Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N.238
Il Venerdí di Photosatriani N. 238
29 Friday Nov 2019
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Tag Archives: Guggenheim
Il Venerdí di Photosatriani N. 237
22 Friday Nov 2019
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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N.237
El Gugenheim de Frank Gehry, se mezcla en esta imagen con una escultura de Anish Kapoor y con el puente de La Salve de Juan Batanero, creando un cityscape único para una purple city
Il Venerdí di Photosatriani N. 236
15 Friday Nov 2019
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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – de la serie “Purple Cities” – Venerdí Photosatriani N. 236
Il Venerdí di Photosatriani N. 235
08 Friday Nov 2019
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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N. 235
La araña de Louise Bourgeois debería ser símbolo de protección y fertilidad pero, dependiendo de la perspectiva, llega a asumir un inquietante aspecto de depredador
Il Venerdí di Photosatriani N. 234
01 Friday Nov 2019
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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N.234
¡Ya es hora de volver a casa! Después de un mes en el Parque Natural de Somiedo y de otro mes en el Alentejo Portugués, vuelvo a casa con una serie de ocho imágenes del Guggenheim de Bilbao. Estas imágenes pertenecen a la serie “Purple Cities”, haciendo un guiño a la mítica “Purple Rain” de Prince. En esta canción, el artista quiso expresar la necesidad de un nuevo comienzo. La ciudad es el laboratorio de nuevos comienzos y de nuevas identidades; es el lugar del anonimato que a veces nos hace sentir libres y otras, profundamente solos; es el supermercado de los deseos; es el paisaje de arquitecturas mutantes.
Bilbao es un bellísimo ejemplo de ciudad que ha sabido transformarse para generar un nuevo comienzo
MARINAS de Gerhard Richter
08 Monday Jul 2019
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Absolute, Absolute Sea, Bilbao, Gerhard Richter, Guggenheim, Marinas, Paintings, Richter, Sea, Seascapes
Hace dos semanas anuncié en este blog “Absolute Sea”, mi modo silencioso de disfrutar del verano, del sol y del mar; los dos últimos viernes, ya publiqué las primeras dos fotos de la serie. Como a menudo ocurre cuando alguien pone su atención en algo, de repente aparecen miles de cosas similares a tu alrededor. Así ha ocurrido con ¡Absolute Sea! Cuando había pensado de publicar las imágenes de esta serie en mi blog, llega a mi casa el boletín mensual del museo Guggenheim de Bilbao, anunciando la exposición “Marinas” de Gerard Richter. Cuando vi sus pinturas en el boletín del museo, me di cuenta de que, de alguna manera y con total inconsciencia, compartía con él algún disparador emocional, alguna visión, quizás alguna idea. Decidí por lo tanto visitar la exposición de Richter para intentar captar algo más sobre esta sorprendente coincidencia y este artículo es el resumen de lo que vi y de lo que me he llevado después de haber visto sus “marinas” y de haberlas relacionadas con las premisas que me han llevado a realizar las imágenes de Absolute Sea. Antes de todo diré para quien tenga la oportunidad de ir, que la exposición en el Guggenheim de Bilbao finalizará el 9 de septiembre. Richter pintó 22 marinas en total, la primera en el 1968 y la última en el 1998. A pesar de llamarse “marinas”, en la mayoría de los cuadros expuestos en el Guggenheim, ¡el cielo ocupa más de la mitad de cuadro! En sus marinas, los horizontes parecen infinitos, a veces el mar y el cielo se fusionan, tanto que se podría hasta dar la vuelta al cuadro y la imagen seguiría teniendo sentido. Un sentido de nostalgia se apoderó de mí, mientras daba vueltas en la sala que les acoge; me preguntaba: ¿nostalgia de qué? No sabría darme todavía hoy una respuesta totalmente satisfactoria. Quizás nostalgia de una Naturaleza sublimada que es al alcance solo de quien mira más allá de la apariencia; nostalgia del ser humano respetuoso de la Naturaleza, porque es consciente de su insignificancia; nostalgia de las referencias espaciales que en las pinturas de Richter se pierden y que nos dejan desamparados. En sus cuadros hay quizás solo tres colores: los azules, los grises y los negros, pero con infinitas variedades de tonos; tanto los colores, como la luz no sirven a guiar nuestras miradas, porque esta plana sobre el cuadro de una manera uniforme y solo cuando nuestra atención se fija en un particular, entonces el color y la luz parecen que se juntan para ayudarte a tener una lectura. Se respira una calma absoluta en sus marinas y en la sala que las contiene. Richter empleabas a menudo la fotografía para retratar sus marinas y se puede intuir que su intención ha sido la de crear una sensación de ambigüedad en el espectador que las miras, que continuamente se pregunta si son fotos o pintura, aunque sabe perfectamente que son pinturas.
El próximo viernes, la tercera cita con mis imágenes de la serie “Absolute Sea”, ¡Prepárate!
Bill Viola y la videoarte emocional
04 Monday Sep 2017
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Hemos llegado a un punto en el cual consideramos la experiencia visual como imprescindible para nuestra experiencia cognitiva. La consecuencia más evidente de esta invasión es que estamos saturados y las imágenes están perdiendo efectividad. Además, en la mayoría de los casos, estas imágenes quieren guiar nuestro pensamiento hacia una interpretación específica. Si esto no lo consiguen con lo visible, habrá seguramente a lado de cada una de estas imágenes, alguna larga explicación “conceptual” que nos… “hace entender” como tenemos que interpretarlas.
Cuando entré en el mundo visual de Bill Viola en el Guggenheim de Bilbao (hasta el 9 de Noviembre), todo lo anterior desapareció. El mundo de Bill Viola es absolutamente sensorial; no se necesita de ninguna explicación y de ninguna palabra, para dar espacio a una experiencia cognitiva perceptiva, emocional y sensorial. Re-tomando unas palabras del mismo autor: “desde lo que yo soy y de lo que yo siento, transformo mi ser en unas imágenes que a vez son capaces de penetrar y romper culturas, mundos personales, historias, vidas y generan más emociones que se transforman en tesoro personal y nos hacen pensar y nos enriquecen”.
He prometido a mí mismo de volver a ver la imperdible retrospectiva en el Guggenheim, comisariada por Lucia Agirre e instaladas en ocho salas del Museo, cuando la horda turística haya bajado de intensidad, para poder disfrutar con mayor plenitud de las obras de videoarte allí instaladas y amplificar las emociones que se generan. Las espectaculares obras de Bill Viola tocan a veces la esencia del sentido de la vida terrenal, exploran conceptos como la muerte o el renacimiento humano después de haber tocado el infierno; por esta razón, sus obras generan en el espectador respuestas profundas y a veces, totalmente inesperadas. En el Guggenheim, se pueden admirar obras cuales: “The dreamers”, “Fire Woman”, “Tristan’s Ascencion”, “Inverted birth”; “The Encounter”, “The Veiling”.
Esta última, aunque no sea tan espectacular como otras, me ha parecido muy íntima y poética y por esto la señalo con especial hincapié. Se trata de una instalación de unas veinte capas de tela translucida, sobre los cuales se proyectan desde los dos extremos, imágenes de un hombre y una mujer acercándose y alejándose de la cámara en varios paisajes nocturnos. Las telas difuminan la luz, de manera que las imágenes son pura presencia en la tela central. Las diferentes capas, hacen que las imágenes asuman una forma tridimensional, que van moviéndose en el espacio oscuro de la sala, permitiendo meditar sobre como una misma realidad pueda ser percibida desde diferentes ángulos y perspectivas. Desde el punto de vista sensorial, la obra genera misterio y descubrimiento, a medida que las imágenes toman forma en las diferentes capas de las telas, para finalmente revelarnos lo que estamos viendo.
Dentro de la exposición en el Guggenheim, hay también un interesantísimo documental de Isabel María, “Tiempos de Tránsito”, en el cual Bill Viola revela su proceso creativo que empieza con el recopilar en un cuaderno que llama “Diario”, cualquier cosa que llama su atención: fragmentos de lecturas, recortes de periódicos/revistas, experiencias personales, ideas. El “Libro de Proyecto” es el cuaderno en el cual toma cuerpo un proyecto específico desde su conceptualización hasta su descripción en los detalles. El “Libro de Producción” es el cuaderno en el cual Bill Viola desarrolla la implementación técnico-práctica del proyecto, llegando a especificar todos los elementos necesarios para luego producir la obra visual: localización, decorado, iluminación, actores, etc…
Una experiencia que me ha “cogido totalmente desprevenido” por la fuerza emocional y sensorial que se vive, presenciando el videoarte de Bill Viola. Sugiero abrazar la fuerza creativa de Bill Viola y entrar en su mundo con: una predisposición mental abierta, la posibilidad de olvidarse del tiempo y un total abandono sensorial. Si se cumplen estas tres premisas, se podrá vivir cognitivamente y sensorialmente algo realmente único; una ascensión a algo que va más allá de lo terrenal.
Pesce Volante al Premio Arte Novara
20 Monday Mar 2017
foto: ©Photosatriani
Entre el 1 y el 9 de Abril, el Complesso Monumentale del Broletto en Novara (Italia), acoge una exposición de las obras seleccionadas para el 16º Premio d’Arte della cittá di Novara, ideado y curado por Vincenzo Scardigno, patrocinado por el Ministerio de la Cultura, Regione Piemonte y Ayuntamiento de Novara. El premio quiere ser un momento de reflexión e intercambio entre artistas, críticos y otros gremios relacionados con el arte, para ofrecer al público una respuesta concreta a la necesidad de difusión del arte contemporánea.
El premio prevé 4 secciones: pintura, escultura/instalación, performance y grafica digital (generación o manipulación de imágenes a través del ordenador).
Mi propuesta “Pesce Volante” (en portada), presentada en la sección Grafica Digital, ha sido seleccionada y estará presente en la exposición. El “Pesce Volante” en cuestión, tratase de un Pterois Volitans (o pez escorpión, debido a las espinas de sus aletas dorsales y pectorales que son venenosas), fotografiado en el acuario de San Sebastián. Sus movimientos son tan elegantes y sosegados que parece que vuele. Para facilitarle este sueño, con un paciente trabajo al ordenador, lo he encerrado en unas “pompas de jabón” que en realidad son las bolas de acero de una escultura 
de Anish Kapoor que está en los alrededores de la entrada del Museo Guggenheim en Bilbao y que he fotografiado una a una, para luego transparentarlas y componerlas apropiadamente para englobar totalmente al Pterois Volitans. Los reflejos que se vislumbran en las “pompas” son el cielo y algunos edificios de Bilbao.
La imagen “Pesce Volante” la utilicé en el ámbito del proyecto Emotionage, para ilustrar el Microrrelato de Asof Man Well: “El pez volador”, toda una metáfora que empuja a soñar y a luchar para que los sueños se hagan realidad y así romper barreras e ir más allá.
A continuación, propongo una galería con una selección parcial de las obras que, juntas con la mía, estarán en la exposición del Broletto en Novara.
Cameraworks, iPAD y Polaroids: la obsesión del espacio de David Hockney
02 Monday Jul 2012
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Bilbao, David Hockney, Guggenheim, Hockney, iPAD, Joiners, Polaroid
David Hockney es un grandísimo artista multifacético por el cual el paisaje ha tenido un papel muy relevante en su trayectoria creativa (http://www.hockneypictures.com/home.php). En el museo Guggenheim de Bilbao, hasta el 30 de Septiembre se puede gustar la exposición “David Hockney: una visión más amplia”, en la cual se pone de manifiesto su gran capacidad de representar la naturaleza, usando técnicas muy diferentes: pinturas al óleo, carboncillos, acuarelas, dibujos realizados con iPad, fotografía. (http://hockney.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/una-vision-mas-amplia/info/).
Fue a ver la exposición en compañía de mi amiga Eva que trabaja en el sector audio-visual y a la cual le gusta pintar y dibujar. Salimos de la visita muy satisfechos, eufóricos y con muchas nuevas ideas en la cabeza, porque creo que la fuerza creativa de Hockney es tan evidente en sus obras que es fácil que se trasmita a las personas que las miran. Yo me quedé impresionado por la palpable obsesión que Hockney tiene para representar (o encerrar) el espacio en sus obras y de las maneras con las cuales intenta que este espacio envuelva al visitante, para que vea lo mismo que el autor veía cuando estaba allí. Paisajes pintados en 60 canvas diferentes, impresiones gigantescas de paisajes pintados usando el iPhone y sobre todo “joiners” enormes de fotografías que forman imágenes que parecen multi-dimensionales.
Hockney descubrió la fotografía en los años 80 y la usó inicialmente como soporte de su pintura, para bocetar y tener referencias para cuando volvía en el estudio. Esto fue desarrollándose gracias a su creatividad y empezó a crear trabajos realizados a partir de múltiples tomas fotográficas (generalmente Polaroids) que producen una gran sensación espacial y de profundidad y en algunos casos hasta una sensación temporal.
Para terminar, me gusta hablar del uso que Hockney ha hecho en su arte del iPAD que usa como un “cuaderno de apuntes” pero también como canvas (a través del aplicación Brushes) para poder fijar con inmediatez una escena que le ha impactado. El resultado son imágenes (¿o pinturas?, que importa!) gigantescas y espectaculares.
No hay que perderse esta oportunidad de ver en Bilbao, todo lo que os he contado, mientras tanto, tenéis la galería en este post.
Revealing the sleepless in Bilbao
02 Friday Dec 2011
Posted in "Emotionage", Architecture, Portfolio
El paseo de la ría en Bilbao es uno de los atractivos turísticos más cotizados en esta ciudad transformada con sabiduría y buen hacer. El foco principal en este paseo es sin lugar a duda el museo Guggenheim cuyas formas sinuosas de titanio son el sello inequivocable de la maestría visionaria de Frank Gery. El paseo es además un museo al aire libre por el hecho de poder mirar edificios históricos de la vieja villa de Bilbao, ejemplos deslumbrantes de importantes arquitectos: Izosaki, Calatrava; de esculturas modernistas y de exposiciones temporales. Un día me acerqué al Guggenheim para interpretar fotográficamente una escultura de Anish Kapoor hechas de bolas (creo de acero) reflectantes posicionada en el “foso” del museo. Mientras me acercaba a primerísima hora de la mañana al Guggenheim, andando por el Paseo de la Ría, me encontré con algo inesperado: la exposición de fotografías “Desvelos” de Angele Etoundi Essamba. Lo interpreté como una sugerencia del destino y entonces decidí combinar las tres cosas en unos trípticos.
Visit the Portfolio section for the full gallery: Revealing the sleepless…If you would like to have the english version of this post, don’t hesitate to ask me! I will be very glad to give it to you, to better understand what happens in Bilbao…
