SOROLLA y la LUZ: cuando pintura y fotografía se encuentran

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Madrid, PHE, PhotoEspaña, Pintura, Sorolla

 

Foto by Photosatriani

Este año el Museo Sorolla (un rincón de paz y de luz en una Madrid enfocada) es una de las sedes de PHE. La razón es la exposición “Sorolla en su paraíso” (hasta el 1 de Octubre, comisario Publio López-Mondéjar) que, a través de unas fotografías de gran calidad, ofrece una visión íntima y sorprendente del “paraíso” familiar y laboral del gran pintor. Una especie de biografía visual, sentimental y artística que ayuda a entender la “visión fotográfica” que Sorolla tenía en su manera de ver.

Los cuadros de Joaquín Sorolla me han siempre atraído por la manera con la cual el artista pone a la luz como gran protagonista; una luz que me lleva derecho al Mediterráneo con sus olores y sus colores intensos y saturados. Cuando estoy delante de un cuadro de Sorolla o cuando se entra en lo que fue su último estudio, parece que se está en la playa junto con sus modelos o sobrevolando la escena pintada. Otro aspecto “fotográfico” que ha hecho que las pinturas de Sorolla me han siempre llegado con intensidad, es la perspectiva que normalmente elije en sus cuadros. Es una perspectiva muy dinámica, que acentúa la cotidianeidad de las escenas retratadas y que contribuye a sentirse como parte de aquel momento de vida. La exposición fotográfica de alguna manera nos ofrece justo este punto de vista: la oportunidad de ver el “making-of” de algunos de los cuadros más representativos del pintor.

Lo que esta exposición me ha permitido, es transformar mis percepciones en conocimiento, visto que he podido profundizar en la relación que Sorolla tuvo con la fotografía. Más que una relación fue una compenetración. Cuando el pintor tenía unos 18 años, un amigo suyo, le presentó al fotógrafo Antonio García Peris que parece necesitaba un ayudante y decidió contratarle; con el pasar del tiempo Peris acogió Sorolla en su casa (el pintor se quedó huérfano con solo dos años y vivía con sus tíos) y le facilitó la posibilidad de dedicarse a la pintura y le introdujo en los círculos artísticos de la ciudad; junto con el fotógrafo, Sorolla experimentaba en su estudio con la luz y con el retoque. El gran amor, fuente de inspiración y esposa de Joaquín Sorolla (Clotilde) era la hija de Antonio García Peris.

Antonio García Peris-1906

Quería destacar la imagen de la portada de este artículo (que está incluida en la exposición del Museo Sorolla), cuyo autor es Antonio García Peris. Se trata de una escena familiar alrededor de una mesa de una belleza estremecedora tanto por la luz, como por la puesta en escena y la composición; para mí una verdadera obra maestra, considerando además que la toma es del 1907.

El otro grande fotógrafo con el cual Sorolla se vinculó cuando ya se mudó a Madrid con toda su familia, fue el Danés Christian Franzen (un importante retratista de la época), al cual Sorolla dedicó este bonito retrato y con el cual colaboró en algún proyecto.

Sorolla se sirvió además de la fotografía para fijar en sus cuadros el invisible o lo fugaz que normalmente escapa a nuestra mirada o que se diluye con el pasar del tiempo. La exposición no muestra este aspecto, si no el contexto y los escenarios en los cuales Sorolla desarrollaba su vida y su trabajo. Se trata de unas 60 imágenes entre las cuales hay muchos retratos del pintor, pero también escenarios en los cuales Sorolla iba instalando su caballete para pintar sus cuadros, fotos familiares, etc. Este link os da la oportunidad de tener una buena idea de lo que se puede disfrutar en la exposición en el Museo Sorolla. Propongo a continuación otra evidencia de la importancia que la fotografía hubo en la vida de Sorolla; se trata de una retrato que hizo a su hija María en la playa de Biarritz, en el cual la mujer tiene en mano una cámara fotográfica.

Un último apunte; Sorolla también coleccionó fotografías que ahora son parte de los fondos del Museo. En el ámbito de PHE17 (hasta el 20 de Junio), en la Casa de América ha habido una exposición de imágenes de paisajes de Estados Unidos hechos por Carleton Watkins y que Sorolla recibió en regalo del fundador de la Hispanic Society .

Desde la página web del Museo Sorolla, se puede descargar gratuitamente el primer volumen de un interesantísimo catálogo sobre la colección de fotografía antigua conservada en el museo.Fotografia Museo Sorolla

 

 

Photoespaña XX: como organizarse para optimizar la visita

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Jardin Botanico, Madrid, PHE, PhotoEspaña

 

Este año PhotoEspaña (31 de Mayo–27 de Agosto) cumple 20 años; un hito muy importante para una manifestación que ha alcanzado una grande resonancia nacional e internacional. También este año he conseguido estar en esta cita que para mí se traduce siempre en un torbellino visual. Realizar mi visita anual a PhotoEspaña, depende de una combinación de muchos factores que, para poderse dar, necesitan mucho trabajo previo y una capacidad extrema de encaje. Esto, por un lado me permite disfrutar con más intensidad de las exposiciones que consigo visitar, por otro lado pero, el tiempo que dispongo es muy limitado respeto a la envergadura del evento y necesito optimizar el tiempo y tomar dolorosas decisiones para descartar alguna exposición (además de renunciar a todas las actividades colaterales que se organizan para el público). Limitándome únicamente a la sede principal de Madrid (hay otras sedes en España y en otras naciones), esta tarea se ha hecho todavía más compleja este año, debido al XX aniversario: el número de exposiciones ha crecido notablemente y están distribuidas en unas 45 sedes diferentes; además de las históricas secciones Oficial y Festival Off, se ha añadido la sección Carta Blanca que ha sido curada por Alberto García-Alix.

 

Comparto aquí los criterios que he aplicado para optimizar la visita y maximizar el número de exposiciones visitadas, con la esperanza que os puedan servir para facilitar la toma de decisión en vuestra visita. En mi caso disponía de un día entero en Junio, algunas tardes a partir de las 19h y un medio día en Julio

Para poder planificar en el detalle la visita, es imprescindible bajarse el plano de la exposiciones e ir husmeando las diferentes exposiciones, navegando en el sitio web de PHE que desafortunadamente (es un fallo importante de esta edición) no proporciona buenos contenidos visuales (mucho texto y muy pocas imágenes para poderse hacer de antemano una buena idea de cada exposición). Lo ideal sería disponer de la Guía PHE que desafortunadamente no se puede adquirir a través de la página web (aunque sea en formato digital); se puede comprar solo en los puntos librería de PHE en Madrid (9.50€).

Disponiendo de este conjunto de información, el problema que se pone es: “qué criterios aplico para seleccionar las exposiciones que voy a ver? Cuáles descarto?” Después de haberlo intentando de diferentes maneras, creo que lo mejor es organizar el tour por contigüidad física de los diferentes espacios expositivos. Como se puede ver en el mapa anterior, personalmente he dividido el mapa en tres zonas A-B-C y, en función de mis criterios (y de la info recopilada en newsletters artísticas) he señalado las expos en el mapa en rojo (MUST), negro (NICE TO GO) y dejando sin señalar aquellas que me parecían prescindibles. Las exposiciones que han quedado fuera de estas tres áreas también las he señalado en rojo o negro para organizar visitas específicas, aprovechando los huecos de disponibilidad que disponía por las tardes. Usar el criterio de contigüidad física de los espacios expositivos, nos permite además limitar bastante el impacto de un factor que quizás muchos no consideran como importante y que pero al final va a condicionar muchísimo nuestra capacidad de realización del plan diseñado cómodamente en nuestra casa: el calor infernal que podemos encontrar en una Madrid veraniega; a mí me han tocado temperaturas máximas de unos 36-40 grados y os aseguro que no es una broma deambular por las calles de Madrid con estas temperaturas, a pesar de agua, protector solar, gorro, etc…

 

En la tabla de abajo, he hecho mis recomendaciones, de acuerdo a mis personales criterios de gusto e interés; la lista incluye todas aquellas exposiciones que seleccioné como merecedoras de una visita, pero he valorado únicamente aquellas que he podido visitar hasta el día de hoy. Espero que mi perspectiva pueda servir para organizar vuestra visita a PHE17 con el objetivo de optimizar los tiempos pero sobre todo para disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente dinámico y feliz. Cualquier comentario o discrepancia respeto a mis sugerencias, bienvenida sea! Estaré encantado adjuntarla a esta entrada para proporcionar puntos de vistas diferentes.

Los dípticos que ilustran esta entrada son de Photosatriani y representan un paralelismo visual de dos espacios mágicos en Madrid: el Jardín Botánico y un sitio multi-uso ubicado en Malasaña: el Paracaidista; ambos dos acogen exposiciones de PHE17. ¡A disfrutar!

Miroslav Tichý: una historia, muchas imágenes y la evocación

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Evocación, PhotoEspaña, Poesía, Romanticismo, Tichý

La sensación de plenitud que la mayoría de las personas alcanza percibir cuando la Vida nos regala lo que yo llamo un “cruce mágico”, constituye para mi uno de los instantes que merecen ser perseguidos con abnegación y que recompensan de mucha “ordinariedad” (quiero decir, de muchas cosas ordinarias) que tenemos que tragar. Esto es lo que sentí cuando entré en el Museo del Romanticismo en Madrid y descubrí a Miroslav Tichý y su fotografía, gracias a la exposición organizada allí por Photoespaña (abierta hasta el 28 de Agosto). Llego algo tarde, lo se…Tichý saltó a la fama mundial en el 2004…pero ¡qué importa! No se trata de llegar primero, segundo o último, se trata de sumar al bagaje personal tanto como fotógrafo que como persona, un fragmento de belleza que enriquece y me hace sentirme mejor. Lo que me ha cautivado de Tichý han sido por supuesto sus imágenes evocadoras, resultado de una mirada incisiva y original de la cotidianeidad de la vida, pero también la historia que hay detrás y la persona Miroslav Tichý, un hombre que desarrolló una profunda y arraigada filosofía, fundamentada por la cultura, el arte, la sensibilidad y el anti-conformismo.

Miroslav Tichý antes de llegar a la fotografía, frecuentó la Escuela de Bellas Artes en Praga; nunca llegó a completarla, porqué mientras tanto, se estableció el régimen comunista que impuso a los artista un enfoque que Miroslav no compartía. A partir de allí se hizo siempre más evidente el choque frontal con el “estatus quo” que se iba estableciendo; Miroslav se transformó entonces en un espíritu libre, excéntrico, independiente, rozando la locura; elije una vida al límite y se conforma vivir en una chabola de madera en su ciudad Kyjovn en la Republica Checa. Todo esto le permite ser tolerado por el régimen, que lo deja vivir marginado y que lo obliga a pasar unas temporadas en psiquiátricos o cárceles, para quitarse del medio su figura que amenazaba la perfección aparente que el régimen quería mostrar públicamente, sobre todo durante manifestaciones en las cuales participaban representantes de la jerarquía gubernamental. En los años Cincuenta, Tichý descubrió la fotografía y empezó a desarrollar su propia visión, incluyendo el hecho que era el mismo que se construía sus propias cámaras y lentes con material de desecho, que intervenía con lápiz en las fotos reveladas, que sobrexponía y desenfocaba y que ha utilizado (quizás sin voluntad directa) el tiempo como un elemento más para deteriorar sus imágenes y de esta manera añadirle un mayor componente de evocación. La imperfección que crea poesía.

Cuando la fotografía se convierte en su misión, decide hacer cien fotos cada día; por lo tanto, cada día, sale a darse un paseo por su pueblo para hacer foto de lo que es el “mundo” (como el mismo dice en el maravilloso e imperdible video que Roman Buxbaum ha hecho sobre este artista); a juzgar de las imágenes, parece que su perspectiva del mundo estaba muy condicionada y cercana a la mujer. La casi totalidad de sus fotografías tienen como protagonista las mujeres.

Existe un claro paralelismo entre la poesía y la fotografía de Miroslav Tichý. La poesía es un género literario que, por medio de la palabra, evoca sentimientos, emociones, sensaciones y genera reflexiones y pensamientos. En la poesía se usan elementos de valor simbólico para generar imágenes, que necesitan de una actitud activa por parte de quien lee los poemas para poder captar el mensaje. Las imágenes de Tichý derivan de un concepto evocador de la fotografía. Como el mismo dice: “reconocemos solo lo que podemos y queremos reconocer”; sus imágenes provocan pensamientos, nos obligan a entrar en nosotros mismos, en nuestra memoria, en nuestro vivido, para poder evocar lo que las imágenes nos trasmiten. En este proceso, nuestro ánimo se llena de nostalgia, de recuerdos y de esencial y se le ofrece extraer de lo que ve borroso, sobrexpuesto, desenfocado en las imágenes de Tichý, una clarísima y dulcísima sensación de bienestar. El fotógrafo y el observador de su obra entran en sintonía y por un momento se tiene la sensación que su imagen es tu imagen y que tu vida ha sido lo que él ha congelado en sus fotos. Tichý decía: …”yo no existo en absoluto, soy simplemente una herramienta de percepción…”. Tichý lleva las imágenes a un sugerente lugar en el cual todos nos parecemos y nos reconocemos; la Fotografía de Miroslav Tichý es la más clara demostración que la poética de una imagen no nace de una cámara fotográfica si no de la mirada de la persona que está detrás de ella.

En el 1981, un vecino de Miroslav Tichý, que fue también su psiquiatra, Roman Buxbaum, empezó a entrevistar, a documentar dichas entrevistas y sobre todo a preservar el trabajo deteriorado; al mismo tiempo, trabajó para que se diera a conocer la obra de este artista. Desde entonces, solo en el 2004 (7 años antes de la muerte de Tichý) y gracias al curador suizo Harald Szeemann, se presentó al público su obra en la Biennale de Sevilla; a partir de allí la obra de Tichý cautivó a todos y se llegó a exponer hasta en el Centro Pompidou en París y en el Center of Photography in New York. Miroslav Tichý a pesar de que su obra había alcanzado notoriedad mundial, quedó fiel a sus principios, en ser anti-conformista y “anti-establishment”; rechazó la fama, el dinero, los premios y los paripés y se quedó en su casa llena de imágenes y de muchas otras cosas, en su pueblo Kyjov, del cual supo retratar la esencia de lo que ocurría, tomando siempre las mujeres como sus únicas musas.

Esta historia me cautiva pero también me genera rabia; seguramente nos hace reflexionar entre el dualismo entre ser artista y ser un artista reconocido. … ¿que quiere decir precisamente “reconocido”? ¿Reconocido por quién? ¿Quién se otorga la autoridad de reconocer a un artista? ¿Cuáles son los criterios que usa? ¿Cuánta subjetividad existe en estos criterios (si de criterios podemos hablar)? Todo esto me recuerda el relato visual “El escultor” que leí el año pasado en el cual un galerista decía a un artista: “crees de verdad que existe un “artometro” omnipotente que divide el bueno de lo malo? Es todo malditamente subjetivo, siempre lo ha sido y siempre lo será”.

Una persona que ha vivido su vida sin pedir nada, preservando su libertad y su pensamiento mientras el resto del mundo lo consideraba medio-loco y lo marginaba; una persona con una sensibilidad y profundidad de pensamiento excepcional, reversaba todo su ser en hacer fotografías con cámaras hechas por el mismo, usando materiales de deshecho. Una persona así ha generado una herencia para todos hecha de imágenes evocadoras en las cuales todos nos reconocemos o a través de las cuales, visualizamos nuestros recuerdos o nuestras nostalgias. Esto debería ser suficiente para que su obra fuera conocida y difundida, porque disfrutando de ella, nos ayuda a todos a ser mejores personas y a facilitar que nos conozcamos mejor, más allá de las apariencias, de las hipocresías y de la superficialidad. La obra de Miroslav Tichý conseguió (aunque muy tarde y a pesar de su voluntad) esta notoriedad; una gota en la infinidad del mar de los anónimos que hacen arte para sigo mismo, para sentirse mejor, para expresar la interioridad, para superar conflictos interiores o simplemente para el gusto de hacerla. En este sentido, Miroslav Tichý es sin lugar a duda el artista de los artistas…aunque él, conforme a su anti-conformismo, prefería autodefinirse un “Tarzán jubilado”.

En 1992, el pintor austríaco Arnulf Rainer visitó a Tichý y le pidió comprar algunas de sus obras. Tichý se negó a aceptar dinero y le propuso un trueque: una pintura de Rainer, a cambio de una fotografía. A partir de allí, muchos más artistas quisieron hacer lo mismo. Visto lo visto, Roman Buxbaum fundó entonces The Tichy Ocean Foundation, que se basa en el concepto de intercambio. Artistas de todo el mundo donan sus obras a cambio de fotografías de Miroslav Tichý.

Antes de acabar este post-homenaje, quiero añadir una cosita más: os invito a volver a leer cuanto he escrito o a mirar las imágenes de Tichý, poniendo la bellísima balada que Nick Cave ha querido componer y dedicar a Miroslav Tichý; una pieza que en mi opinión encierra en su ritmo y en sus palabras muchas de las sensaciones que las imágenes de Tichý evocan en nuestras cabezas cuando las miramos.

NosoloPhotoespaña: un recorrido artístico-visual por Madrid

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Europa, Fotografía, Madrid, PhotoEspaña

La cita anual con PHOTOESPAÑA es un “must” que intento cumplir religiosamente, organizando trabajo y familia para alcanzar este codiciado “espacio-tiempo” muy personal. Este año el “leitmotiv” de la cita anual con la fotografía en España (hasta el 28 de Agosto) es “Europas”. Un tema muy pertinente, considerando la situación de nuestro “viejo” continente; es una oportunidad para que se reflexione sobre este sentimiento de pertenencia y sobre la cultura y los valores que nos acomunan. Es cierto que la política, la burocracia, los egoísmos, el cortoplacismo y la gestión de la democracia que hacen nuestros políticos, nos están haciendo alejar de estos sentimientos de comunidad; nos hacen percibir más el peso de los deberes y de los controles, que la belleza de un espacio común de libertad. A mi juicio y en base a las exposiciones que he tenido tiempo de ver, PhotoEspaña enfoca el tema “Europas” sin conseguir un desarrollo completo; hay muchas incongruencias y alguna exposición que no tiene nada a que ver con el tema central. En cualquier caso, si se prescinde de la inflexibilidad en el juicio, hay que decir que en Madrid nos podemos dar un baño de fotografía, y no solo! De hecho, además de la fotografía y quedándonos en el arte visual, hay dos exposiciones imperdibles: El Bosco (en El Prado) y “Caravaggio y los pintores del norte” en el Museo Thyssen.

A continuación, presento los diferentes lugares expositivos (en el mismo orden con el cual los he visitado), comento brevemente las diferentes exposiciones que allí se encontraban y las categorizo de acuerdo a mis criterios artístico-emocionales y usando la siguiente escala: Perdible (se puede hacer a menos de ir), Aconsejada (se debería ir porque el tema, la calidad de las imágenes o la instalación merecen la pena ser vistas), Imperdible (no se puede absolutamente perder por las evocaciones que genera y por el transporto emotivo que provoca).

Fundación Canal – Vivian Mayer. Street Photography (hasta el 16 de Agosto). Ya había visto en Valladolid en el 2013 una expo sobre esta “nanny-fotógrafa”. Una anónima, invisible que fotografiaba a anónimos e invisibles, que en 2007 (a solo dos años de su muerte), una carambola del caso, catapultó a la fama mundial. Aconsejada.

 

Conde Duque – ¡A las puertas del paraíso” (hasta el 4 de Septiembre). Trata el tema actual que quema nuestras conciencias y que la política no sabe gestionar: los flujos migratorios. Como dice el comisario de la exposición, los fotógrafos que están en las fronteras Europeas, son testigo de otro naufragio del reportaje tradicional porque, no solo existe competencia entre ellos, sino también con las agencias de prensa, con los turistas y con los mismos migrantes que relatan con sus móviles su propia odisea. Los 5 fotógrafos que componen esta exposición, ofrecen una visión reportero-conceptual del fenómeno. Aconsejada.

Blanca Berlín- Jürgen Schadeberg (hasta el 30 de Julio). Una serie de fotografías tomadas sobre todo en Sudáfrica, durante el periodo del apartheid. Aconsejada.

Museo del Romanticismo – Miroslav Tichý (hasta el 28 de Agosto). Me doy siempre más cuenta que soy un romántico empedernido…esta exposición es el máximo de los máximos: una historia bellísimas, unas imágenes altamente evocadoras y por lo tanto sublimes, una revolución personal que se debería hacer global. Hablaré con calma de esta maravilla en una futura entrada pero que nadie se quede sin verla! Imperdible.

Fundación Telefonica – Tras los pasos de Inge Morath (hasta el 2 de Octubre). Entre el 1958 y el 94, Inge Morath fotografió repetidamente la vida alrededor del Danubio. En el 2014, 8 mujeres fotógrafas, sus hijas, un pequeño equipo de apoyo, una canguro, después de haberse financiado a través de una campaña de crowdfunding, viajaron por un mes desde el nacimiento del Danubio hasta su desembocadura, siguiendo el espíritu de Inge Morath. Esta exposición es el resultado de este viaje fotográfico en la cual se presentan las visiones de las 8 fotógrafas, además de las fotografías de Inge Morath. Aconsejada.

CentroCentro – Rostros (hasta el 28 de Agosto). Se trata de una recopilación de imágenes que permite examinar la evolución del retrato fotográfico en Europa a partir del 1990. Aconsejada.

Casa de América – José A. Figeroa + Cartografías intimas (hasta el 31.7). José A. Figueroa presenta una visión de un cubano que visita y retrata lo que ocurría en Berlín Este en los días en el cual el muro caía y las dos ciudades volvían a ser una. Aconsejada. Cartografías Íntimas es la exposición de los ganadores de los visionados en Transatlantica, un foro de fotografía para Latinoamérica. Un “poutpurri” de imágenes, algunas muy interesantes, otras menos. Perdible.

Fundación Mapfre – Hiroshi Sigomoto. Black Box (hasta el 25 de Septiembre). Esta exposición no está dentro PhotoEspaña pero es seguramente Imperdible, por la poesía tanto visual como técnico-conceptual que el Maestro consigue encerrar en sus imágenes.

Lucía Mendoza- Christian Voigt. Inner Landscapes/Paisaje Interior (hasta el 28 de Julio) paisajes sobrecogedores, obtenidos con una superposición de treinta exposiciones de la misma imagen. Aconsejada

Círculo Bellas Artes (hasta el 25 de Septiembre). Louise Dahl-Wolfe, el fotografo de Harper’s Bazaar que supo revolucionar la fotografía de moda. Aconsejada. Federico Clavarino. The Castle. Perdible. Transiciones, 10 años que trasformaron Europa. Se trata de los años entre cuando Margaret Thatcher fue elegida primera ministra del Reino Unido (empezando el derrumbamiento ético, moral, financiero etc…que produjo la actual crisis) y el año en el cual caía el muro de Berlín, un acontecimiento que inyectó en la gente esperanza e ilusión. Estos mismos años (’79-’89) fueron también los años en los cuales se dió origen a lo que ahora es Internet. La idea guía de la exposición es muy bonita, pero su desarrollo visual no es a la altura. Diría Perdible aunque creo que por el tema y para tener la ocasión de pensar en los orígenes de lo que hoy estamos sufriendo, digo Aconsejada.

Museo ICO-Robbin&Becher. Desplazamientos (hasta el 11 de Septiembre). El absurdo, la uniformidad y la fealdad de “las catedrales en el desierto” que el mundo occidental construye. Una serie a parte y muy, muy interesante es sobre los Black Cowboys. Aconsejada.

Museo del Prado. El Bosco: V^o centenario (hasta el 11 de Septiembre). Un huracán de colores, formas, creatividad, sensaciones, imaginación, irreverencia, belleza y bella fealdad que merece una entrada a parte. Imperdible.

 

Para acabar este largo recorrido: La Fabrica-Cristina de Middel. Antipodes (hasta el 31 de Julio). Perdible

Constelaciones de lo intangible

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Fundación Telefonica, González Palma, Guatemala, PHE, PhotoEspaña

Ver la exposición de PhotoEspaña que tiene el mismo nombre con el cual he titulado este post, era un objetivo imprescindible para mi desde cuando vi el panfleto. “Constelaciones de lo intangible”, un título fascinante y evocador que me hizo pensar en la representación del invisible que es un tema muy presente en mi ser: la búsqueda del silencio, el descubrimiento de la belleza en las cosas que pasan inobservadas, la memoria hecha melancolía, son aspectos que están en mí, que intento representar en mi fotografía y que espero profundizar en el próximo futuro.

Esta semana tuve la oportunidad de ir a la Fundación Telefónica en Madrid y disfrutar de esta exposición, de impecable instalación y comisariada por Alejandro Castellote. Es una exposición multi-sensorial que entre en sintonía con las imágenes de Luís González Palma (Guatemala, en la actualidad vive en Argentina) que exploran posibilidades técnicas y materiales diferentes: papeles de arroz, hilos, papel de estaño dorado (pan de oro), fieltro, pintura, texto, periódicos; el autor propone también algo que podríamos definir “esculturas fotográficas”, el todo enriquecidos con música de guitarra “live” en la misma sala de exposición.

Sus imágenes a veces intentan superar la bidimensionalidad de la fotografía, tienen todas tonalidades calientes que llevan la mirada a la introspección, a la búsqueda de sensaciones universales que acomunan cualquier ser humano. Las miradas de sus retratos son de una belleza infinita y a la vez efímera, sus imágenes (a veces surrealistas) de interiores o sus paisajes, son paradigmas de realidades paralelas.

Video-entrevista a Luis González Palma

Video hecho con mi blackberry del recorrido por la sala Fundación

El comisario no ha usado la cronología como línea guía para estructurar la exposición, si no, como el mismo afirma, la circularidad del mensaje que los diferentes trabajos de Luís González Palma tienen embebido; dicha circularidad encuentra su máxima expresión en un montaje realizado en un rincón de la sala que me ha recordado los círculos enigmáticos de Stonehenge.

Cuando estaba en el medio de aquel círculo, una extraña energía me empujaba a girar sobre mi mismo y este es el resultado visual de aquel momento, que he podido recoger únicamente con la limitada calidad de mi cámara del móvil…

Sorprendentemente, la de la Fundación Telefónica no es la única exposición dedicada a Luís González Palma en el ámbito de PhotoEspaña! También mi galería preferida en Madrid, Blanca Berlín, dedica mitad de su sala a las imágenes de este fotógrafos; allí la misma Blanca Berlín me explicó que el efecto que tienen algunas de las imágenes que parecen empapeladas con pan de oro, se obtiene a través de un proceso en el revelado por contacto, que aprovecha la peculiaridad de la película pancromática que deja traspasar lo que haya atrás en las zonas claras de la imagen mientras que en las zonas obscuras, no.

Resumiendo, a pesar de haber tenido grandes expectativas sobre esta exposición, el visitarla, no solo ha permitido satisfacer estas expectativas si no más bien, superarlas; la multi-dimensionalidad que se respiraba en la sala, los tonos chocolate de las imágenes y la exploración de la exploración con la cual Luís González Palma ha hecho sus trabajos, me han llenado emotivamente y esto, se sabe, es la base para enriquecerse.

La próxima semana, el post estará dedicado a los ganadores del último Photosatriani of the Month. ¡¡¡Suerte a tod@s!!!

PHE15, dedicado a Latinoamérica

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Madrid, PHE, PhotoEspaña

Un año más he podido cumplir con la esperada cita de PhotoEspaña (este año es para mí la edición decimoquinta de las dieciocho que han tenido lugar), dedicada de forma monográfica a la fotografía latinoamericana (del 3 de Junio hasta el 30 de Agosto). Creo que hay 69 lugares distribuidos en la geografía Madrileña para disfrutar de alguna exposición, así que se necesitan muchos días para poder visitarlas todas. En mi primer recorrido por PHE15, he circunscrito mi andar al “corazón” de la Villa: entre Plaza de España y Plaza de Cibeles y estas son mis principales anotaciones.

Korda, retrato femenino. Antes de todo destacaría el Museo Cerralbo, una pequeña joya que merece una visita de por sí. Los retratos al femenino del autor del mítico retrato “al Che”, delatan la auténtica pasión de Korda por el universo femenino e nos enseñan la importancia y la esencialidad del uso de la luz natural en este tipo de fotografía.

Develar y detonar. Fotografía en México, ca. 2015 en CentroCentro Cibeles, nos revela un poliédrico puzzle de fotógrafos Mexicanos donde las diferentes propuestas, pueden chocar entre sí, pueden contradecirse o pueden columpiarnos entre opuestos…pero al final, cuando se sale de la sala, se tiene la sensación de haber abarcado un completo abanico que tiene un hilo conductor invisible. En una planta diferente del mismo centro, hay otra exposición Latin Fire. Otras fotografías de un continente. 1958-2010 más enfocada a la fotografía social: revoluciones, movimientos populares, luchas sociales, decadencia, vida nocturna; todos unidos por el hecho que si la fotografía no hubiera rescatado aquellos instantes, se habrían transformado en silencio. Latinoamérica es cambio permanente y por lo tanto ser latino, necesita una actitud que necesariamente tiene que andar de acuerdo con este precario equilibrio.

Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos, en la Casa de América, un interesante montaje que puede ser interpretado como un inventario o un atlas de imágenes de autores, estilos, naciones diferentes, que se encuentran gracias a un hilo conductor constituido por los versos de unas canciones de diferentes estados latinoamericanos; a través del estado de ánimo generado por estos versos, las imágenes parecen dialogar entre sí.

En el Círculo de Bellas Artes, hay 3 salas con exposiciones de PHE15. Ana Casas Broda. Kinderwunsch (traducido del alemán: Desiderio de tener hijos); se trata de un trabajo muy personal e intimista sobre muchos aspectos relacionados con la maternidad. Una exposición donde las fotografías dialogan con escritos, pensamientos y vicisitudes vividas por la autora. Ecuador: la irrupción en la Amazonía, fotografías de comienzo del 1900, pertenecientes al Vicariato Apostólico Salesiano en la Amazonía Ecuatoriana sobre la penetración occidental de la selva Amazónica. Lola Álvarez Bravo una retrospectiva dedicada a esta prolífica fotógrafa mexicana.

Fuera del circuito PHE15 pero organizada por el Círculo Bellas Artes en la Sala Juana Mordó (una salita a lado del cine), está una de estas exposiciones que te encuentras por casualidad y que al final te atrapan más de cualquier otra. Se trata de Cabañas para pensar, basada en un trabajo de búsqueda e investigación de Eduardo Outeiro; en ella se presentan fotografías, herbarios de los lugares, planos, maquetas, de las cabañas que algunos autores muy conocidos usaban para encontrar el silencio y la inspiración y poder llevar a cabo sus obras. Estamos hablando entre otros de: Martin Heidegger (filosofo), Gustav Mahler (compositor), George Bernard Shaw, Virginia Woolf y Lawrence de Arabia. Me ha encantado la exposición porque trata sobre la esencialidad del silencio positivo, del recogimiento, del ensimismamiento en el proceso creativo. Una vez que la inspiración ha hecho su trabajo, la parte más difícil, es materializar la idea evitando desvíos o compromisos que surgen cuando el genio del pensamiento encuentra la terrenidad del suelo  En esta delicadísima fase, el silencio es como una burbuja de aire en el vacío de la cotidianeidad; todo el material propuesto en la exposición, ayuda a entender este orden mental y esta dimensión espiritual.

En la sala de la Comunidad de Madrid (Alcalá 31), está seguramente la exposición más esperada y concurrida de todo PHE 15: Chema Madoz 2008-2014. Las reglas del juego. Quien entra allí, entra en el “mundoMadoz”, una dimensión paralela a nuestro mundo: onírica, poética, irónica, conceptual, siempre hecha con gran sensibilidad e inteligencia.

En el Museo ICO, me encontré con la segunda, grande sorpresa muy agradable de este recorrido por PHE15: Construyendo mundos. Fotografía y arquitectura en la era moderna, una exposición colectiva de grandísimo alcance y con 250 imágenes de altísima calidad y valor que llevan a reflexionar sobre el mundo en el cual vivimos, a través de la arquitectura. Es un recorrido cronológico sobre la relación simbiótica entre arquitectura y fotografía, que atrapa, conquista, maravilla, hace pensar, porque muestra como la arquitectura condiciona nuestra manera de vivir o como a veces llega hasta a acosarla, extinguiendo costumbres y creando nuevas. Si tuviera que elegir una exposición, ¡quizás elegiría esta como imperdible! Es que no es para nada fácil encontrar las fotografías de 18 relevantes fotógrafos de arquitectura en una única exposición.

Es posible que en Julio tenga una segunda oportunidad para dar otra vuelta para las demás exposiciones de PHE15; seguramente no quiero perderme la que está en la Fundación Telefónica. Las demás que me faltan por ver se agrupan en cuatro zonas de la ciudad: Conde Duque, Atocha, Colón, Embajadores…va a ser muy complicado tener que seleccionar…pero lo tendré que hacer, por pura sobrevivencia! Si algún lector quisiera recomendar alguna, se lo agradecería un montón, para tener un criterio de selección y facilitarme la preparación del plan.

La próxima semana, el post estará dedicado a los ganadores del mes de Junio de Photosatriani of the Month…suerte a todos!

La belleza invisible: taller con Pilar Pequeño

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Nature, PhotoEspaña, Pilar Pequeño, Still Life

Después de casi un año, he vuelto en el mismo escenario en el cual participé el año pasado en Descubrimientos de PHE14, pero esta vez para estar en el taller “El fotógrafo en el estudio” organizado por PIC.A, la Escuela Internacional Alcobendas PhotoEspaña con Pilar Pequeño.

El año pasado conocí por casualidad la fotografía de Pilar Pequeño cuando, dentro de las visitas en las diferentes exposiciones organizadas por PhotoEspaña, visité la Galería Marita Segovia. Mirando las fotos de Pilar que compartían el espacio con las magníficas esculturas de Rafael Muyor y los muebles y los objetos que llenan aquella galería, conseguí entrar en una dimensión de silencio, de no-tiempo, de placidez, de bienestar, de valoración de la belleza de las cosas pequeñas o que pasan inobservadas. Una fotografía la de Pilar Pequeño que nos llena de armonía, de fragilidad, de efímero. Me acuerdo que me quedé paralizado delante de esta foto de dos membrillos sumergidos en el agua.

Muchos sabemos que la vida a veces rema en la misma dirección de nuestros deseos y cuando esto pasa, siempre ocurren cosas maravillosas o por lo menos que marcan un antes o un después. Esto me pasó cuando me llegó el e-mail de PhotoEspaña informándome que Pilar Pequeño iba a hacer un taller en PIC.A los días 17 y 18 de Abril. Estas fechas justo coincidían con una estancia de trabajo en Madrid y era como una llamada de Pilar Pequeño directa a mí a la cual no podía faltar contestar afirmativamente; así que, organizadas las cosas familiares y laborales de manera apropiada, pude estar en el grupo de gente que Pilar Pequeño ha acompañado pasito a pasito en el descubrimiento de su mundo en el cual la Naturaleza, la introspección, la luz y la fotografía se juntan mágicamente.

Pilar es antes de todo una persona encantadora, empática, sensible, humilde (en el 2010 fue galardonada por el Ministerio de Cultura con la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes), enamorada de la Naturaleza y de los paseos, con una mirada delicada pero capaz de ver la belleza donde muchos no ven más allá de unas flores sin mucho significado, unas hierbas o unas hojas caídas. Es una persona que transmite placidez, serenidad y paciencia; trabaja con la luz natural, domándola, guiándola, corrigiéndola, con medios muy sencillos pero altamente eficaces; habla de reflejos, de composición, de gusto, de actitud, de histogramas, de altas luces, de ISOs, de belleza, de emoción, con sencillez, maestría y mucha, mucha pasión. Para hacer un paralelismo quizás atrevido pero para mí muy pertinente, me acuerda aquellas chicas que son tan hermosas por naturaleza que hasta cuando se arreglan mal, parecen todavía más bellas.

La fotografía que he aprendido a hacer en el taller es “muy mía” en el sentido que he encontrado mucha semejanza con mi fotografía sobre el silencio; se trata de una “slow-photography” en la cual la capacidad de ver y de encontrar la belleza en las cosas pequeñas, viene exaltada por un uso muy personal e intimista de la luz natural y se tiene que apoyar en la paciencia, en el cuidado de los detalles y en el inventar estratagemas para que el pose de los objetos sea justo lo que uno quiere…no lo vais a creer pero os prometo que una naranja por ejemplo que parece inanimada, cuando se hace modelo, de repente se anima, se da la vuelta, ofrece a tu mirada lo que tú no quieres ver, se resiste a mostrar lo que tú has visto en ella, etc… y la luz…¡ah la luz! efímera por naturaleza, es fuerte cuando la quieres tenue y se esconde cuando la quieres que deslumbre… y el histograma que se quema a la derecha y luego a la izquierda: +3 no! +1, que va: +2…no es suficiente, aumenta el ISO, no! Demasiado -2 si ahora si…¡vaya! Justo ahora la luz se ha ido…vuelta e empezar! Paciencia, paciencia, paciencia….la belleza es invisible a los ojos de quien tiene prisa o de aquellos que están atraídos por la vulgaridad, lo extremo o lo chocante.

He disfrutado, aprendido y conocido una gran persona…creo que más allá de esto hay muy poca cosa que un taller fotográfico pueda añadir…

 Como las coincidencias en la vida nunca llegan solitas, la semana que viene el post será dedicado a una exposición que he visitado en Lisboa: “Florestas Submersas”…

PHE14: el recorrido del Silencio

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Madrid, PHE, PhotoEspaña

Cada año, desde el 2004, he podido organizarme para coincidir en Madrid durante PhotoEspaña; este año he vivido este acontecimiento un poquito más desde dentro, por haber sido seleccionado para el visionado de portfolios en Descubrimientos. Por ejemplo, estaba invitado a la inauguración oficial…

El tema con el cual me he presentado a Descubrimientos trataba un aspecto del Silencio y por lo tanto he pensado en planificar las visitas a las diferentes exposiciones, teniendo como hilo conductor el tema del Silencio. Lo que os propongo en este post, es un recorrido en los diferentes Silencios encontrados en PHE14.

Existe una tendencia más o menos incipiente en la fotografía más actual, en la cual las imágenes se “desnudan” de la presencia humana o esta se representa solo indirectamente, a través de las huellas que las personas dejan en los lugares. Quizás esta tendencia es pareja a la necesidad de huir de la velocidad con la cual vivimos y de la abundancia de información que estamos obligados a procesar constantemente. Es una búsqueda de la sencillez, de lo esencial, de la interiorización; de un tiempo pautado; de ausencia de historias o de rastros muy ligeros de ellas… algo parecido a la apoteósica (para mi) primera página de Océano Mar de Baricco.

Hotel de las Letras. Este hotel, renovado recientemente, ofrece un espacio bar “muy urban”, un excelente restaurante de cocina sofisticada y de calidad y una biblioteca. En este último espacio estaba la exposición La mirada transeúnte (imágenes de la colección BAUZA) que presenta unos paisajes que se alejan del aspecto descriptivo y que exploran la línea que une el espacio a las emociones.

Galería Helga de Alvear. Playtime es un trabajo de Isaac Julien sobre el “capital”, usando dos ciudades emblemáticas: Reykjavik, donde se evidenció por la primera vez en toda su crueldad la crisis que padecemos; el único sitio en el cual los políticos han tenido el coraje de ir en contra de las Finanzas y de los especuladores, procesando los culpables de la codicia. Dubai que representa uno de los nuevos centros del capital. En cada ciudad, el autor ha elegido un protagonista; en el caso de Reykjavik, un artista; en el caso de Dubai una trabajadora doméstica asiática. En ambos casos, los lugares en los cuales están ambientados los retratos, parecen “comerse” a los protagonistas; en el caso del artista en Reykjavik, su estado de total precariedad, parece tener reflejos en unos espacios de una Islandia invernal. En el caso de la trabajadora doméstica en Dubai, su soledad forzada, la hace vivir en una jaula dorada de la cual sueña con escaparse y en la cual tendrá irremediablemente que aprender a sobrevivir.

Espacio Fundación Telefónica. La sombra y el fotógrafo es una retrospectiva dedicada a Antoni Arissa (para mi, la mejor de las exposiciones de PHE14) en la cual se encuentran diferentes tipos de silencio: el silencio de las sombras y de la intangibilidad; el silencio de las cosas de casa, en ausencia de sus dueños. Aunque el primer tipo de silencio nos ofrece unas imágenes de altísimo valor emocional, es el segundo tipo de silencio que me ha llamado la atención porque visualiza un momento del día en el cual me identifico totalmente. Se trata de la hora de la siesta, durante la cual la casa conquista una paz precaria pero absoluta y en la cual, quien está despierto, se envuelve de un silencio satisfactorio lleno de una sensación de que “todo está en orden” y de tiempos lentos en los cuales somos capaces de adelantar los acontecimientos que están por llegar. Me imagino el fotógrafo vagando en la casa en penumbra, buscando objetos cotidianos y sus sombras que asumen el papel de testigos de esta plenitud interior.

Galería Marita Segovia. Plantas/Flores/Frutas. Cuando entré en esta galería, tuve un momento de desconcierto al ver que estaba en una tienda repletas de objetos de lo más disparatados; parecía la versión “pija” de una de las tiendas del Rastro. Viéndome tan parado, me explicaron con amabilidad que la galería estaba…al fondo..y allí me encontré el mundo vegetal de Pilar Pequeño, unmundo de silencio, de no-tiempo, de placidez, de bienestar. Sus fotografías muy pictóricas, están llenas de armonía, de ternura, de fragilidad y de efímero; dejan intuir la plenitud que debía sentir la autora cuando las creaba. La misma plenitud que he probado cuando estaba sumergido en aquella Naturaleza congelada, escenario de mi serie Ikebana. Por esto quizás he disfrutado especialmente con cada una de las imágenes expuestas; en la misma sala había además esculturas vegetales de un realismo impresionante, hechas en hierro pintado de Rafael Muyor.

La Lonja en Zaragoza – Retrospectiva de Rafael Sanz Lobato. Este año, una de las sedes de PHE ha sido también Zaragoza. En este sitio expositivo del Ayuntamiento de la ciudad en la plaza del Pilar, están expuestas (hasta el 7 de Septiembre) las fotografías de toda una carrera de Rafael Sanz Lobato…y aquí también me encontré con el Silencio…lo encontré en los bodegones en ByN de objetos comunes encontrados y en los cuales es evidente el paso del tiempo y que allí asumen una belleza inesperada y llevan a imaginar el uso que tuvieron. El Silencio de las cosas… el autor explica en un video que buscaba para estas imágenes, una luz tan tenue que cuando alguien hubiera visto los negativos, tenía que pensar: “de aquí no se puede sacar nada”. El Silencio se percibe pero no se oye; los bodegones de Lobato también: se sienten pero no se miran.

La semana que viene el post estará dedicado a los ganadores del mes de Junio de la Photo of the Month (PoM)…

La importancia del visionado de portfolios: mi experiencia en Descubrimientos PHE14

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Descubrimientos, Giuseppe Satriani, Madrid, PHE, PhotoEspaña, Visionado

3a PARTE

En los dos posts anteriores de esta serie sobre el visionado de portfolios, he hablado de la fase de preparación, focalizándome en el contenido; en esta tercera, finalizaré la fase de preparación, hablando de la importancia del “envoltorio”; para esto os invito a ver el siguiente video que muestra la elegantísima y práctica solución con la cual me he podido presentar a cada entrevista.

PREPARACIÓN

• Packaging y aparencia. En cualquier aspecto de nuestra vida, sabemos perfectamente que no es solo importante cuidar el contenido si no también la manera de presentarlo; cuando se habla de arte, este segundo aspecto, llega a ser parte integrante del contenido. En este sentido, he tenido la suerte de tener a mi lado unos verdaderos profesionales del tema que han desarrollado para mi una solución funcional y a la vez elegante, refinada y de gran impacto, cuyo resultado ha sido lo que he mostrado en el video anterior. Ander Soriano de Estudios Durero es una persona excepcional: generosa, entusiasta, dispuesta a ayudar, competente y con olfato al negocio; nos conocimos por el post que preparé sobre el proyecto Estereoscópico llevado a cabo por Estudios Durero y cuando le comenté que había estado seleccionado por Descubrimientos, se propuso en ayudarme para que fuera “bien preparado”. Involucró a su colaborador Javi Martín de la agencia publicitaria bilbaína Paradox (no tienen página web, el boca a boca es su único canal de marketing…que mejor manera!!!) y juntos me proporcionaron una solución completa:
• Impresión de las fotografías de mi portfolio en papel hahnemühle
• Diseño e impresión de una libreta promocional 12×12 para que la pudiera dejar a los visionadores, con una sellección de las fotos de mi portfolio, la presentación del proyecto Emotionage y los datos de contactos
• Diseño e impresión de una refinada tarjeta de presentación
• Diseño y desarrollo de una práctica caja que permitía guardar las fotos del portfolio y una copia de la libreta promocional que hacía además de portada de la misma caja. El objetivo del diseño de la caja era de no causar ninguna perdida de tiempo a la hora de presentar el portfolio; de esta manera se puede maximizar el tiempo para hablar con el visionador

Acabada la preparación, ya estaba listo para mostrar finalmente mi portfolio…¡ha llegado el momento de hablar del visionado!

VISIONADO

Me planificaron 7 entrevistas en dos días; cada una de 20 minutos estrictamente controlados por la organización e intercaladas con 20/40 minutos de “descanso”. Habían habilitado dos salas en el magnífico centro de arte en Alcobendas para los visionadores, además de una sala de espera con Nespresso y Wifi gratis, sofás, mesa de trabajo, y una terraza para los participantes; sitio ideal para hacer “networking” y comentar entre colegas las experiencias tenidas con los visionadores y ajustar consecuentemente el tiro… Los encargados de PhotoEspaña iban avisando con un cierto anticipo a los participantes de la siguiente entrevista para que todos estuviéramos detrás de la puerta de la correspondiente sala, 2 minutos antes del comienzo. Una vez en la sala, cada uno iba a la mesa con el visionador asignado y allí empezaba “la aventura”.

En mi caso, si se excluye una alemana “sosonga” y sin sentido (Nadine Barth, editora de libros de fotografía) que lo único que supo preguntarme fue “porque usaba colores tan fuertes” y acto seguido se contestó ella misma: “ah! Es porque eres Italiano y a los italianos les gustas exagerar”…(sin comentarios!), los demás visionadores fueron profesionales, respetuosos de mi trabajo, pródigos en consejos constructivos y en ideas para ir mejorando, completando, explotando mi propuesta; con tres de ellos he quedado para dar seguimiento a nuestro encuentro y valorar oportunidades… Vente minutos se te hacen cortísimos si no tienes bien “trillado” el discurso y claros los objetivos. Mejor focalizarse sobre un trabajo por cada visionador y tener claro desde el comienzo que se quiere preguntar u obtener. Es fundamental contestar poniendo el máximo de la atención a sus preguntas porque delatan lo que les interesa de ti. Mejor atreverse que quedarse con la duda; si se percibe que el trabajo no interesa, mejor concentrar el tiempo en saber si conoce gente a la cual nuestro trabajo podría interesar. La técnica usada y la calidad de la impresión son fundamentales, son como un pre-requisito para poder empezar a hablar. Si el visionador juzga en lugar de dar consejos, recordarle explícitamente y sin miedo que uno está allí para obtener cosas útiles no juicios. Pensad que es gente que está acostumbrada a ver miles y miles de imágenes pero esperanzadas a que el conjunto “trabajo-persona” que tienen delante les haga pararse a pensar. Los que te hacen preguntas que van más allá de la esfera fotográfica, delatan su interés hacia a ti como persona además de como artista y para mi esto delata su voluntad de ser útiles; hay que dar todo con ellos y posiblemente dar continuidad al contacto con “savoir faire”, una vez que se ha vuelto a casa…

EFECTOS COLATERALES

Un resultado añadido es seguramente la gran oportunidad de ampliar la propia lista de contactos, sobre todo con los demás colegas. Hablar con ellos de sus proyectos y de los nuestros, es una gran oportunidad para abrir la mente, inspirarse y hacer amigos, además de un buen entrenamiento para que nuestro discurso fluya mejor a la hora de presentárselo a los visionadores. A lo largo del verano, os propondré algunas de las propuestas de mis compañeros, que seleccionaré tanto por la fuerza de la propuesta en sí, como por la simpatía y empatía que nació en aquellos días en PhotoEspaña.

La semana que viene el post estará dedicado al recorrido del Silencio en PHE14…

La importancia del visionado de portfolios: mi experiencia en Descubrimientos PHE14 1a Parte

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Descubrimientos, Giuseppe Satriani, Madrid, PhotoEspaña

La mayoría de los lectores de este blog es gente que no puede vivir una vida en la cual no haya espacio para el arte y la creatividad; para algunos esta necesidad es además la manera con la cual intentan ganarse la vida. Crear es un proceso totalmente personal e íntimo, un proceso en el cual nosotros mismos nos metemos en juegos y expresamos algo que sentimos. Debería ser un proceso auto-sostenible…hasta un punto…porque en nosotros alberga siempre la justa necesidad de saber si los demás aprecian lo que hacemos. Esta necesidad es vital para aquellos cuya vida depende del éxito comercial de su oficio de “artista-profesional” pero es de igual manera importante para los demás que no vivimos de la fotografía.

En este sentido, el visionado de portfolios es una oportunidad que nos ayuda a confrontarnos con otros (normalmente “expertos” del sector) y consecuentemente a “calibrar” nuestro ego y nuestras direcciones artísticas en manera algo más objetiva. Con esto no quiero decir que el resultado de un visionado nos tiene que condicionar tanto como para re-considerar el nuestro ser creativo pero si, invitarnos a analizar lo que hacemos, como lo hacemos y a quien le puede interesar. La primera razón que sustenta mi anterior afirmación es que, para estar en un visionado, hay que ser seleccionado y normalmente la competencia y la calidad de los trabajos es muy fuerte y cualificada. Por lo tanto, el hecho de haber sido seleccionado es ya de por sí una evidencia que nuestra propuesta es atractiva y bien planteada. Pero esto no es suficiente. Un visionado hay que prepararlo en todos los detalles para que se maximice la utilidad de los pocos minutos de contacto con cada visionador.

En esta pequeña serie de posts sobre el visionado, os contaré como me he preparado, que resultados he obtenido y que conclusiones he sacado de mi experiencia en Descubrimientos de PHE14, esperando que pueda ser de utilidad para mis lectores.

PREPARACIÓN (parte 1ª)

1. Decidir el (los) trabajos que se quieren presentar, preparando un marco conceptual uniforme o diferentes conceptos (para mostrar las diferentes “almas” que albergan en nosotros como artistas). Es un momento clave porque hay que ser muy críticos consigo mismo y pensar siempre en las limitaciones de tiempo de las entrevistas. Para Descubrimientos decidí una estrategia a tres bandas:

• Fotografía del Silencio (Ikebana, el trabajo que me permitió estar entre los seleccionados, junto con otros 2-3 trabajos, para corroborar la existencia de una línea de trabajo homogénea); se trata de una fotografía intimista y de búsqueda, enfocada en los paisajes y en los espacios
• Urban Liquidity, algo totalmente diferente del anterior: visceral, enfocada en la gente, en las ciudades y a las huellas de lo que será la ciudad el futuro
• Emotionage: para poder obtener una opinión cualificada sobre la sensatez de este proyecto colectivo que he lanzado en Facebook y sobre el tipo de resultados que espero poder conseguir
• Es bueno además tener otras fotos que consideramos caracterizan nuestra exploración fotográfica, por si a caso el discurso con el visionador nos lleve a territorios de antemano no previstos y que podrían dar la oportunidad de mostrárselos

En la segunda parte de este post, continuaré hablando de las actividades necesarias a la preparación de un visionado de portfolio; esta segunda parte se publicará el lunes 7 de Julio, visto que el post de la semana que viene estará dedicado a los ganadores del mes de Junio del concurso Photo of the Month…