Il Venerdí di Photosatriani N. 245

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Alba in Villa Scarpariello – Swimming pool with a view

En mi web encontráis esta y otras imágenes de la serie “Italia a Bocconcini”

FLORES en Tabacalera

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Hasta el 26 de Enero en Tabacalera Madrid, se puede ver una exposición que me parece un grito de libertad. Se trata de FLORES del director de cine Pedro Almodovar e del pintor Jorge Galindo.

Flores es el resultado de un trabajo conjunto de los dos artistas que ha tenido como punto de partida las fotografías de bodegones de jarrones y flores que Pedro Almodovar lleva haciendo desde hace tres años.

En los videos que se pueden ver en la exposición, se puede apreciar la manera de trabajar conjunta de los dos artistas usando la pintura y los colores como medio para re-interpretar las fotografías originales y crear nuevos significados. A veces se ha tratado de diálogos entre los dos, otras veces de monólogos simultáneos que han provocado “fuegos artificiales” de colores en las gigantografías de las fotografías de Pedro Almodovar que estaba tiradas en el suelo o colgadas en las paredes del estudio de Galindo.

Lo que obtuvieron, son unas piezas de muy grandes dimensiones que, al verlas, me han trasmitido una fuerte sensación de libertad, de energía, de pasión, de danza creativa, de acción y que me empujó a hacer unas fotos de lo que estaba viviendo, usando la única cámara que tenía a mi disposición en aquel momento: mi móvil. Además, yo he siempre querido (sin poderlo realizar hasta al momento) que mis fotos fueran la base para que un pintor o un artista gráfico las interpretara, añadiendo y modificando mis imágenes. Por todo esto, en aquel momento me sentí muy compenetrado con la acción artística de Almodovar y Galindo y no pude resistirme en hacer fotos para añadir una interpretación más a los cuadros de los dos artistas y de como estos en mi opinión dialogaban con la arquitectura de las salas.

El resultado es un dialogo visual entre colores, energía, vida por un lado (las obras de Almodovar/Galindo) y abandono, tristeza y muerte por el otro (las salas “pseudo-abandonadas” de Tabacalera). Ambas dimensiones se refuerzan mutuamente en este juego de contrastes: los vivaces cuadros de Almodovar/Galindo adquieren por contraste todavía más fuerza vital y las salas de Tabacalera con sus arrugas, heridas, tuberías, adquieren una belleza arqueológico-futurista, casi épica.

Il Venerdí di Photosatriani N. 244

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Villa Scarpariello
Villa Scarpariello – Ravello

El verano pasado mi gran amigo Antonello nos regaló unos días en un sitio muy exclusivo en la Costiera Amalfitana. Estaremos dos semanas más en este lugar pero, quien quiera ver más, puede pichar aquí

La resiliencia en el proceso creativo

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De vez en cuando es bueno ser consciente de que hoy, de que ahora, estamos fabricando las nostalgias que descongelarán algún futuro. (Mario Benedetti)

Ha llegado el final de año, tiempo de reflexiones y de consuntivos; el año pasado no pude mantener la tradición de desear desde este blog un feliz año nuevo a través de una pequeña reflexión. La última la hice en el 2017 sobre la importancia de las imperfecciones en el proceso creativo. Este año es sobre la resiliencia en el proceso creativo.

La resiliencia en el proceso creativo
Las “burbujas” de Anish Kapoor delante de la sinuosidad de Frank Gehry

La distancia entre lo que sentimos y lo que vivimos

Vivimos en un mundo tecnológicamente avanzado y emocionalmente primitivo, en el cual el sentir y el vivir están tan alejados que, en lugar de apoyarse, se obstaculizan. Este aspecto, genera la necesidad de sobre-ocupar el tiempo para no dar espacio a la introspección o a “dañinas” esquizofrenias emocionales.

Una manera para intentar realinear lo que vivimos con lo que sentimos es entrar en contacto con el arte o, todavía mejor, practicando el arte; no importa si bien o si mal, pero si se hace arte en la mejor manera que podamos, habremos creado algo a través de un proceso que necesariamente es introspectivo y que necesariamente nos obliga a bucear en nuestro caos reordenando ideas, pensamientos, sensaciones, recuerdos, miedos, experiencias.

Crear nos ofrece un escape, pero también desarrolla la empatía y nos permite apreciar lo que tenemos y lo que somos. Lo que a menudo olvidamos, es que antes de crear algo significativo o simplemente que sea capaz de trasmitir emociones en quien son los receptores de nuestra arte, hay que equivocarse ciento y cientos de veces y cientos y cientos de veces levantarse y perseverar en el sendero estrecho de la creación.

La resiliencia en el proceso creativo

¿Por qué digo todo esto? porque estoy pasando por uno de los recurrentes periodos de confusión y desmotivación artística, en los cuales me olvido de mi legado, siento que siempre estoy persiguiendo, que llego tarde, que no soy capaz de proponer nada que tenga un eco en los demás. Son muchos los factores que me llevan a este abismo: un concurso fotografico en el cual había repuesto mucha ilusión que ha ninguneado mis obras; la sensación de pertenecer a un pelotón muy grande que muestra un pedaleo y una fuerza que no siento tener; la participación a un taller de un fotógrafo de éxito durante el cual visualizo la distancia entre lo que soy y lo que necesito aprender; el poco tiempo que puedo dedicar plenamente a la fotografía; la sensación de estar en el “borgiano” jardín de los senderos que se bifurcan y tener que optar siempre por el camino más torcido.

La pregunta que está siempre en el aire es: “¿para qué estoy haciendo todo eso?” ya sé que la respuesta más sensata es: “para mí, para mi disfrute”, pero en ella siempre se cuela algo de vanidad o simplemente el deseo de saber que mi mensaje alguien lo recibe y corresponde, creando así una comunicación a través del lenguaje universal de la fotografía. Cuando lo primero no es suficiente y el segundo no proporciona las respuestas deseadas, entonces, nace la disilusión, la insatisfacción, a veces el abandono.

Como dice Cristian Mihai en uno de sus innumerables artículos en el blog Irevuo, “la pasión tiene poco a que ver con la euforia y todo con la paciencia”. No se trata de tener un subidón, se trata más bien de resistencia, resiliencia y perseverancia. Se trata de equivocarse, de ser burlado, de pasar olímpicamente de lo que piensen y digan los demás, de dudas, de miedos, de rechazos, de silencios y de incomprensiones. Pero….,pero al final no hay mejor remedio que volver a intentarlo porque es lo que nos gusta hacer, porque ya sabemos que volveremos a quererlo una vez más. Es nuestra fuerza, nuestra manera de expresarnos, nuestro grito contra la soledad. Senza l’arte non moriremmo, ma ci sentiremmo meno vivi

La resiliencia en el proceso creativo
El sonido del mar siempre habla de volver a empezar
www.photosatriani.com

Mis deseos para este nuevo año que arranca en breve, es para toda persona que no se cansa de luchar para que lo que creamos tenga un reflejo, un eco en los demás. FELIZ 2020!

Un parcial consuelo para mi es saber que lo que siento es algo común en las personas que crean y se expresan a través de alguna forma de arte. Invito todos a leer estos dos artículos que mi amiga Marcela Tinoco ha compartido en su página FB. Ambos escritos son de Carmen Reviriego que llega a mí misma conclusión, aportando un enfoque de quien trabaja en el mercado del arte. El primero es “El arte, una actividad solo para valientes”; el segundo es “Arte, el arma del futuro”

Il Venerdí di Photosatriani N. 242

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La Ría de Bilbao a su paso por Lamiako

Después de la serie sobre Purple Guggenheim, no alcanzo todavía alejarme de Bilbao; siguiendo La Ría que fluye tranquila cerca del museo hacia su salida al océano, quedaremos en la “Gran Bilbao” todavía esta y la siguiente semana. Pincha aquí si quieres ver más…

Il Venerdí di Photosatriani N. 241

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La “burbuja” de Anish Kapoor es el Árbol para estas Navidades

Acabo la serie dedicada a “Purple Guggenheim” con esta imagen en la cual las 76 esferas de acero de Anish Kapoor hacen de perfecto contrapunto al titanio de Frank Gerhy.

Visto que estamos cerca de la Navidad, podríamos verlas como las burbujas de una copa de Spumante/Cava/Champagne! o, ¡y porque no! un árbol de Navidad modernista. Por esta razón, usaré esta misma imagen para ilustrar el “tradicional” artículo de final de año que publicaré Lunes 30 de Diciembre, esta vez sobre la “resiliencia” en el proceso creativo…

Il Venerdí di Photosatriani N. 240

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Guggenheim, Bilbao, Euskadi – Venerdí Photosatriani N. 240

Una perspectiva completa que muestra como el Guggenheim encaja perfectamente en el “skyline” de la ciudad: el puente de La Salve en primer plano, conduce la mirada hacia el Guggenheim y la “Torre Iberdrola” erguida detrás de él, hace que la mirada se rentenga en el museo. La Ría refleja la escena anterior ofreciendo una imagen especular y movidiza que parece perderse hacia el horizonte. El cielo surcado por el humo de una fábrica y los rastros de los aviones nos recuerdan que, en cualquier caso, estamos en un área que no solo recuerda, si no que conserva su profunda huella industrial.

Esta imagen púrpura es la que para mi representa con mayor exactitud el concepto de “nuevo comienzo” (en este caso para Bilbao) que Prince quería transmitir en su Purple Rain, de la cual mi serie Purple Cities toma inspiración.

Miradas que miran: Thomas Struth en el Guggenheim

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¿Que se obtendría si alguien nos fotografiara en el momento en el cual estamos mirando una foto en la cual otras personas están mirando una obra de arte que a su vez mira las personas que la están mirando?… esto es lo que he llegado a pensar cuando estaba inmerso en las salas del Guggenheim de Bilbao (hasta el 19 de enero) dedicadas a la fotografía de Thomas Struth. ¿Y si volviéramos a hacer lo mismo hasta el infinito? Obtendríamos un abismo de miradas que miran como cuando de pequeño, con mis primas, nos poníamos en el medio de dos espejos que se reflejaban en el cuarto de dormir de mi abuela, restituyéndonos un abismo recursivo de nuestras personas.

Miradas que miran: Thomas Struth en el Guggenheim
©THOMAS STRUTH – Museo Guggenheim, Bilbao Octubre 2019 – 19 de Enero 2020

La exposición en el Guggenheim de Bilbao

La retrospectiva que el Guggenheim de Bilbao dedica al fotógrafo Thomas Struth es realmente impresionante e imperdible; una importante cantidad de imágenes, agrupadas en un conjunto de temáticas que espacian desde el retrato a los paisajes, pasando por retratos a animales muertos, paisajes tecnológicos, casi macros y sobre todo imágenes que muestran miradas que miran en una mareante espiral en la cual quien mira pierde la orientación, hasta llegar a cuestionarse su propio rol en este cuadro de realidad “Escheriana”. A continuación, dejo alguna consideración sobre las series que más me han atraído.

Nuevas imágenes del paraíso

Se trata de imágenes de grandísimo formato que retraen una selva “anónima” en todos sus detalles; se trata de fotografía inmersiva en el sentido que el espectador tiene la sensación de entrar en aquellos lugares y el proceso que se desarrolla no tiene nada a que ver con la contemplación visual, sino que se acerca más a un viaje meditativo o un viaje en el tiempo porque en nuestra mirada no tenemos ninguna referencia que pueda condicionar nuestra perspectiva o juicio.

Naturaleza y Política

©THOMAS STRUTH – Museo Guggenheim, Bilbao Octubre 2019 – 19 de Enero 2020

Esta serie y en particular las imágenes de los laboratorios de investigación espacial, plantas de energía nuclear, laboratorios tecnológicos, quirófanos y plataformas de perforación, son para mí la pieza más fuerte de toda la exposición. El artista ha fotografiado con muchísimo cuidado, detalle, curiosidad y con una fabulosa capacidad de observación y síntesis de espacios complejos: estaciones de trabajo, experimentos científicos e híper-tecnológicos, nuevos desarrollos, investigaciones, procesos de medición e intervenciones que, en algún momento futuro, de forma directa o indirecta, entrarán en nuestras vidas y cambiarán su curso. Se trata de lugares e infraestructuras que normalmente nadie ve porque nadie puede acceder a ellos que, bajo la interpretación visual del fotógrafo, adquieren una insospechable belleza visual hecha de formas, colores y complejidad. Thomas Struth se enfoca en experimentos complejos cuando todavía son prototipos, para transmitirnos la importancia del enfoque “prueba y ensayo” como herramientas para transformar la sociedad contemporánea y explora la estética de la vanguardia tecnológica, la experimentación y la innovación en la actividad humana.

Retratos de la muerte

Miradas que miran: Thomas Struth en el Guggenheim
©THOMAS STRUTH – Museo Guggenheim, Bilbao Octubre 2019 – 19 de Enero 2020

Para mí, la segunda serie más impactante presentada en el Guggenheim es la que retrae los animales tenidos en cautividad y muertos por causas naturales, antes que les hicieron la autopsia en el instituto zoológico Leibniz. La primera sensación que he tenido es de rechazo. Luego me fijé en la dignidad que desprendían estos animales y que fue una clara intención de Struth, a través de poses cuidadosamente buscadas y con una toma desde el alto. Deteniéndome delante de estas imágenes, me fijé luego en pequeños detalles de desgarro en la exterioridad de estos animales que muestran la fragilidad y la sacralidad de la vida, ofreciendo una imagen del pasaje entre la vida y la muerte.

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