Las posibilidades descriptivas de la cámara fotográfica

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©Nicholas Nixon – “The Brown Sisters”

A Nicholas Nixon le conocía por la fantástica y a la vez sencilla serie de las “Brown Sisters”, en la cual el artista retrata su mujer junto con las hermanas de ella desde el 1975, cada año hasta hoy, siempre en el mismo orden compositivo de las modelos. Esta es una serie a mitad camino entre la objetividad documental y la íntima belleza emocional de un álbum familiar; desde la sencillez de la mirada, nos hace reflexionar sobre el inexorable paso del tiempo, sobre el proceso de envejecimiento y hasta sobre el inevitable dolor de la pérdida. Muchos de nosotros estoy seguro que tenemos algo parecido entre nuestras fotografías familiares. Yo mismo procuro hacer una foto familiar cada año (aunque no preservando el mismo orden en la composición) que luego incluyo en el calendario que creo y regalo a los más estrictos familiares en las Navidades; lo voy haciendo desde que mis hijos eran muy pequeños y antes de descubrir la serie de las hermanas Brown. Yo mismo me doy cuenta con el pasar de los años, de la importancia emotiva y documental de lo que estoy haciendo y a veces me encuentro pensado cosas del tipo: “a ver el año que viene si conseguimos estar todos”; “a ver en quien se va a notar estas discontinuidades que el tiempo nos reserva de vez en cuando”; “hay que pensar en reunir la familia para hacer la foto”. Es un mecanismo de refuerzo de los lazos familiares.

Volviendo a la exposición retrospectiva de Nicholas Nixon en la Fundación Mapfre en Madrid (hasta el 7 de Enero), además de la serie de las hermanas Brown (incluida en la exposición), se pueden admirar más de 200 fotografías que están claramente diferenciadas en dos mundos: los panoramas urbanos y los retratos. En ambos casos, estamos hablando de una fotografía nítida, precisa, con composiciones elegantes y refinadas. Nixon empezó con fotografiar los paisajes urbanos para luego migrar hacia el retrato. En la exposición, hay una serie que es la evidencia de este traspaso, se trata de la serie “Porches” en la cual el artista retrata personas y escenas familiares en los porches de sus casas; en este lugar intermedio entre el público y el privado, entre el paisaje y el retrato.

En las imágenes de Nixon percibo lentitud, entendida como el incansable e ineluctable trabajo del tiempo sobre las cosas y las personas; lentitud que se hace tristeza en la serie “Ancianos” retratados en las residencias donde Nixon trabajaba como voluntario; lentitud que se hace sufrimiento y desgarro en la serie “People witha AIDS”; lentitud que se hace dulce compaña en las imágenes intimas de la serie “Parejas”.

Nixon es un autor que nos hace sentir su implicación personal en las imágenes que hace y con los temas tratados; nos hace además percibir lo que normalmente pasa desapercibido cuando miramos con superficialidad nuestra cotidianeidad.

 

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Il Venerdí di Photosatriani N. 127

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Arbóreo N. 66- Fabula Arbórea

El itinerario convencional en GetxoPhoto 2017

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En la entrada de la semana pasada, enfoqué mi atención a las propuestas innovadoras presentadas en GetxoPhoto, esta semana os hablaré del recorrido tradicional dedicado a la fotografía.

La primera consideración que quiero hacer y que mirando el mapa salta a la vista claramente, es la importancia extremadamente marginal que se ha querido dar a la Participación Popular (PoP en el mapa), relegándola completamente fuera del circuito principal y en una zona de Getxo que no proporciona ningún motivo de atracción para la gente; es como si los organizadores hubieran querido decir a la gente que ha ofrecido con ilusión sus creaciones para la iniciativa: “¡piérdete!”. En mi opinión se debería dar mucha más importancia en GetxoPhoto a la participación popular, vista la naturaleza “callejera” del evento. Debería ser una oportunidad para que “puedan ver la luz” muchísimas más propuestas de anónimos artistas locales y no, en un contexto que quiere ser a la vez internacional y popular.

Yo también envié mi propuesta sobre el tema: “el futuro ya está aquí”, pero mi foto no fue seleccionada para la exposición. Hasta el último momento tuve serias dudas si enviar la imagen que finalmente envié o se era mejor la otra que no he enviado. ¿Alguien quiere decirme cuales de las dos habría enviado si hubiera sido en mi lugar? 1-Milenial Big-Bang o 2-Raíces de Futuro? (ver la imagen en portada de esta entrada y dejad vuestra preferencia en los comentarios)

Las propuestas más atractivas del recorrido para mi han sido:

SOUP: estremecedoras (por belleza estética y por denuncia) imágenes creadas utilizando residuos de plástico encontrados por la artista Mandy Barker en las playas de todo el mundo.

ABANDONED: destacaría la instalación en la vieja gasolinera abandonada de Algorta, que ofrece un escenario perfecto para las imágenes de Richard Allenbay-Pratt que plantea la hipótesis de un Dubai desierto después del fin de la era del petróleo, con la subyacente denuncia de la insostenibilidad del sistema económico actual.

FOOD: en este caso también la localización es perfecta (no sé si opinan lo mismo los carniceros del Mercado cubierto de Algorta) para unas imágenes que denuncian la no-humanidad del proceso que nos permite de comer carne diariamente. Las imágenes de Henk Wildshut, me han recordado el libro de Michel Faber “Bajo la piel” en el cual, los animales que mataban para proporcionar la carne a la mensa de otros seres vivientes, eran los humanos.

ESTE NO ES EL PARAISO de María Portaluppi: imágenes muy conmovedoras de animales en cautividad. En la mirada o en la gestualidad de los animales retratados se lee una profunda tristeza y nostalgia del alejado hábitat natural; esta sensación viene reforzada por una muy acertada atmosfera de sombra. En mi opinión, de la serie presentada, habría eliminado la imagen del acuario y la imagen de una planta trepante; no transmitían ni de lejos las sensaciones de las demás imagines.

Por otro lado, en mi opinión, había propuestas de las cuales se hubiera podido prescindir tranquilamente:

STANDARD de Roger Eberhard: dípticos de habitaciones de una misma cadena hotelera alrededor del mundo, con asociadas las vistas que se pueden admirar de sus ventanas. Tema visto y re-visto, frito y re-frito. Hasta yo tengo una serie de este tipo hecha en mis andares por el mundo como consultor, que nunca he querido editar, porque me parece perder tiempo por la banalidad del mensaje…pero mira, quizás me equivoqué!

PEST CONTROL de Tania Franco Klein. Forzosamente conceptual. Pretender que la gente entienda la relación entre la plaga de las palomas, el mensaje que se quería transmitir de (in)-comunicación entre personas y su realización visual es como pretender que la gente aprecie una pizza hecha sin levadura, con tomates madurados en el sol Antártico y con mozzarella hecha con leche de tigre!!!

 

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 126

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Arbóreo N. 65 – L’isola che non c’e’

 

Nuevas conversaciones en GetxoPhoto 2017

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Aunque la edición 2017 se acaba de finalizar, si tuviera que aconsejar por dónde empezar la visita a GetxoPhoto, sin lugar a duda diría por la Sala Torrrene, por las propuestas innovadoras que allí se ofrecían. Dos sobre todas: “Jaywalkers” de Dries Depoorter y “Death Tolls experience” de Ali Eslami.

En general, las propuestas visuales que se presentaban en esta sala, ofrecían al visitante interesantes oportunidades de reflexión sobre lo que es y será el arte visual que, con las nuevas tecnologías, va asumiendo formas y contenidos que se alejan enormemente de lo que tradicionalmente ha sido la aproximación a un cuadro, a una fotografía y hasta a un vídeo. Se trata de una (re)-evolución que causará perdedores y ganadores; seguidores y detractores; re-ajustes y carreras hacia adelante. Está claro para mí que, en un contexto como este, la fotografía está destinada a revisar y reconstruir el mensaje que ofrece si no quiere desaparecer como forma de arte visual. Tendría en mi opinión que dejar la exagerada tendencia conceptual en la cual se ha metido en los últimos años, porque las nuevas formas de arte visual ofrecen un vehículo mucho más potente y expresivo, y recuperar el contacto directo con la esfera sensorial; volver a la artesanía del proceso; re-descubrir la dimensión más íntimamente emocional.

En Jaywalkers, Dries Depoorter (artista Belga aunque dice que vive “on-line”) nos mete en el mundo horrible y agobiante del “Gran Hermano” que todo ve, controla y nos delata. Ha “hackeado” tres cámaras de seguridad en EEUU y en Canada, permitiéndonos de ver “live” lo que ocurre in tres anónimos cruces de carreteras con semáforos, de vete a saber cuál ciudad. Asociada a cada pantalla hay un pulsante rojo que podemos apretar si vemos un peatón o un coche que pasa con el rojo. Si esto ocurre, automáticamente se envía una denuncia por e-mail a la comisaría más cercana!!!

En Death Tools Experience, Ali Eslami nos materializa violentamente y visualmente los asépticos números de muertos relativos a las guerras actuales y a los flujos migratorios, que nos hemos acostumbrados a escuchar casi diariamente como frías estadísticas y no por lo que realmente son: personas que ya no existen, con todo lo que esto conlleva en su entorno. Para esto, nos propone un fascinante, inquietante, poético, brutal viaje de realidad virtual, en el cual el espectador se transforma en testigo presencial del inmenso número de cadáveres alineados y envueltos en bolsas blancas, haciéndonos sentir cercanos al drama y llegando a tocar nuestras cuerdas más íntimas de culpabilidad. Sus planos visuales son de una tal belleza y de una poética tan altamente sensible que, en parte amortiguan la crudeza del mensaje, raptándonos, centrifugándonos y devolviéndonos aquella compasión y empatía que hemos perdido.

La próxima semana os contaré del resto de las exposiciones que he visitado en GetxoPhoto.

 

 

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 125

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Arbóreo N. 64 – Danza Arbórea

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 124

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Arbóreo N. 63 – La vida secreta de los Pinos

 

Il Venerdí di Photosatriani N. 123

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Arbóreo N. 62 – Reflejo Invernal

Il Venerdí di Photosatriani N. 122

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Arbóreo N. 61 – Lago Encantado

Bill Viola y la videoarte emocional

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Hemos llegado a un punto en el cual consideramos la experiencia visual como imprescindible para nuestra experiencia cognitiva. La consecuencia más evidente de esta invasión es que estamos saturados y las imágenes están perdiendo efectividad. Además, en la mayoría de los casos, estas imágenes quieren guiar nuestro pensamiento hacia una interpretación específica. Si esto no lo consiguen con lo visible, habrá seguramente a lado de cada una de estas imágenes, alguna larga explicación “conceptual” que nos… “hace entender” como tenemos que interpretarlas.

Cuando entré en el mundo visual de Bill Viola en el Guggenheim de Bilbao (hasta el 9 de Noviembre), todo lo anterior desapareció. El mundo de Bill Viola es absolutamente sensorial; no se necesita de ninguna explicación y de ninguna palabra, para dar espacio a una experiencia cognitiva perceptiva, emocional y sensorial. Re-tomando unas palabras del mismo autor: “desde lo que yo soy y de lo que yo siento, transformo mi ser en unas imágenes que a vez son capaces de penetrar y romper culturas, mundos personales, historias, vidas y generan más emociones que se transforman en tesoro personal y nos hacen pensar y nos enriquecen”.

He prometido a mí mismo de volver a ver la imperdible retrospectiva en el Guggenheim, comisariada por Lucia Agirre e instaladas en ocho salas del Museo, cuando la horda turística haya bajado de intensidad, para poder disfrutar con mayor plenitud de las obras de videoarte allí instaladas y amplificar las emociones que se generan. Las espectaculares obras de Bill Viola tocan a veces la esencia del sentido de la vida terrenal, exploran conceptos como la muerte o el renacimiento humano después de haber tocado el infierno; por esta razón, sus obras generan en el espectador respuestas profundas y a veces, totalmente inesperadas. En el Guggenheim, se pueden admirar obras cuales: “The dreamers”, “Fire Woman”, “Tristan’s Ascencion”, “Inverted birth”; “The Encounter”, “The Veiling”.

Esta última, aunque no sea tan espectacular como otras, me ha parecido muy íntima y poética y por esto la señalo con especial hincapié. Se trata de una instalación de unas veinte capas de tela translucida, sobre los cuales se proyectan desde los dos extremos, imágenes de un hombre y una mujer acercándose y alejándose de la cámara en varios paisajes nocturnos. Las telas difuminan la luz, de manera que las imágenes son pura presencia en la tela central. Las diferentes capas, hacen que las imágenes asuman una forma tridimensional, que van moviéndose en el espacio oscuro de la sala, permitiendo meditar sobre como una misma realidad pueda ser percibida desde diferentes ángulos y perspectivas. Desde el punto de vista sensorial, la obra genera misterio y descubrimiento, a medida que las imágenes toman forma en las diferentes capas de las telas, para finalmente revelarnos lo que estamos viendo.

Dentro de la exposición en el Guggenheim, hay también un interesantísimo documental de Isabel María, “Tiempos de Tránsito”, en el cual Bill Viola revela su proceso creativo que empieza con el recopilar en un cuaderno que llama “Diario”, cualquier cosa que llama su atención: fragmentos de lecturas, recortes de periódicos/revistas, experiencias personales, ideas. El “Libro de Proyecto” es el cuaderno en el cual toma cuerpo un proyecto específico desde su conceptualización hasta su descripción en los detalles. El “Libro de Producción” es el cuaderno en el cual Bill Viola desarrolla la implementación técnico-práctica del proyecto, llegando a especificar todos los elementos necesarios para luego producir la obra visual: localización, decorado, iluminación, actores, etc…

Una experiencia que me ha “cogido totalmente desprevenido” por la fuerza emocional y sensorial que se vive, presenciando el videoarte de Bill Viola. Sugiero abrazar la fuerza creativa de Bill Viola y entrar en su mundo con: una predisposición mental abierta, la posibilidad de olvidarse del tiempo y un total abandono sensorial. Si se cumplen estas tres premisas, se podrá vivir cognitivamente y sensorialmente algo realmente único; una ascensión a algo que va más allá de lo terrenal.