poéticas y estéticamente refinadas; la composición de las escenas es siempre muy cuidada; la luz tenue del norte nunca es la protagonista principal, si no que sirve para enmarcar los momentos y solo en un segundo momento, uno se da cuenta de su belleza y de su fuerza para ayudar a describir una emoción, una situación o un estado ánimo. En muchos encuadres las personas están desplazadas hacia un lado u ocupan el tercio más bajo del fotograma, dejando los demás dos tercios para el entorno y la escena donde se materializa la acción; esto amplifica la sensación de descubrimiento continuo que vive la protagonista, tanto interior (en si misma) como exterior (lugares e historia familiar) y al mismo tiempo, mantiene la atención del espectador en las expresiones de los protagonistas, siendo estos los únicos elementos en movimiento en toda la escena.

Es un trabajo que nos permite reflexionar, aprender y simplemente disfrutar de la historia y de las imágenes; una experiencia que aconsejo vivir tanto a los amantes de la fotografía como a los del cine.

La semana que viene el post será dedicado a los ganadores del “concurso” mensual: Photo of the Month organizado por este blog…

 

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Film, Vintage

Un seguidor más de la siempre más clara tendencia que quiere recuperar el valor y la belleza de la fotografía con película

Nice Happened

Film fascinates me. And i do want to shoot some more but for the moment, it’s too expensive.

Kodak Gold 200

Kodak 400 Ultramax

Fuji 160s

Kodak Supra 800. These next couple of images were shot with expired film (way past its use-by date) which is why the emulsion peels off and gives the photographs this amazing look.

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