PhotoEspaña 2019: ver, sintiendo

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Exhibitions, Madrid, PHE, PhotoEspaña

                                              Ver, sintiendo

Un año más, he podido disponer de algo de tiempo para ir a Madrid y visitar PhotoEspaña. Es todo un reto poderlo hacer disfrutando de la oportunidad, debido a la gran cantidad de exposiciones dispersas alrededor de un área para nada pequeña de la ciudad. ¡Así que no hay más remedio que planificarse! Comparto mi manera de hacerlo, dejando para artículos futuros, el análisis de las exposiciones que más me han interesado. El punto de partida es sin lugar a duda la web de PHE19 en la cual se encuentran descritas todas las exposiciones del evento, estructuradas en las cuatro secciones: ¿Déjá Vu?, la Sección Oficial, Festival Off y Sedes Invitadas. Hay que armarse de tiempo y paciencia e ir visitando las diferentes páginas (no vamos a ser facilitados por el sistema de navegación del sitio que está todavía diseñado con lógica de web-paleolítico), anotando en una hoja: sede, horario, fechas, parada de metro, de aquellas exposiciones que suscitan algún interés. En mi caso, este año, he buscado aquellas exposiciones relacionadas a los tres temas fotográficos en los que estoy metido: Naturaleza, Arquitectura y Bodegones. A estas temáticas, he además añadido las exposiciones de autores que no podía perderme. Una vez finalizada esta tarea exploratoria de las diferentes propuestas expositivas, tenía la lista de las exposiciones que me interesaban; un nuevo repaso a la lista, apoyado por visitas puntuales al sitio web PHE, me permitió clasificar las exposiciones seleccionadas, de acuerdo a dos prioridades. El siguiente paso fundamental, es bajarse e imprimirse el utilísimo plano de las exposiciones en el cual he ido redondeando con un círculo todas aquellas exposiciones que había seleccionado como prioridad 1 y prioridad 2. Una vez hecho este trabajo, a un simple vistazo del plano, se puede apreciar la distribución de las exposiciones seleccionadas en el mapa de la ciudad y así es fácil agruparlas por cercanía física. En mi caso están claramente definidos:

1. Un aglomerado principal (en naranja en el mapa que adjunto), perfecto para encajar en el día casi entero que tengo a disposición de las 9h hasta las 16h

2. Tres “archipiélagos” (en azul en el mapa que adjunto), para encajar y distribuir entre las tres tardes a mi disposición, a partir de las 19h: un lunes, un martes y un miércoles (es importante saber los días de la semana y el horario, porque la mayoría de las exposiciones están abiertas del M al D y solo pocas están abiertas los lunes)

3. Un conjunto de cuatro “islas” independientes (en rojo en el mapa que adjunto) que tendré que encajar en el otro medio día a mi disposición

Escribo esta entrada después de haber podido aprovechar de las primeras dos ventanas de tiempo; actualizaré este post, una vez que haya podido también disfrutar del último medio día a disposición. Más abajo, comparto una serie de consideraciones personales sobre las diferentes exposiciones che he podido visitar y las “galardonadas” por Photosatriani.

 

El corazón de todos los PHE

La zona Norte

Bodegones y Naturaleza Muerta

Las Galerías

Completa la Lista

Espero que mi experiencia y mis sugerencias puedan servir para organizar vuestra visita a PHE19 y para optimizar los tiempos. Por encima de todo, no olvidéis de disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente feliz. Cualquier comentario, discrepancia o añadido respeto a mis sugerencias será siempre bienvenido.

20.000 horas de revuelo

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Discapacidad Intelectual, Madrid, PhotoEspaña

La discapacidad intelectual es un mundo infinito en el cual normalmente se entra, cruzando un espejo. ¡Si!, un espejo en el cual antes de todo nos reflejamos las personas que nos definimos “normales” y luego, a través de este “espejo liquido”, accedemos a un mundo increíble, lleno de sorpresas y de misterios. El viaje que nos espera necesita mucha dedicación, paciencia, perseverancia, amor, abertura mental, empatía, pero en el recibimos enseñanzas, perspectivas diferentes sobre la vida y sobre lo que realmente importa, esencialidad, sinceridad y mucho, muchísimo amor. Todo esto lo digo como padre de un chico con Sindrome de Down y es con todo esto en el corazón, que quise visitar la exposición (dentro PhotoEspaña18) “Al borde del aeropuerto” en el Centro Cultural Gloria Fuentes en Barajas (hasta el 28 de Agosto). El autor se llama Antonio Martín “Michael” y es una persona con discapacidad intelectual que por más de 20 años ha retratado sus vecinos del barrio de la Alameda de Osuna en Madrid y sus compañeros del centro ocupacional de Envera. Sus retratos son francos, directos, solares como posiblemente es su manera de ver el mundo y las personas (llego a esta conclusión, extrapolándola desde la perspectiva que también tiene mi hijo hacia el mundo que lo rodea). Para alcanzar el resultado obtenido por Michael, tan desenfadado y a la vez preciso, habrá seguramente ayudado su manera de aproximarse a la gente y la predisposición de la gente a abrirse delante una persona con diversidad funcional.

La característica común de todas las imágenes hechas por “Michael” es que sus modelos están siempre sentados; sería muy interesante entender el porqué de este punto de vista que usa el autor para retratar a sus modelos; además las personas retratadas están sentadas siempre sobre un mismo cojín que el mismo les ofrece.

El conjunto de las imágenes expuestas constituye una excelente memoria visual del barrio y de sus protagonistas, una colección de instantes de vida desde el punto de vista de una persona con discapacidad intelectual, que nos ofrece aquellos instantes que él ha decidido y querido recordar, pero creo que, por encima de todo, las imágenes de “Michael” enseñan las capacidades de esta persona y (como el mismo panfleto de la exposición dice), representan el triunfo sobre el desconocimiento y la incomprensión.

También los modelitos de edificios que se ven en las fotos que comparto, son obra de la paciencia y de las capacidades de “Michael”

 

 

No todo lo que podría revelarse hay que revelarlo

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Blanca Berlín, Museo Romanticismo, PhotoEspaña

No sé cómo arrancar este artículo. Me llegan a la mente un montón de posibilidades, pero ninguna muy convincente: el bombardeo visual al cual estamos sometidos en la era de la fotografía digital, pide a gritos la vuelta a un proceso basado en la tradición en el cual las imágenes se vuelven tangibles y tocables; mi dilema creativo permanente que me columpia periódicamente entre la fotografía a alta definición y la fotografía evocadora; la experimentación fotográfica enfocada a encontrar formas y soportes innovadores respeto a los habituales para inventar maneras alternativas de comunicarse a través de la fotografía. Desarrollar cualquiera de los temas enunciados anteriormente, me permitiría tener un marco teórico y general para luego hablar especificadamente de dos exposiciones que vi en PhotoEspaña 2018 y que en definitiva son el objeto principal de este artículo y la causa de mis elucubraciones con las cuales quería arrancar este artículo. Así que lo mejor es empezar a hablar justo de las dos exposiciones que han sido el origen de todo esto.

En la Galería Blanca Berlín (hasta el 8 de Septiembre), Alberto Ros expone “El camino del tao”. El tao es “el origen”, es un camino circular por el cual todos transitamos hasta ser reabsorbidos por él. Es por lo tanto un concepto muy relacionado con la Naturaleza Madre. Pero no es de la base teórica usada por Alberto Ros para su trabajo, que quería hablar. Lo que me fascinó de esta exposición fue la técnica usada por el artista para obtener sus imágenes. El “clorofilotipo” es un proceso que es parte de la antotipia, que usa extractos de plantas para el revelado a contacto, de las imágenes. En el caso del “clorofilotipo”, se usa la misma clorofila contenida en las hojas, come superficie sensible en la cual revelar las imágenes, a través de un lentísimo proceso de transferencia por contacto de la imagen, desde el soporte fotográfico original a la hoja que actúa como papel fotográfico, gracias a la exposición a la luz solar. El resultado son piezas visuales únicas sobre hojas, que revelan imágenes evocadoras, que generan una sensación de paz y serenidad, a la vez que un deambular de la mente a la búsqueda de algún vivido personal para asociarlo con esa imagen efímera revelada en la hoja y que nos ha obligado a pensar.

En el Museo del Romanticismo (hasta el 23 de Septiembre), expone “La experimentación pictorialista” de Tomás de Acillona. En este caso estamos hablando de fotografía experimental entre el 1920 y el 1950 usando la técnica de la goma bicromatada que de Acillona perfeccionó junto su amigo músico Andrés Isasi. Lo que me gusta pensar es que, a pesar de que los críticos atribuyen a de Acillona más bien méritos por la maestría que había llegado a tener en el proceso técnico de revelado, la colaboración con el amigo músico, había contaminado también al fotógrafo que elegía los sujetos para transmitir determinadas emociones que el sentía y no solo porque necesitaba “material” para refinar su dominio de la técnica de revelado. Es verdad que sus imágenes espacian desde los retratos hasta los bodegones, pasando por el paisaje y hasta el reportaje, en mi opinión, en las imágenes de la exposición comisariada por Mikel Lertxundi Galiana, existe como un factor común hecho de silencio y soledad (para nada negativa).

Poniendo a factor común las dos exposiciones, me parece poder afirmar que en ambos casos se trata de fotografía experimental volcada a conseguir imágenes evocadoras en las cuales el verdadero “revelado” es solo parcialmente obtenido en el proceso técnico; parte de este proceso ocurre en nuestras mentes a través de nuestros pensamientos evocados por algún aspecto visual que ha capturado nuestra atención en la imagen que vemos. De esta manera, nuestras mentes revelan con nitidez algún aspecto y dejan en la vaguedad otros, sumando una nueva unicidad en las ya únicas piezas artísticas que estamos mirando. Este proceso inconsciente, me recuerda mucho el proceso muy consciente que el fotógrafo hace cuando trabaja en una imagen a alta definición para revelar con luz algún detalle que permite subir a dimensiones superiores una imagen de por sí muy bella y dejando deliberadamente en la sombra o en un segundo plano otros detalles que no queremos que se revelen.

Para quien ama la fotografía en soporte no digitale, recuerdo que, cada mes de Mayo, en Vilassar de Dalt y en Barcelona se organiza REVELA’T; en la edición de este año también mi amiga Conchi Martínez ha participado con su Cuaderno de Viaje.

 

 

Disfrutar de PhotoEspaña 2018, sin morir en el intento

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Exhibitions, Exposiciones, PHE, PhotoEspaña

PhotoEspaña es un evento con una magnitud siempre más grande; Madrid sigue siendo la sede principal, aunque este año PHE18 (hasta el 26 de Agosto) tiene hasta 20 sedes en otras ciudades distribuidas geográficamente no solo en el territorio nacional si no en todo el mundo. Aunque nos quisiéramos limitar al solo Madrid, los 64 lugares que albergan las exposiciones son demasiados para poder disfrutar de la totalidad de ellas. Este aspecto, se hace todavía más inmanejable para alguien como yo que no vive en Madrid. ¡Así que no hay más remedio que planificarse! Comparto mi manera de hacerlo, considerando que tenía a disposición un día entero y unas cuatro horas más distribuidas en dos tardes a partir de las 18h.

El punto de partida es sin lugar a duda la web de PHE18 en la cual se encuentran descritas todas las exposiciones del evento, estructuradas en las cuatro categorías: Carta Blanca, Sección Oficial, Festival Off y Sedes Invitadas. La comisaria de esta edición de PHE es Cristina de Middel que ha elegido como tema “el juego”.  Un tema “rompedor”. Jugando se pueden crear realidades imposibles o romper las reglas vigentes y los prejuicios sin sufrir las consecuencias de ser abiertamente revolucionario. Como dice la misma de Middel: “el juego y la fotografía están ambas alejadas de la verdad”.

Volviendo al trabajo de planificación de la visita, como decía con anterioridad, el punto de partida tiene que ser la web de PhotoEspaña; el sitio continúa a ser muy poco amigable, con una navegación compleja y a veces ambigua y sobre todo con unos contenidos sobre las exposiciones que a veces no ayudan en la tarea de entender de antemano lo que nos vamos a encontrar: esto vale tanto para la parte escrita, pero sobre todo por la parte visual: hay muy pocas, poquísimas imágenes de cada exposición.

Una vez finalizada la tarea exploratoria de las diferentes propuestas expositivas, (lleva su tiempo), tenía más o menos claro las exposiciones que me interesaban y aquellas de las cuales habría podido prescindir. El siguiente paso fundamental, es bajarse e imprimirse el utilísimo plano de las exposiciones en el cual he ido redondeando con un círculo azul todas aquellas exposiciones que había seleccionado en el paso anterior.

Una vez hecho este trabajo, a un simple vistazo del plano, se puede apreciar la distribución de las exposiciones seleccionadas en el espacio y así es fácil agruparlas por cercanía física. En mi caso están claramente definidos:

• Un claro aglomerado principal (en rojo en el mapa que adjunto) con un anexo lateral (en marrón)
• Dos otros microcircuitos independientes (en verde y en naranja en el mapa)
• Un punto aislado (en rosa en el mapa)

 

Estos aglomerados me han permitido además definir la prioridad de visita: el circuito rojo primero (con la opción del “anexo” marrón), el circuito naranja como segundo (porque me interesaban las impresiones en hojas, expuesta en la galería Blanca Berlín); el circuito verde como tercero. Definido el macro-orden, el siguiente paso ha sido definir una secuencia dentro del Circuito Rojo; para esto es imprescindible volver al sitio web de PHE para conocer los días y los horarios de abertura de cada exposición. El resultado final de este trabajo es el recorrido que se puede ver en la imagen de arriba.

Escribo esta entrada después de haber podido dedicar el día entero a mi disposición y unas dos horas más, visitando las exposiciones de PHE18 de acuerdo con el plan que me hice. Más abajo, comparto una tabla con los detalles sobre las exposiciones visitadas y mis juicios, de acuerdo con mis personalísimos criterios de gusto e interés. A continuación, las galardonadas (por Photosatriani)…

A las exposiciones visitadas, he añadido la visión de la película “La línea de sombra”, un bellísimo retrato de Alberto García-Alix, un revolucionario visual. Una película hecha con mucho respeto y compenetración, además que con mucho saber hacer por Nicolás Combarro Esta película se proyecta en los Cines Renoir Princesas cerca de Plaza de España (pases a las 16.10-18.30-20.30 y 22.30), vale absolutamente la pena irla a ver (aunque cuando fui, había solo 6 personas en la sala, un pena!)

Espero que mi experiencia y mis sugerencias puedan servir para organizar vuestra visita a PHE18 y para optimizar los tiempos. Por encima de todo, no olvidéis de disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente feliz. Cualquier comentario o añadido respeto a mis sugerencias, será siempre bienvenido.

 

SOROLLA y la LUZ: cuando pintura y fotografía se encuentran

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Madrid, PHE, PhotoEspaña, Pintura, Sorolla

 

Foto by Photosatriani

Este año el Museo Sorolla (un rincón de paz y de luz en una Madrid enfocada) es una de las sedes de PHE. La razón es la exposición “Sorolla en su paraíso” (hasta el 1 de Octubre, comisario Publio López-Mondéjar) que, a través de unas fotografías de gran calidad, ofrece una visión íntima y sorprendente del “paraíso” familiar y laboral del gran pintor. Una especie de biografía visual, sentimental y artística que ayuda a entender la “visión fotográfica” que Sorolla tenía en su manera de ver.

Los cuadros de Joaquín Sorolla me han siempre atraído por la manera con la cual el artista pone a la luz como gran protagonista; una luz que me lleva derecho al Mediterráneo con sus olores y sus colores intensos y saturados. Cuando estoy delante de un cuadro de Sorolla o cuando se entra en lo que fue su último estudio, parece que se está en la playa junto con sus modelos o sobrevolando la escena pintada. Otro aspecto “fotográfico” que ha hecho que las pinturas de Sorolla me han siempre llegado con intensidad, es la perspectiva que normalmente elije en sus cuadros. Es una perspectiva muy dinámica, que acentúa la cotidianeidad de las escenas retratadas y que contribuye a sentirse como parte de aquel momento de vida. La exposición fotográfica de alguna manera nos ofrece justo este punto de vista: la oportunidad de ver el “making-of” de algunos de los cuadros más representativos del pintor.

Lo que esta exposición me ha permitido, es transformar mis percepciones en conocimiento, visto que he podido profundizar en la relación que Sorolla tuvo con la fotografía. Más que una relación fue una compenetración. Cuando el pintor tenía unos 18 años, un amigo suyo, le presentó al fotógrafo Antonio García Peris que parece necesitaba un ayudante y decidió contratarle; con el pasar del tiempo Peris acogió Sorolla en su casa (el pintor se quedó huérfano con solo dos años y vivía con sus tíos) y le facilitó la posibilidad de dedicarse a la pintura y le introdujo en los círculos artísticos de la ciudad; junto con el fotógrafo, Sorolla experimentaba en su estudio con la luz y con el retoque. El gran amor, fuente de inspiración y esposa de Joaquín Sorolla (Clotilde) era la hija de Antonio García Peris.

Antonio García Peris-1906

Quería destacar la imagen de la portada de este artículo (que está incluida en la exposición del Museo Sorolla), cuyo autor es Antonio García Peris. Se trata de una escena familiar alrededor de una mesa de una belleza estremecedora tanto por la luz, como por la puesta en escena y la composición; para mí una verdadera obra maestra, considerando además que la toma es del 1907.

El otro grande fotógrafo con el cual Sorolla se vinculó cuando ya se mudó a Madrid con toda su familia, fue el Danés Christian Franzen (un importante retratista de la época), al cual Sorolla dedicó este bonito retrato y con el cual colaboró en algún proyecto.

Sorolla se sirvió además de la fotografía para fijar en sus cuadros el invisible o lo fugaz que normalmente escapa a nuestra mirada o que se diluye con el pasar del tiempo. La exposición no muestra este aspecto, si no el contexto y los escenarios en los cuales Sorolla desarrollaba su vida y su trabajo. Se trata de unas 60 imágenes entre las cuales hay muchos retratos del pintor, pero también escenarios en los cuales Sorolla iba instalando su caballete para pintar sus cuadros, fotos familiares, etc. Este link os da la oportunidad de tener una buena idea de lo que se puede disfrutar en la exposición en el Museo Sorolla. Propongo a continuación otra evidencia de la importancia que la fotografía hubo en la vida de Sorolla; se trata de una retrato que hizo a su hija María en la playa de Biarritz, en el cual la mujer tiene en mano una cámara fotográfica.

Un último apunte; Sorolla también coleccionó fotografías que ahora son parte de los fondos del Museo. En el ámbito de PHE17 (hasta el 20 de Junio), en la Casa de América ha habido una exposición de imágenes de paisajes de Estados Unidos hechos por Carleton Watkins y que Sorolla recibió en regalo del fundador de la Hispanic Society .

Desde la página web del Museo Sorolla, se puede descargar gratuitamente el primer volumen de un interesantísimo catálogo sobre la colección de fotografía antigua conservada en el museo.Fotografia Museo Sorolla

 

 

Photoespaña XX: como organizarse para optimizar la visita

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Jardin Botanico, Madrid, PHE, PhotoEspaña

 

Este año PhotoEspaña (31 de Mayo–27 de Agosto) cumple 20 años; un hito muy importante para una manifestación que ha alcanzado una grande resonancia nacional e internacional. También este año he conseguido estar en esta cita que para mí se traduce siempre en un torbellino visual. Realizar mi visita anual a PhotoEspaña, depende de una combinación de muchos factores que, para poderse dar, necesitan mucho trabajo previo y una capacidad extrema de encaje. Esto, por un lado me permite disfrutar con más intensidad de las exposiciones que consigo visitar, por otro lado pero, el tiempo que dispongo es muy limitado respeto a la envergadura del evento y necesito optimizar el tiempo y tomar dolorosas decisiones para descartar alguna exposición (además de renunciar a todas las actividades colaterales que se organizan para el público). Limitándome únicamente a la sede principal de Madrid (hay otras sedes en España y en otras naciones), esta tarea se ha hecho todavía más compleja este año, debido al XX aniversario: el número de exposiciones ha crecido notablemente y están distribuidas en unas 45 sedes diferentes; además de las históricas secciones Oficial y Festival Off, se ha añadido la sección Carta Blanca que ha sido curada por Alberto García-Alix.

 

Comparto aquí los criterios que he aplicado para optimizar la visita y maximizar el número de exposiciones visitadas, con la esperanza que os puedan servir para facilitar la toma de decisión en vuestra visita. En mi caso disponía de un día entero en Junio, algunas tardes a partir de las 19h y un medio día en Julio

Para poder planificar en el detalle la visita, es imprescindible bajarse el plano de la exposiciones e ir husmeando las diferentes exposiciones, navegando en el sitio web de PHE que desafortunadamente (es un fallo importante de esta edición) no proporciona buenos contenidos visuales (mucho texto y muy pocas imágenes para poderse hacer de antemano una buena idea de cada exposición). Lo ideal sería disponer de la Guía PHE que desafortunadamente no se puede adquirir a través de la página web (aunque sea en formato digital); se puede comprar solo en los puntos librería de PHE en Madrid (9.50€).

Disponiendo de este conjunto de información, el problema que se pone es: “qué criterios aplico para seleccionar las exposiciones que voy a ver? Cuáles descarto?” Después de haberlo intentando de diferentes maneras, creo que lo mejor es organizar el tour por contigüidad física de los diferentes espacios expositivos. Como se puede ver en el mapa anterior, personalmente he dividido el mapa en tres zonas A-B-C y, en función de mis criterios (y de la info recopilada en newsletters artísticas) he señalado las expos en el mapa en rojo (MUST), negro (NICE TO GO) y dejando sin señalar aquellas que me parecían prescindibles. Las exposiciones que han quedado fuera de estas tres áreas también las he señalado en rojo o negro para organizar visitas específicas, aprovechando los huecos de disponibilidad que disponía por las tardes. Usar el criterio de contigüidad física de los espacios expositivos, nos permite además limitar bastante el impacto de un factor que quizás muchos no consideran como importante y que pero al final va a condicionar muchísimo nuestra capacidad de realización del plan diseñado cómodamente en nuestra casa: el calor infernal que podemos encontrar en una Madrid veraniega; a mí me han tocado temperaturas máximas de unos 36-40 grados y os aseguro que no es una broma deambular por las calles de Madrid con estas temperaturas, a pesar de agua, protector solar, gorro, etc…

 

En la tabla de abajo, he hecho mis recomendaciones, de acuerdo a mis personales criterios de gusto e interés; la lista incluye todas aquellas exposiciones que seleccioné como merecedoras de una visita, pero he valorado únicamente aquellas que he podido visitar hasta el día de hoy. Espero que mi perspectiva pueda servir para organizar vuestra visita a PHE17 con el objetivo de optimizar los tiempos pero sobre todo para disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente dinámico y feliz. Cualquier comentario o discrepancia respeto a mis sugerencias, bienvenida sea! Estaré encantado adjuntarla a esta entrada para proporcionar puntos de vistas diferentes.

Los dípticos que ilustran esta entrada son de Photosatriani y representan un paralelismo visual de dos espacios mágicos en Madrid: el Jardín Botánico y un sitio multi-uso ubicado en Malasaña: el Paracaidista; ambos dos acogen exposiciones de PHE17. ¡A disfrutar!

Miroslav Tichý: una historia, muchas imágenes y la evocación

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Evocación, PhotoEspaña, Poesía, Romanticismo, Tichý

La sensación de plenitud que la mayoría de las personas alcanza percibir cuando la Vida nos regala lo que yo llamo un “cruce mágico”, constituye para mi uno de los instantes que merecen ser perseguidos con abnegación y que recompensan de mucha “ordinariedad” (quiero decir, de muchas cosas ordinarias) que tenemos que tragar. Esto es lo que sentí cuando entré en el Museo del Romanticismo en Madrid y descubrí a Miroslav Tichý y su fotografía, gracias a la exposición organizada allí por Photoespaña (abierta hasta el 28 de Agosto). Llego algo tarde, lo se…Tichý saltó a la fama mundial en el 2004…pero ¡qué importa! No se trata de llegar primero, segundo o último, se trata de sumar al bagaje personal tanto como fotógrafo que como persona, un fragmento de belleza que enriquece y me hace sentirme mejor. Lo que me ha cautivado de Tichý han sido por supuesto sus imágenes evocadoras, resultado de una mirada incisiva y original de la cotidianeidad de la vida, pero también la historia que hay detrás y la persona Miroslav Tichý, un hombre que desarrolló una profunda y arraigada filosofía, fundamentada por la cultura, el arte, la sensibilidad y el anti-conformismo.

Miroslav Tichý antes de llegar a la fotografía, frecuentó la Escuela de Bellas Artes en Praga; nunca llegó a completarla, porqué mientras tanto, se estableció el régimen comunista que impuso a los artista un enfoque que Miroslav no compartía. A partir de allí se hizo siempre más evidente el choque frontal con el “estatus quo” que se iba estableciendo; Miroslav se transformó entonces en un espíritu libre, excéntrico, independiente, rozando la locura; elije una vida al límite y se conforma vivir en una chabola de madera en su ciudad Kyjovn en la Republica Checa. Todo esto le permite ser tolerado por el régimen, que lo deja vivir marginado y que lo obliga a pasar unas temporadas en psiquiátricos o cárceles, para quitarse del medio su figura que amenazaba la perfección aparente que el régimen quería mostrar públicamente, sobre todo durante manifestaciones en las cuales participaban representantes de la jerarquía gubernamental. En los años Cincuenta, Tichý descubrió la fotografía y empezó a desarrollar su propia visión, incluyendo el hecho que era el mismo que se construía sus propias cámaras y lentes con material de desecho, que intervenía con lápiz en las fotos reveladas, que sobrexponía y desenfocaba y que ha utilizado (quizás sin voluntad directa) el tiempo como un elemento más para deteriorar sus imágenes y de esta manera añadirle un mayor componente de evocación. La imperfección que crea poesía.

Cuando la fotografía se convierte en su misión, decide hacer cien fotos cada día; por lo tanto, cada día, sale a darse un paseo por su pueblo para hacer foto de lo que es el “mundo” (como el mismo dice en el maravilloso e imperdible video que Roman Buxbaum ha hecho sobre este artista); a juzgar de las imágenes, parece que su perspectiva del mundo estaba muy condicionada y cercana a la mujer. La casi totalidad de sus fotografías tienen como protagonista las mujeres.

Existe un claro paralelismo entre la poesía y la fotografía de Miroslav Tichý. La poesía es un género literario que, por medio de la palabra, evoca sentimientos, emociones, sensaciones y genera reflexiones y pensamientos. En la poesía se usan elementos de valor simbólico para generar imágenes, que necesitan de una actitud activa por parte de quien lee los poemas para poder captar el mensaje. Las imágenes de Tichý derivan de un concepto evocador de la fotografía. Como el mismo dice: “reconocemos solo lo que podemos y queremos reconocer”; sus imágenes provocan pensamientos, nos obligan a entrar en nosotros mismos, en nuestra memoria, en nuestro vivido, para poder evocar lo que las imágenes nos trasmiten. En este proceso, nuestro ánimo se llena de nostalgia, de recuerdos y de esencial y se le ofrece extraer de lo que ve borroso, sobrexpuesto, desenfocado en las imágenes de Tichý, una clarísima y dulcísima sensación de bienestar. El fotógrafo y el observador de su obra entran en sintonía y por un momento se tiene la sensación que su imagen es tu imagen y que tu vida ha sido lo que él ha congelado en sus fotos. Tichý decía: …”yo no existo en absoluto, soy simplemente una herramienta de percepción…”. Tichý lleva las imágenes a un sugerente lugar en el cual todos nos parecemos y nos reconocemos; la Fotografía de Miroslav Tichý es la más clara demostración que la poética de una imagen no nace de una cámara fotográfica si no de la mirada de la persona que está detrás de ella.

En el 1981, un vecino de Miroslav Tichý, que fue también su psiquiatra, Roman Buxbaum, empezó a entrevistar, a documentar dichas entrevistas y sobre todo a preservar el trabajo deteriorado; al mismo tiempo, trabajó para que se diera a conocer la obra de este artista. Desde entonces, solo en el 2004 (7 años antes de la muerte de Tichý) y gracias al curador suizo Harald Szeemann, se presentó al público su obra en la Biennale de Sevilla; a partir de allí la obra de Tichý cautivó a todos y se llegó a exponer hasta en el Centro Pompidou en París y en el Center of Photography in New York. Miroslav Tichý a pesar de que su obra había alcanzado notoriedad mundial, quedó fiel a sus principios, en ser anti-conformista y “anti-establishment”; rechazó la fama, el dinero, los premios y los paripés y se quedó en su casa llena de imágenes y de muchas otras cosas, en su pueblo Kyjov, del cual supo retratar la esencia de lo que ocurría, tomando siempre las mujeres como sus únicas musas.

Esta historia me cautiva pero también me genera rabia; seguramente nos hace reflexionar entre el dualismo entre ser artista y ser un artista reconocido. … ¿que quiere decir precisamente “reconocido”? ¿Reconocido por quién? ¿Quién se otorga la autoridad de reconocer a un artista? ¿Cuáles son los criterios que usa? ¿Cuánta subjetividad existe en estos criterios (si de criterios podemos hablar)? Todo esto me recuerda el relato visual “El escultor” que leí el año pasado en el cual un galerista decía a un artista: “crees de verdad que existe un “artometro” omnipotente que divide el bueno de lo malo? Es todo malditamente subjetivo, siempre lo ha sido y siempre lo será”.

Una persona que ha vivido su vida sin pedir nada, preservando su libertad y su pensamiento mientras el resto del mundo lo consideraba medio-loco y lo marginaba; una persona con una sensibilidad y profundidad de pensamiento excepcional, reversaba todo su ser en hacer fotografías con cámaras hechas por el mismo, usando materiales de deshecho. Una persona así ha generado una herencia para todos hecha de imágenes evocadoras en las cuales todos nos reconocemos o a través de las cuales, visualizamos nuestros recuerdos o nuestras nostalgias. Esto debería ser suficiente para que su obra fuera conocida y difundida, porque disfrutando de ella, nos ayuda a todos a ser mejores personas y a facilitar que nos conozcamos mejor, más allá de las apariencias, de las hipocresías y de la superficialidad. La obra de Miroslav Tichý conseguió (aunque muy tarde y a pesar de su voluntad) esta notoriedad; una gota en la infinidad del mar de los anónimos que hacen arte para sigo mismo, para sentirse mejor, para expresar la interioridad, para superar conflictos interiores o simplemente para el gusto de hacerla. En este sentido, Miroslav Tichý es sin lugar a duda el artista de los artistas…aunque él, conforme a su anti-conformismo, prefería autodefinirse un “Tarzán jubilado”.

En 1992, el pintor austríaco Arnulf Rainer visitó a Tichý y le pidió comprar algunas de sus obras. Tichý se negó a aceptar dinero y le propuso un trueque: una pintura de Rainer, a cambio de una fotografía. A partir de allí, muchos más artistas quisieron hacer lo mismo. Visto lo visto, Roman Buxbaum fundó entonces The Tichy Ocean Foundation, que se basa en el concepto de intercambio. Artistas de todo el mundo donan sus obras a cambio de fotografías de Miroslav Tichý.

Antes de acabar este post-homenaje, quiero añadir una cosita más: os invito a volver a leer cuanto he escrito o a mirar las imágenes de Tichý, poniendo la bellísima balada que Nick Cave ha querido componer y dedicar a Miroslav Tichý; una pieza que en mi opinión encierra en su ritmo y en sus palabras muchas de las sensaciones que las imágenes de Tichý evocan en nuestras cabezas cuando las miramos.

NosoloPhotoespaña: un recorrido artístico-visual por Madrid

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Europa, Fotografía, Madrid, PhotoEspaña

La cita anual con PHOTOESPAÑA es un “must” que intento cumplir religiosamente, organizando trabajo y familia para alcanzar este codiciado “espacio-tiempo” muy personal. Este año el “leitmotiv” de la cita anual con la fotografía en España (hasta el 28 de Agosto) es “Europas”. Un tema muy pertinente, considerando la situación de nuestro “viejo” continente; es una oportunidad para que se reflexione sobre este sentimiento de pertenencia y sobre la cultura y los valores que nos acomunan. Es cierto que la política, la burocracia, los egoísmos, el cortoplacismo y la gestión de la democracia que hacen nuestros políticos, nos están haciendo alejar de estos sentimientos de comunidad; nos hacen percibir más el peso de los deberes y de los controles, que la belleza de un espacio común de libertad. A mi juicio y en base a las exposiciones que he tenido tiempo de ver, PhotoEspaña enfoca el tema “Europas” sin conseguir un desarrollo completo; hay muchas incongruencias y alguna exposición que no tiene nada a que ver con el tema central. En cualquier caso, si se prescinde de la inflexibilidad en el juicio, hay que decir que en Madrid nos podemos dar un baño de fotografía, y no solo! De hecho, además de la fotografía y quedándonos en el arte visual, hay dos exposiciones imperdibles: El Bosco (en El Prado) y “Caravaggio y los pintores del norte” en el Museo Thyssen.

A continuación, presento los diferentes lugares expositivos (en el mismo orden con el cual los he visitado), comento brevemente las diferentes exposiciones que allí se encontraban y las categorizo de acuerdo a mis criterios artístico-emocionales y usando la siguiente escala: Perdible (se puede hacer a menos de ir), Aconsejada (se debería ir porque el tema, la calidad de las imágenes o la instalación merecen la pena ser vistas), Imperdible (no se puede absolutamente perder por las evocaciones que genera y por el transporto emotivo que provoca).

Fundación Canal – Vivian Mayer. Street Photography (hasta el 16 de Agosto). Ya había visto en Valladolid en el 2013 una expo sobre esta “nanny-fotógrafa”. Una anónima, invisible que fotografiaba a anónimos e invisibles, que en 2007 (a solo dos años de su muerte), una carambola del caso, catapultó a la fama mundial. Aconsejada.

 

Conde Duque – ¡A las puertas del paraíso” (hasta el 4 de Septiembre). Trata el tema actual que quema nuestras conciencias y que la política no sabe gestionar: los flujos migratorios. Como dice el comisario de la exposición, los fotógrafos que están en las fronteras Europeas, son testigo de otro naufragio del reportaje tradicional porque, no solo existe competencia entre ellos, sino también con las agencias de prensa, con los turistas y con los mismos migrantes que relatan con sus móviles su propia odisea. Los 5 fotógrafos que componen esta exposición, ofrecen una visión reportero-conceptual del fenómeno. Aconsejada.

Blanca Berlín- Jürgen Schadeberg (hasta el 30 de Julio). Una serie de fotografías tomadas sobre todo en Sudáfrica, durante el periodo del apartheid. Aconsejada.

Museo del Romanticismo – Miroslav Tichý (hasta el 28 de Agosto). Me doy siempre más cuenta que soy un romántico empedernido…esta exposición es el máximo de los máximos: una historia bellísimas, unas imágenes altamente evocadoras y por lo tanto sublimes, una revolución personal que se debería hacer global. Hablaré con calma de esta maravilla en una futura entrada pero que nadie se quede sin verla! Imperdible.

Fundación Telefonica – Tras los pasos de Inge Morath (hasta el 2 de Octubre). Entre el 1958 y el 94, Inge Morath fotografió repetidamente la vida alrededor del Danubio. En el 2014, 8 mujeres fotógrafas, sus hijas, un pequeño equipo de apoyo, una canguro, después de haberse financiado a través de una campaña de crowdfunding, viajaron por un mes desde el nacimiento del Danubio hasta su desembocadura, siguiendo el espíritu de Inge Morath. Esta exposición es el resultado de este viaje fotográfico en la cual se presentan las visiones de las 8 fotógrafas, además de las fotografías de Inge Morath. Aconsejada.

CentroCentro – Rostros (hasta el 28 de Agosto). Se trata de una recopilación de imágenes que permite examinar la evolución del retrato fotográfico en Europa a partir del 1990. Aconsejada.

Casa de América – José A. Figeroa + Cartografías intimas (hasta el 31.7). José A. Figueroa presenta una visión de un cubano que visita y retrata lo que ocurría en Berlín Este en los días en el cual el muro caía y las dos ciudades volvían a ser una. Aconsejada. Cartografías Íntimas es la exposición de los ganadores de los visionados en Transatlantica, un foro de fotografía para Latinoamérica. Un “poutpurri” de imágenes, algunas muy interesantes, otras menos. Perdible.

Fundación Mapfre – Hiroshi Sigomoto. Black Box (hasta el 25 de Septiembre). Esta exposición no está dentro PhotoEspaña pero es seguramente Imperdible, por la poesía tanto visual como técnico-conceptual que el Maestro consigue encerrar en sus imágenes.

Lucía Mendoza- Christian Voigt. Inner Landscapes/Paisaje Interior (hasta el 28 de Julio) paisajes sobrecogedores, obtenidos con una superposición de treinta exposiciones de la misma imagen. Aconsejada

Círculo Bellas Artes (hasta el 25 de Septiembre). Louise Dahl-Wolfe, el fotografo de Harper’s Bazaar que supo revolucionar la fotografía de moda. Aconsejada. Federico Clavarino. The Castle. Perdible. Transiciones, 10 años que trasformaron Europa. Se trata de los años entre cuando Margaret Thatcher fue elegida primera ministra del Reino Unido (empezando el derrumbamiento ético, moral, financiero etc…que produjo la actual crisis) y el año en el cual caía el muro de Berlín, un acontecimiento que inyectó en la gente esperanza e ilusión. Estos mismos años (’79-’89) fueron también los años en los cuales se dió origen a lo que ahora es Internet. La idea guía de la exposición es muy bonita, pero su desarrollo visual no es a la altura. Diría Perdible aunque creo que por el tema y para tener la ocasión de pensar en los orígenes de lo que hoy estamos sufriendo, digo Aconsejada.

Museo ICO-Robbin&Becher. Desplazamientos (hasta el 11 de Septiembre). El absurdo, la uniformidad y la fealdad de “las catedrales en el desierto” que el mundo occidental construye. Una serie a parte y muy, muy interesante es sobre los Black Cowboys. Aconsejada.

Museo del Prado. El Bosco: V^o centenario (hasta el 11 de Septiembre). Un huracán de colores, formas, creatividad, sensaciones, imaginación, irreverencia, belleza y bella fealdad que merece una entrada a parte. Imperdible.

 

Para acabar este largo recorrido: La Fabrica-Cristina de Middel. Antipodes (hasta el 31 de Julio). Perdible

Constelaciones de lo intangible

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Fundación Telefonica, González Palma, Guatemala, PHE, PhotoEspaña

Ver la exposición de PhotoEspaña que tiene el mismo nombre con el cual he titulado este post, era un objetivo imprescindible para mi desde cuando vi el panfleto. “Constelaciones de lo intangible”, un título fascinante y evocador que me hizo pensar en la representación del invisible que es un tema muy presente en mi ser: la búsqueda del silencio, el descubrimiento de la belleza en las cosas que pasan inobservadas, la memoria hecha melancolía, son aspectos que están en mí, que intento representar en mi fotografía y que espero profundizar en el próximo futuro.

Esta semana tuve la oportunidad de ir a la Fundación Telefónica en Madrid y disfrutar de esta exposición, de impecable instalación y comisariada por Alejandro Castellote. Es una exposición multi-sensorial que entre en sintonía con las imágenes de Luís González Palma (Guatemala, en la actualidad vive en Argentina) que exploran posibilidades técnicas y materiales diferentes: papeles de arroz, hilos, papel de estaño dorado (pan de oro), fieltro, pintura, texto, periódicos; el autor propone también algo que podríamos definir “esculturas fotográficas”, el todo enriquecidos con música de guitarra “live” en la misma sala de exposición.

Sus imágenes a veces intentan superar la bidimensionalidad de la fotografía, tienen todas tonalidades calientes que llevan la mirada a la introspección, a la búsqueda de sensaciones universales que acomunan cualquier ser humano. Las miradas de sus retratos son de una belleza infinita y a la vez efímera, sus imágenes (a veces surrealistas) de interiores o sus paisajes, son paradigmas de realidades paralelas.

Video-entrevista a Luis González Palma

Video hecho con mi blackberry del recorrido por la sala Fundación

El comisario no ha usado la cronología como línea guía para estructurar la exposición, si no, como el mismo afirma, la circularidad del mensaje que los diferentes trabajos de Luís González Palma tienen embebido; dicha circularidad encuentra su máxima expresión en un montaje realizado en un rincón de la sala que me ha recordado los círculos enigmáticos de Stonehenge.

Cuando estaba en el medio de aquel círculo, una extraña energía me empujaba a girar sobre mi mismo y este es el resultado visual de aquel momento, que he podido recoger únicamente con la limitada calidad de mi cámara del móvil…

Sorprendentemente, la de la Fundación Telefónica no es la única exposición dedicada a Luís González Palma en el ámbito de PhotoEspaña! También mi galería preferida en Madrid, Blanca Berlín, dedica mitad de su sala a las imágenes de este fotógrafos; allí la misma Blanca Berlín me explicó que el efecto que tienen algunas de las imágenes que parecen empapeladas con pan de oro, se obtiene a través de un proceso en el revelado por contacto, que aprovecha la peculiaridad de la película pancromática que deja traspasar lo que haya atrás en las zonas claras de la imagen mientras que en las zonas obscuras, no.

Resumiendo, a pesar de haber tenido grandes expectativas sobre esta exposición, el visitarla, no solo ha permitido satisfacer estas expectativas si no más bien, superarlas; la multi-dimensionalidad que se respiraba en la sala, los tonos chocolate de las imágenes y la exploración de la exploración con la cual Luís González Palma ha hecho sus trabajos, me han llenado emotivamente y esto, se sabe, es la base para enriquecerse.

La próxima semana, el post estará dedicado a los ganadores del último Photosatriani of the Month. ¡¡¡Suerte a tod@s!!!

PHE15, dedicado a Latinoamérica

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Madrid, PHE, PhotoEspaña

Un año más he podido cumplir con la esperada cita de PhotoEspaña (este año es para mí la edición decimoquinta de las dieciocho que han tenido lugar), dedicada de forma monográfica a la fotografía latinoamericana (del 3 de Junio hasta el 30 de Agosto). Creo que hay 69 lugares distribuidos en la geografía Madrileña para disfrutar de alguna exposición, así que se necesitan muchos días para poder visitarlas todas. En mi primer recorrido por PHE15, he circunscrito mi andar al “corazón” de la Villa: entre Plaza de España y Plaza de Cibeles y estas son mis principales anotaciones.

Korda, retrato femenino. Antes de todo destacaría el Museo Cerralbo, una pequeña joya que merece una visita de por sí. Los retratos al femenino del autor del mítico retrato “al Che”, delatan la auténtica pasión de Korda por el universo femenino e nos enseñan la importancia y la esencialidad del uso de la luz natural en este tipo de fotografía.

Develar y detonar. Fotografía en México, ca. 2015 en CentroCentro Cibeles, nos revela un poliédrico puzzle de fotógrafos Mexicanos donde las diferentes propuestas, pueden chocar entre sí, pueden contradecirse o pueden columpiarnos entre opuestos…pero al final, cuando se sale de la sala, se tiene la sensación de haber abarcado un completo abanico que tiene un hilo conductor invisible. En una planta diferente del mismo centro, hay otra exposición Latin Fire. Otras fotografías de un continente. 1958-2010 más enfocada a la fotografía social: revoluciones, movimientos populares, luchas sociales, decadencia, vida nocturna; todos unidos por el hecho que si la fotografía no hubiera rescatado aquellos instantes, se habrían transformado en silencio. Latinoamérica es cambio permanente y por lo tanto ser latino, necesita una actitud que necesariamente tiene que andar de acuerdo con este precario equilibrio.

Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos, en la Casa de América, un interesante montaje que puede ser interpretado como un inventario o un atlas de imágenes de autores, estilos, naciones diferentes, que se encuentran gracias a un hilo conductor constituido por los versos de unas canciones de diferentes estados latinoamericanos; a través del estado de ánimo generado por estos versos, las imágenes parecen dialogar entre sí.

En el Círculo de Bellas Artes, hay 3 salas con exposiciones de PHE15. Ana Casas Broda. Kinderwunsch (traducido del alemán: Desiderio de tener hijos); se trata de un trabajo muy personal e intimista sobre muchos aspectos relacionados con la maternidad. Una exposición donde las fotografías dialogan con escritos, pensamientos y vicisitudes vividas por la autora. Ecuador: la irrupción en la Amazonía, fotografías de comienzo del 1900, pertenecientes al Vicariato Apostólico Salesiano en la Amazonía Ecuatoriana sobre la penetración occidental de la selva Amazónica. Lola Álvarez Bravo una retrospectiva dedicada a esta prolífica fotógrafa mexicana.

Fuera del circuito PHE15 pero organizada por el Círculo Bellas Artes en la Sala Juana Mordó (una salita a lado del cine), está una de estas exposiciones que te encuentras por casualidad y que al final te atrapan más de cualquier otra. Se trata de Cabañas para pensar, basada en un trabajo de búsqueda e investigación de Eduardo Outeiro; en ella se presentan fotografías, herbarios de los lugares, planos, maquetas, de las cabañas que algunos autores muy conocidos usaban para encontrar el silencio y la inspiración y poder llevar a cabo sus obras. Estamos hablando entre otros de: Martin Heidegger (filosofo), Gustav Mahler (compositor), George Bernard Shaw, Virginia Woolf y Lawrence de Arabia. Me ha encantado la exposición porque trata sobre la esencialidad del silencio positivo, del recogimiento, del ensimismamiento en el proceso creativo. Una vez que la inspiración ha hecho su trabajo, la parte más difícil, es materializar la idea evitando desvíos o compromisos que surgen cuando el genio del pensamiento encuentra la terrenidad del suelo  En esta delicadísima fase, el silencio es como una burbuja de aire en el vacío de la cotidianeidad; todo el material propuesto en la exposición, ayuda a entender este orden mental y esta dimensión espiritual.

En la sala de la Comunidad de Madrid (Alcalá 31), está seguramente la exposición más esperada y concurrida de todo PHE 15: Chema Madoz 2008-2014. Las reglas del juego. Quien entra allí, entra en el “mundoMadoz”, una dimensión paralela a nuestro mundo: onírica, poética, irónica, conceptual, siempre hecha con gran sensibilidad e inteligencia.

En el Museo ICO, me encontré con la segunda, grande sorpresa muy agradable de este recorrido por PHE15: Construyendo mundos. Fotografía y arquitectura en la era moderna, una exposición colectiva de grandísimo alcance y con 250 imágenes de altísima calidad y valor que llevan a reflexionar sobre el mundo en el cual vivimos, a través de la arquitectura. Es un recorrido cronológico sobre la relación simbiótica entre arquitectura y fotografía, que atrapa, conquista, maravilla, hace pensar, porque muestra como la arquitectura condiciona nuestra manera de vivir o como a veces llega hasta a acosarla, extinguiendo costumbres y creando nuevas. Si tuviera que elegir una exposición, ¡quizás elegiría esta como imperdible! Es que no es para nada fácil encontrar las fotografías de 18 relevantes fotógrafos de arquitectura en una única exposición.

Es posible que en Julio tenga una segunda oportunidad para dar otra vuelta para las demás exposiciones de PHE15; seguramente no quiero perderme la que está en la Fundación Telefónica. Las demás que me faltan por ver se agrupan en cuatro zonas de la ciudad: Conde Duque, Atocha, Colón, Embajadores…va a ser muy complicado tener que seleccionar…pero lo tendré que hacer, por pura sobrevivencia! Si algún lector quisiera recomendar alguna, se lo agradecería un montón, para tener un criterio de selección y facilitarme la preparación del plan.

La próxima semana, el post estará dedicado a los ganadores del mes de Junio de Photosatriani of the Month…suerte a todos!