La “burbuja” de Anish Kapoor es el Árbol para estas Navidades
Acabo la serie dedicada a “Purple Guggenheim” con esta imagen en la cual las 76 esferas de acero de Anish Kapoor hacen de perfecto contrapunto al titanio de Frank Gerhy.
Visto que estamos cerca de la Navidad, podríamos verlas como las burbujas de una copa de Spumante/Cava/Champagne! o, ¡y porque no! un árbol de Navidad modernista. Por esta razón, usaré esta misma imagen para ilustrar el “tradicional” artículo de final de año que publicaré Lunes 30 de Diciembre, esta vez sobre la “resiliencia” en el proceso creativo…
Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N. 240
Una perspectiva completa que muestra como el Guggenheim encaja perfectamente en el “skyline” de la ciudad: el puente de La Salve en primer plano, conduce la mirada hacia el Guggenheim y la “Torre Iberdrola” erguida detrás de él, hace que la mirada se rentenga en el museo. La Ría refleja la escena anterior ofreciendo una imagen especular y movidiza que parece perderse hacia el horizonte. El cielo surcado por el humo de una fábrica y los rastros de los aviones nos recuerdan que, en cualquier caso, estamos en un área que no solo recuerda, si no que conserva su profunda huella industrial.
Esta imagen púrpura es la que para mi representa con mayor exactitud el concepto de “nuevo comienzo” (en este caso para Bilbao) que Prince quería transmitir en su Purple Rain, de la cual mi serie Purple Cities toma inspiración.
¿Que se obtendría si alguien nos fotografiara en el momento en el cual estamos mirando una foto en la cual otras personas están mirando una obra de arte que a su vez mira las personas que la están mirando?… esto es lo que he llegado a pensar cuando estaba inmerso en las salas del Guggenheim de Bilbao (hasta el 19 de enero) dedicadas a la fotografía de Thomas Struth. ¿Y si volviéramos a hacer lo mismo hasta el infinito? Obtendríamos un abismo de miradas que miran como cuando de pequeño, con mis primas, nos poníamos en el medio de dos espejos que se reflejaban en el cuarto de dormir de mi abuela, restituyéndonos un abismo recursivo de nuestras personas.
La retrospectiva que el Guggenheim de Bilbao dedica al fotógrafo Thomas Struth es realmente impresionante e imperdible; una importante cantidad de imágenes, agrupadas en un conjunto de temáticas que espacian desde el retrato a los paisajes, pasando por retratos a animales muertos, paisajes tecnológicos, casi macros y sobre todo imágenes que muestran miradas que miran en una mareante espiral en la cual quien mira pierde la orientación, hasta llegar a cuestionarse su propio rol en este cuadro de realidad “Escheriana”. A continuación, dejo alguna consideración sobre las series que más me han atraído.
Nuevas imágenes del paraíso
Se trata de imágenes de grandísimo formato que retraen una selva “anónima” en todos sus detalles; se trata de fotografía inmersiva en el sentido que el espectador tiene la sensación de entrar en aquellos lugares y el proceso que se desarrolla no tiene nada a que ver con la contemplación visual, sino que se acerca más a un viaje meditativo o un viaje en el tiempo porque en nuestra mirada no tenemos ninguna referencia que pueda condicionar nuestra perspectiva o juicio.
Esta serie y en particular las imágenes de los laboratorios de investigación espacial, plantas de energía nuclear, laboratorios tecnológicos, quirófanos y plataformas de perforación, son para mí la pieza más fuerte de toda la exposición. El artista ha fotografiado con muchísimo cuidado, detalle, curiosidad y con una fabulosa capacidad de observación y síntesis de espacios complejos: estaciones de trabajo, experimentos científicos e híper-tecnológicos, nuevos desarrollos, investigaciones, procesos de medición e intervenciones que, en algún momento futuro, de forma directa o indirecta, entrarán en nuestras vidas y cambiarán su curso. Se trata de lugares e infraestructuras que normalmente nadie ve porque nadie puede acceder a ellos que, bajo la interpretación visual del fotógrafo, adquieren una insospechable belleza visual hecha de formas, colores y complejidad. Thomas Struth se enfoca en experimentos complejos cuando todavía son prototipos, para transmitirnos la importancia del enfoque “prueba y ensayo” como herramientas para transformar la sociedad contemporánea y explora la estética de la vanguardia tecnológica, la experimentación y la innovación en la actividad humana.
Para mí, la segunda serie más impactante presentada en el Guggenheim es la que retrae los animales tenidos en cautividad y muertos por causas naturales, antes que les hicieron la autopsia en el instituto zoológico Leibniz. La primera sensación que he tenido es de rechazo. Luego me fijé en la dignidad que desprendían estos animales y que fue una clara intención de Struth, a través de poses cuidadosamente buscadas y con una toma desde el alto. Deteniéndome delante de estas imágenes, me fijé luego en pequeños detalles de desgarro en la exterioridad de estos animales que muestran la fragilidad y la sacralidad de la vida, ofreciendo una imagen del pasaje entre la vida y la muerte.
El Gugenheim de Frank Gehry, se mezcla en esta imagen con una escultura de Anish Kapoor y con el puente de La Salve de Juan Batanero, creando un cityscape único para una purple city
Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N. 235
La araña de Louise Bourgeois debería ser símbolo de protección y fertilidad pero, dependiendo de la perspectiva, llega a asumir un inquietante aspecto de depredador
¡Ya es hora de volver a casa! Después de un mes en el Parque Natural de Somiedo y de otro mes en el Alentejo Portugués, vuelvo a casa con una serie de ocho imágenes del Guggenheim de Bilbao. Estas imágenes pertenecen a la serie “Purple Cities”, haciendo un guiño a la mítica “Purple Rain” de Prince. En esta canción, el artista quiso expresar la necesidad de un nuevo comienzo. La ciudad es el laboratorio de nuevos comienzos y de nuevas identidades; es el lugar del anonimato que a veces nos hace sentir libres y otras, profundamente solos; es el supermercado de los deseos; es el paisaje de arquitecturas mutantes.
Bilbao es un bellísimo ejemplo de ciudad que ha sabido transformarse para generar un nuevo comienzo
Hace dos semanas anuncié en este blog “Absolute Sea”, mi modo silencioso de disfrutar del verano, del sol y del mar; los dos últimos viernes, ya publiqué las primeras dos fotos de la serie. Como a menudo ocurre cuando alguien pone su atención en algo, de repente aparecen miles de cosas similares a tu alrededor. Así ha ocurrido con ¡Absolute Sea! Cuando había pensado de publicar las imágenes de esta serie en mi blog, llega a mi casa el boletín mensual del museo Guggenheim de Bilbao, anunciando la exposición “Marinas” de Gerard Richter. Cuando vi sus pinturas en el boletín del museo, me di cuenta de que, de alguna manera y con total inconsciencia, compartía con él algún disparador emocional, alguna visión, quizás alguna idea. Decidí por lo tanto visitar la exposición de Richter para intentar captar algo más sobre esta sorprendente coincidencia y este artículo es el resumen de lo que vi y de lo que me he llevado después de haber visto sus “marinas” y de haberlas relacionadas con las premisas que me han llevado a realizar las imágenes de Absolute Sea. Antes de todo diré para quien tenga la oportunidad de ir, que la exposición en el Guggenheim de Bilbao finalizará el 9 de septiembre. Richter pintó 22 marinas en total, la primera en el 1968 y la última en el 1998. A pesar de llamarse “marinas”, en la mayoría de los cuadros expuestos en el Guggenheim, ¡el cielo ocupa más de la mitad de cuadro! En sus marinas, los horizontes parecen infinitos, a veces el mar y el cielo se fusionan, tanto que se podría hasta dar la vuelta al cuadro y la imagen seguiría teniendo sentido. Un sentido de nostalgia se apoderó de mí, mientras daba vueltas en la sala que les acoge; me preguntaba: ¿nostalgia de qué? No sabría darme todavía hoy una respuesta totalmente satisfactoria. Quizás nostalgia de una Naturaleza sublimada que es al alcance solo de quien mira más allá de la apariencia; nostalgia del ser humano respetuoso de la Naturaleza, porque es consciente de su insignificancia; nostalgia de las referencias espaciales que en las pinturas de Richter se pierden y que nos dejan desamparados. En sus cuadros hay quizás solo tres colores: los azules, los grises y los negros, pero con infinitas variedades de tonos; tanto los colores, como la luz no sirven a guiar nuestras miradas, porque esta plana sobre el cuadro de una manera uniforme y solo cuando nuestra atención se fija en un particular, entonces el color y la luz parecen que se juntan para ayudarte a tener una lectura. Se respira una calma absoluta en sus marinas y en la sala que las contiene. Richter empleabas a menudo la fotografía para retratar sus marinas y se puede intuir que su intención ha sido la de crear una sensación de ambigüedad en el espectador que las miras, que continuamente se pregunta si son fotos o pintura, aunque sabe perfectamente que son pinturas.
El próximo viernes, la tercera cita con mis imágenes de la serie “Absolute Sea”, ¡Prepárate!
Hace dos semanas anuncié en este blog “