Las MICROGRAFÍAS de Emotionage

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Portada-Photosatriani-Emotionage-MicrografíaHoy en día, en nuestra sociedad, es fácil que haya una débil relación entre lo que vivimos y lo que sentimos; consecuentemente se crean en nosotros abismos de soledad negativa, hasta llegar a tener miedo de auto-escucharnos. Esta consideración ha sido para mí el substrato en el cual ha nacido la idea del proyecto EMOTIONAGE que nació, como proyecto colectivo, el 26 de Febrero de 2014, con el propósito de aunar el mundo de la poesía con el de la fotografía y de proponer unas piezas “foto-literarias” que materializaban fotográficamente las emociones que genera una poesía. Esta combinación de fotografía y poesía la llamamos Fotopoesías (un ejemplo, abajo).

Fotopoesía-Photosatriani-Emotionage-BernalFotografía Baula Bernal Carro

En una primera fase del proyecto, a cada uno de las 187 personas que decidieron participar de forma activa, se distribuyeron  unos versos que tenían que interiorizar, “sentir” y plasmar en una fotografía. En una segunda fase del proyecto, se hizo lo contrario: se distribuí una imagen a cada participante y cada uno tenía que asociarle un breve texto literario, creando así una Literografía (un ejemplo, abajo).

Literografía-Photosatriani-EmotionageTexto: Sara Buni

En el 2015, Emotionage se ha transformado en un proyecto colectivo y colaborativo de arte multi-disciplinar en tres fases, totalmente desarrollado por los mismos participantes. En la primera fase (en finalización), los artistas participantes han escrito unos micro-relatos que se están publicando en la página Emotionage. En la segunda fase (que empezará a finales de Abril), los micro-relatos recibidos, se distribuirán entre los artistas visuales que los ilustrarán con una serie de imágenes (fotografía o ilustración), de acuerdo a las sensaciones y a las emociones transmitidas y percibidas. Estos micro-relatos ilustrados tendrán el nombre de Micrografías; un ejemplo es la portada de este post: micro relato de María Belén Mateos Galán y la fotografía de Photosatriani. Cada una de ellos se publicará en Emotionage. Para esta fase, se aceptan todavía inscripciones de artistas visuales.

Una micrografía es la imagen obtenida de objetos no visibles mediante la ayuda de instrumentos ópticos (lupas, microscopios)…en Emotionage, este instrumento son los micro-relatos y los objetos no visibles son las emociones provocadas por la lectura de estos micro-relatos que los artístas visuales transformarán en imágenes…

La tercera fase del proyecto (prevista a partir de Septiembre) será de tipo musical. Cada Micrografía será “adoptada” por un artista musical que se comprometerá a componer una pieza musical original para compaginarse con el relato y las imágenes que lo ilustran. Cada uno de las Micrografías-Musicales constituirá el material para una pieza audio-visual que posiblemente se publicará en YouTube o Vimeo. Cualquier músico que quisiera participar al proyecto puede ponerse en contacto conmigo o puede dejar un comentario en este post para que yo me ponga en contacto con el/ella.

De acuerdo con las decisiones tomadas por la comunidad Emotionage, otros resultados que se podrían derivar del proyecto podrían ser: un “libro-gourmet” con las Micrografías, un “Libro-Audiovisual” con las Micrografías Musicales o una exposición itinerante. Valoraré con mucho interés, cualquier propuesta que nos pueda facilitar la realización de cualquiera de las ideas arriba mencionadas o de las nuevas que queráis proponer.

Emotionage (que al día de hoy ha alcanzado los 2009 “likes”) aglutina talentos para crear sinergias entre artistas de diferentes disciplinas que comparten emociones y belleza. Espero que Emotionage facilite que las personas que son parte de esta comunidad, además de poder demostrar su propio talento a través de las creaciones artísticas, además de poder “tocar con manos” lo que alcanzaremos realizar en forma de libros y/o exposiciones, puedan continuar en contacto, intercambiando ideas, proyectos, soluciones y emociones.

La semana que viene el post será sobre la iconografía del dolor…

 

 

 

MEXICOLOR

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1-Queretaro-Mexico-PhotosatrianiSi tuviera que encerrar en una única palabra lo que es México para mí, sin lugar a duda usaría la palabra color; color de la gente y del cielo, color de la luz fuerte y directa que a pesar de todo, tiene la capacidad de acariciar las cosas, las casas, las calles, la sombras. Es una explosión de vitalidad, de abertura, de no miedo a mostrarse como uno es, de alegría, de detalles que hacen bonito lo que es feo.

Recientemente tuve la oportunidad de pasar algún día en Querétaro (más apropiadamente debería decir en Santiago de Querétaro), una ciudad con algo más de un millón de habitantes, situada en una meseta a unos 1.800mt de altitud; su centro histórico de calles a la vez sinuosas y geométricas es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO; en él, se mezcla con sorprendente gusto visual, el barroco y el colonial.

Disfruté muchísimo paseando sin rumbo en sus calles, fijándome en todo lo que reforzaba mi “teoría del color” Mexicano, observando las costumbres de la gente, husmeando las mezclas de olores que inundaban el aire a las diferentes horas del día, escuchando su música callejera que, sobre todo de noche y en los días festivos, alegraba los ánimos y permitía entrenar el baile.

El centro histórico de Querétaro está en plena restructuración, una restructuración bien hecha y en total respeto de la arquitectura original; en algunas zonas del centro es como ver carteles de “abierto por obras” por todos los lados, que transmiten energía, optimismo en el porvenir y propensión al cambio.

La semana que viene el post será sobre Emotionage la escritura de la luz

Respiros especulares

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PortadaRobando la frase al grande poeta Giuseppe Ungaretti, cada vez que voy al Matadero en Madrid…”mi illumino d’immenso”. El Matadero es un lugar ejemplar de recuperación de un espacio de muerte, en un espacio creativo; un claro testigo que crear y morir son parte del mismo universo. Esta vez “las culpables” de tanta emoción, han sido la instalación de Eugenio Ampudia, “Cada palabra es como una innecesaria mancha en el silencio y en la nada” (hasta el 17 de Mayo) y una video-instalación de Glenda León “Cada respiro” (hasta el 26 de Abril).

Eugenio AmpudiaLa instalación de Eugenio Ampudia se encuentra en una sala que antiguamente era la cámara frigorífica del matadero. Un lugar muy grande, sin ventanas, lleno de columnas y arcos iguales que se repiten y repiten, con un techo que parece abovedado, muy desgastado y quemado, que parece despezarse de su antigua existencia. Este lugar lúgubre, en el cual el sufrimiento y el temblor de los animales que se mataban, alcanzaba finalmente el silencio de la muerte y del hielo, Eugenio Ampudia lo ha llenado de una fina capa de agua inmóvil y lo ha alumbrado con una iluminación tenue desde el bajo hacia el alto. El efecto que se crea es lo de entrar en un lugar especular donde reina el silencio y la nada, donde se pierde la cognición de lo que es y de lo que parece ser, en el cual la vista está atraída por la ilusión de la inmensidad y empuja al cerebro a dar un paso hacia lo que sería la fin. La ilusión es que el suelo es un espejo que puede pisarse, pero unas gotas que caen al suelo desde el alto solo cuando alguien llama a un número de teléfono específico y que en el silencio de la sala reverberan como piedras contra un espejo, revelan que lo de abajo es agua y vacío, llevándonos entonces a una confusión físico-mental que agranda todavía más la sensación transmitida por el artista. La intención del artista es la de reflexionar sobre los actuales procesos de comunicación y sobre el miedo que la unión de voluntades que se comunican provoca en el “poder constituido”…a veces en el arte se genera grande emoción aunque, para esto, no se usen los mismos canales de aquellos que el artista usó para crear su obra. Personalmente esto lo considero un éxito porque el arte, antes se tiene que percibir por sí misma para que luego, conocida la idea del artista, esa pueda ampliar la “lectura” personal que se hace de la obra. El problema ocurre cuando (es el caso de mucha “fotografía conceptual” actual), una obra nos trasmite algo solo después de haber leído las “pajas mentales” que el autor ha cuidadosamente escrito para “justificar” su trabajo.

GlendaLa video-instalación de Glenda León nos lleva a la esencialidad de la vida, a través de los elementos: Tierra, Agua, Aire, Fuego que sincronizan con nuestro vivir a través de la respiración. Después de atravesar la magnífica plaza del Matadero, se accede a la nave 16. Entrando en esta nave, nuestros sentidos son capturados por el ritmo de una respiración que inunda el espacio auditivo y que invita a entrar en una sala obscura en la cual dominan cinco monitores (4 enormes y uno más pequeño) en los cuales se repiten unas imágenes que van síncronas al ritmo de la respiración. Una ola que repite su ida y venida en la arena, unos árboles en los cuales se ve el trascurso de las 4 estaciones, un cielo de nubes que corren y que se transforma en espacio, una tierra que parece inspirar y espirar y una vela que se enciende y se apaga con un soplo. Si uno se centra y deja fuera cualquier pensamiento y ritmo, a los pocos minutos su propia respiración se sincroniza con la del audio y de repente nos damos cuenta como es fácil entrar en armonía con la Naturaleza y la esencialidad, fluir con ella y llegando a sentirnos un cuerpo único con ella. La autora quiere conseguir esto en el espectador y hacernos reflexionar sobre la excesiva importancia que se da en nuestra sociedad al materialismo y al egocentrismo, olvidándonos de la espiritualidad o, como a mí me gusta siempre decir, alejando lo que vivimos de lo que sentimos.

Un “¡gracias!” especial a Ángeles que me empujó para que fuera a ver estas dos instalaciones, sin ella me hubiera perdido algo realmente único!

La semana que viene el post hablará de los colores de México…

 

 

Photosatriani of the Month (PoM) – Marzo 2015

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1-Antonio Torkio-Lucca-Gabbia

El ganador del concurso Photosatriani-of-the-Month para el mes de Marzo es Antonio Torkio con su “Lucca”, publicada en La Gabbia Armonica. Es una imagen que pone al centro de nuestra atención un modesto tiovivo de barrio, gracias al contraste que el fotógrafo ha sabido plasmar entre sus luces, sus colores y la emoción del niño que cabalga un tigre, respeto a la frialdad del entorno exterior compuesto por un otoño recién llegado, por la lluvia, por la gente que anda con paraguas, por una bici abandonada, por un chico en una bici mirando no se sabe bien que, y por dos personas que sienten la atracción por lo que ocurre en el tiovivo: la primera, sentada en un banco con un paraguas abierto y la segunda que duda si hacer fotos. El punto de vista elegido y el ligero efecto tilt shift, han sido usados de manera muy apropiada por Antonio, para aportar todavía más valor al mensaje intrínseco de la imagen. Una imagen que habla de infancia, de inocencia, de ilusión y que choca con un mundo adulto más gris, hecho de indiferencia, rutina y desencanto.

Lo que propongo como PoM, no se trata realmente de un concurso, sino de una manera para premiar todas aquellas personas que comparten sus creaciones en internet y todas aquellas iniciativas que se encuentran en la red para animar a la gente a que publique sus imágenes. Mi fuente de imágenes para el 2015 son 5 grupos en Facebook cuya “producción” fotográfica sigo constantemente desde hace tiempo: Sakafoto2.0, Foto&Friends, Art Lovers, Fotógrafos de Prensa y La Gabbia Armonica.

A partir del 9 de Febrero, hasta el 18 de Marzo, he ido seleccionando unas imágenes (en total 37) entre las que se iban publicando en los cinco grupos arriba mencionados, de acuerdo a mis criterios de gusto, emocionales y de fotógrafo. Entre todas las seleccionadas, he derivado una shortlist de seis imágenes. Una vez elegido los 6 finalistas, he elegido la ganadora, la segunda y la tercera.

2-Nacho Carrasco-Diptico-Foto&FriendsLa segunda imagen ganadora de este mes es un díptico de Nacho Carrasco, sin título y publicado en el grupo Foto&Friends. Es un díptico que mezcla blanco-y-negro y color y que por esto quizás algún purista tendría algo que decir en contra. A mí me parece acertadísima la elección: la parte en ByN muy íntima, cercana al amor y a la ternura con rasgos de niña y la parte en color que para mí, transmite visualmente los mismos sentimientos pero desde el punto de vista de un padre cuando ve su niña tan tierna e indefensa; unos sentimientos que rozan el infinito y la belleza absoluta, tan bien visualizados a través de un inmenso campo de amapolas que sobresalen entre la hierba llena de escarcha.

3-Elniñodelasluces Riu-Fantasmas-Sakafotos-Pintura de luzLa tercera imagen ganadora es del Elniñodelasluces Riu del grupo Sakafotos, con “Fantasmas”; se trata de una bellísima puesta en escena obtenida a través de un uso magistral de la técnica de pintura de luz. A parte el dominio de dicha técnica, el autor revela también una gran capacidad escenográfica. Una imagen que hace pararse, pensar y que embruja.

Finalistas-Anahin-Itot-CaracausiLas otras 3 imágenes que han entrado en la shortlist de 6 imágenes finalistas, han sido de Celia Anahin (La Gabbia Armonica) con una imagen de grandísima belleza y llena de silencio; se trata de una garza elegante en un paisaje de ensueño; de Toti Itot (Sakafotos) con una escena nocturna de vida cotidiana delante de un quiosco que vende churros y buñuelos; de Adele Caracausi (La Gabbia Armonica) con un retrato de dos casitas que parecen haberse encontrado en la confluencia de dos caminos y que se han parado a hablar de la vida…

La semana que viene el post tratará de dos exposiciones visuales pero no-fotográficas que he visitado en Madrid y que me han hecho reflotar mi dimensión filosófica…

 

 

Después de lo sagrado, antes de lo profano

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0-W gli sposiA mí, en una boda, me encanta el momento que se da a la salida de la ceremonia religiosa, cuando los invitados, todavía alcanzan mantener una buena compostura, un poco porque el nivel de alcohol es todavía bajo, un poco porque es un típico momento de “escaparate social” y un poco por respeto a la pareja recién casada, que todavía no ha aparecido en público con el nuevo “estado” adquirido. Típicamente, en una boda Cristiana, este momento se vive fuera de la iglesia, cuando los recién casados están todavía cumpliendo con las obligaciones y antes del lanzamiento del arroz; estamos por lo tanto hablando de un lugar público, quizá el único momento de toda la ceremonia donde se abre una brecha pública en un evento estrictamente privado. Un momento en el cual los externos se pueden “infiltrar” y en el cual (con una adecuada dosis de “cara dura”) es fácil encontrar instantáneas de impacto y a veces, hasta surreales. A continuación os presento una pequeña serie de estas instantáneas, resultado de mis intrusiones en este mundo surreal hecho de forma, de porvenir, de apariencia y de gana de disfrutar.

©Photosatriani

Esperar los recién casados fuera de la iglesia, genera una nerviosa espera de los invitados que se hace a veces larga y hasta insoportable y se disimula usando toda una semántica y una sintaxis social que se traduce en charlar, fumar, besar, saludar, ojear y ser ojeados, hacer cumplidos no siempre alineados con los pensamientos, hablar de, o con personas de las cuales se había perdido la traza…

©Photosatriani

Finalmente la tensión se derrite cuando los novios, acabadas las formalidades burocráticas, aparecen fuera de la iglesia y entonces explota el arroz, la gente se desata porque pre-gusta la comida y después la fiesta; las novias más coquetas se vuelven a maquillar para reparar los daños de las lágrimas de emoción versadas en el momento del “Sí” o cuando en la ceremonia, se recuerdan las personas de la familia que ya no están….

©Photosatriani

La semana que viene el post será sobre los ganadores del mes de Marzo del “concurso” Photosatriani of the Month (PoM)… suerte a tod@s!!!

ENTRENEMOS EL SABER VER…

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Una de las mejores manera de hacerlo es la de no cansarse nunca de ver exposiciones… os sugiero algunas de las que he visitado últimamente y que todavía pueden verse.

Vari Carmes

En la sala de CFC Bilbao hasta el 5 de Abril – Pasatiempo de Vari Carmés. Un trabajo “terapéutico” como el mismo lo definió en la lección magistral que ofreció dentro de los viernes del CFC. Vari es una persona muy cercana, su fotografía sirve para soñar y Pasatiempo es el lugar donde vive el olvido y la fugacidad…

 

 

 

LandemarEn la coqueta galería de espacio foto en la c/Viriato, 53 en Madrid, hasta el 28 de Marzo – Landnemar de Álvaro Sánchez-Montañés. Un trabajo sobre Islandia y sobre la inmensidad y potencia del paisaje en el cual el hombre alcanza convivir, solo después de haberse rendido a la fuerza de la Naturaleza. Antonio, el dueño de la sala es una persona, además que competente, muy empática y abierta; charlamos un buen rato y hasta coincidimos en muchos temas sobre la fotografía (por ejemplo este hincapié excesivo para la así llamada fotografía conceptual) y sobre el diseño de la exposición…

001 002En Caixa Forum en Madrid, hasta el 7 de Junio – 19 Fotopres “la Caixa” en el cual se reúnen los 10 proyectos sobre la nueva imagen documental y que fueron seleccionados y dotados con las ayudas para la producción y la publicación. Está prevista una serie de conferencias con los autores; las que todavía faltan son: 7 de Abril Colectivo AQE y 2 de Junio Sebastián Liste

Javier Riaño

 

En la sala Rekalde en Bilbao, hasta el 3 de Mayo – Javier Riaño, sus pinturas muy realistas sobre unas arquitecturas hechas de espacios profundos, líneas esenciales y luz plana y reveladora, en las cuales la composición es siempre refinada y destaca la no-presencia, más que la ausencia, de personas.

Emoción y metáfora fotográfica

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En Madrid, la semana del 23 de Febrero al 1 de Marzo estuvo dedicada al arte visual; se concentraron en aquellos días, cuatro eventos alrededor del arte contemporáneo: ARCO, ART MADRID, JUST MAD y FLECHA. Durante unos días de aquella semana, estuve en Madrid por razones de trabajo; considerando el escaso tiempo libre a disposición, tenía un problema serio para elegir uno o como máximo dos de estos eventos. Para complicar todavía más mi elección, mientras valoraba pros y contras de las posibles combinaciones, me enteraba de otras exposiciones fotográficas disponibles en la ciudad. Como muy a menudo pasa cuando estamos agobiados, la solución no puede encontrarse en el equilibrio, si no más bien en la ruptura; así que decidí prescindir de cualquier evento donde el dinero parece ser el criterio principal para juzgar el valor artístico, para primar el criterio del disfrute íntimo y personal del arte fotográfica.

Siguiendo este instinto, me acerqué al Conde Duque donde Ouka Leele expone su Asturias emocional: “A donde la luz me lleve” (hasta el 19 de Abril).

Mirando aquellas imágenes, se entiende perfectamente que este trabajo comisionado por la Fundación Masaveu ha abierto a Ouka Leele las puertas de un mundo inesperado, en el cual la luz “perfecta pero huidiza” obliga a no esperar, y a aprovechar el momento fugaz, transformando a la fotógrafa en un “nómada perseguidor de la luz”. El conjunto de imágenes son el testigo de diferentes instantes de vida cotidiana o de paisajes que, si no hubieran sido vividos (y atrapados en una foto) en aquel preciso momento, nunca hubieran vuelto o lo habrían hecho bajo otras apariencias y por lo tanto no habrían sido nunca iguales. La importancia de vivir cada momento casi como fuera un milagro…

La segunda exposición que elegí de ir a ver, fue El ruido y la furia” de Pablo Genovés que está en la torre del agua del Canal Isabel II (hasta el 22 de Marzo). Este lugar es de por sí una maravilla porque es circular y por lo tanto envolvente, casi totalmente obscuro y se desarrolla en vertical (son tres pisos más la azotea), por lo tanto las piezas que se exponen, dependiendo de donde se miran, parecen flotar (vista desde arriba) o caer encima del visitante (vista desde abajo).

Títulos cuales: atracción del abismo, cronología del ruido, juicio final, ofrecen una interpretación muy clara de las imágenes, que tienen una doble lectura: la primera emotiva, debido a las escenas de destrucción y de catástrofe en lugares cerrados de gran impacto; estas escenas, instauran la duda en el visitante, columpiándolo entre la ficción del imposible y la simulación de lo verdadero; la segunda lectura es metafórica: los edificios de las fotos de Genovés son todos en Europa; su lujo es la evidencia de la grandeza vivida…en ellas irrumpe la catástrofe que destruye, modifica y proyecta una realidad post-crisis que muchos temen y que no quieren todavía admitir.

Aprovechando el paso por el Conde Duque, no podía faltar en pasarme por mi galería madrileña preferida: Blanca Berlín; allí me encontré con una exposición muy refinada pero no fotográfica de Pep Carrió (hasta el 11 de Abril); una exposición marcada por la sencillez de las propuestas creativas que por eso mismo se quedan muy metidas en nuestras almas. Unas piezas que hablan de desechos y de recuperación y revelan su belleza escondida. Los dos ejemplos que incluyo a continuación, no permiten ni de asomo apreciar la belleza que se percibe delante de las piezas reales, sirven pero para dar una idea sobre la propuesta de Pep Carrió: una superba composición circular hechas por esqueletos de erizos de mar y otra rectangular hechas con trocitos de madera coloreada, encontradas en playas y encerradas en cajitas a su vez de madera.

La semana que viene el post hablará de bodas…”robadas”…

 

 

 

 

Colección espacio RAW en segoviaFOTO

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Hasta el 15 de Marzo, en el marco del evento SegoviaFoto, se expone la Colección espacioRAW en la Plaza de la Alhóndiga, 1. Tengo el honor y el placer que una foto de mi serie Ikebana es parte de esta colección que tiene la característica de estar compuesta al 100% con fotos digitales en blanco y negro impresas con tintas de carbón, en papel de gelatina de plata. Un proceso que proporciona resultados verdaderamente asombrosos y en el cual espacioRAW, además de ser un máximo experto, le añade su famoso cariño y cuidado personal que tan bien les caracteriza.

Una amiga, sin saber de mi presencia en la colección, se pasó por Segovia y cuando se encontró con la exposición me envió estas imágenes (no tiene la chica un móvil de última generación… pero bueno…me hacen igualmente mucha ilusión) que son el testigo de que Ikebana está allí metida y “codeándose”, permitidme esta pequeña presunción, con nombres cuales: Isabel Muñoz, Eduardo Momeñe, Ouka Leele, Blanca Berlín, etc…

 

 

 

Religión y familia en la Candelaria Mexicana

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1-Ritratto Gesu BambinoMis raíces religiosas se hunden en los recuerdos de la infancia. En muchos lugares Latinoamericanos, la religión Cristiana tiene todavía una muy fuerte presencia en la vida social y hasta marca los ritmos de vida comunitarios. Cuando el dos de Febrero me encontraba en México por trabajo, me dijeron que aquel día no se trabajaba pero nadie me dijo que era la fiesta de la Candelaria y que en México se vive como una importante fiesta familiar.

11-Gruppo FamiliareAsí que, cuando el dos de Febrero daba una vuelta con mi cámara fotográfica por el centro histórico de Querétaro, me sorprendió ver de repente un montón de gente vestida con una cierta elegancia y con niños Jesús llevados en los brazos o en cestas de mimbres, como auténticos bebés.

El apogeo de todo esto barullo se produjo a la salida de una de las muchas misas que se celebraban a lo largo del día. Me encontré en el medio de decenas y decenas de hombres, mujeres, niños, mayores, todos vestidos de fiesta y todo con por lo menos un niño Jesús entre sus brazos. Empecé a hacer fotos a lo que me llamaba la atención y esto es el resultado resumido de aquel momento.

¿Qué es la fiesta de la Candelaria? Sus orígenes remontan a la costumbre que se tenía en la antigüedad de presentar el recién nacido al templo, después de 40 días de su nacimiento. Cuando José y María llevaron su hijo Jesús al templo, parece que un anciano cuyo nombre era Simeón, dijo que Jesús sería la luz que iluminaría a todos los Hombres. Por esto, en la fiesta actual, se llevan muñecos del niño Jesús y las velas como símbolo de la luz y de aquí deriva el nombre de la fiesta de la Candelaria.

12-Gesu BusinessLa gente que me encontré a la salida de la iglesia me explicó que en México la fiesta consiste en preparar al niño Jesús con vestimenta elegante. Aunque no expresamente declarado y más bien negado por todos, se genera así una competición encubierta a quien tiene el niño Jesús más guapo, elegante y brillante; típicamente toda la familia asiste a la misa en la iglesia y aquella persona que encontró el niño en la rosca de reyes, tiene que organizar una fiesta que termina con una merienda familiar, en la cual se sirven tamales, atole de sabores y chocolate caliente.

10-Familia1La semana que viene el post tratará de fotografía emocional y metafórica en Madrid…