Escher: infinito enigmático

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foto: Giuseppe Satriani

Hasta el 25 de Junio el Palacio de Gaviria en Madrid acoge una retrospectiva de la obra de Escher en la cual el visitador se queda fascinado por la versatilidad artística y por el intelecto de este pensador visual, que nos hace entrar en mundos imposibles que parecen reales y nos desvela enigmas que encierran otros enigmas en una espiral recursiva que nos hace tocar el infinito.

El lugar elegido para esta exposición es de por sí una joya escondida (por lo menos para mí) de un Madrid que siempre me sorprende positivamente. El Palacio de Gaviria es un edificio cuyos interiores recalcan los interiores de los palacios de la aristocracia italiana entre el ‘700/’800. Quizás por esta misma razón, los organizadores han elegido esta ubicación para la retrospectiva de Escher, visto que el artista tuvo una larguísima relación de amor con Italia cuyos paisajes, sobre todo los del Sur de Italia (lo menciono porque mis raíces pertenecen a esta misma Tierra, dura, acogedora y llena de fuerza) lo han inspirado para muchas de sus obras.

<ATRANI y METAMORFOSIS>

Escher revoluciona el concepto de espacio, plegándolo a su servicio para que represente sus enigmáticas creaciones imposibles. Nos muestra el espacio como una sucesión de formas hasta llenarlo por completo; utiliza conceptos matemáticos (por ejemplo las “cintas de Moebius”) para representar el infinito; da ritmo a la multiplicidad para transformar el caos en orden; juega con la perspectiva de una manera tal que alcanza el límite del conocimiento que no le permite finalizar una obra (“Galería de Grabados”); se sirve de la cristalografía para dibujar formas imposibles desde un punto de vista de la ingeniería; hace volar su genio para ofrecernos perspectivas inusuales (“Mano con esfera reflectante”). Por encima de todo esto, es capaz de dominar la técnica del grabado sumando una impresionante capacidad manual y demostrando una paciencia infinita, la misma que visualiza en sus paisajes recurrentes.

 

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A mí me fascinó sobre todo la obra “Galeria de Grabados” porque, realizando esta obra, la genialidad de Escher chocó con el límite del conocimiento que se tenía en aquel entonces (1956) relativo a cómo resolver matemáticamente y consecuentemente visualmente la recursividad derivada del efecto Droste presente en este cuadro. Finalmente en el 2003 el profesor Hendrik Lenstra resolvió el problema y pudo completar el cuadro. En la exposición hay un video que nos permite entrar en esta obra y ver como se habría tenido que finalizar. Grabé un video con mi móvil del video de la exposición; el resultado es nefasto pero igualmente lo comparto para dar una mínima idea de lo que estoy hablando.

Finalizo esta entrada, mostrando otras dos imágenes que hice hace algunos años de carácter “Escheriano” porque encierran algunos de los conceptos propuestos por Escher. Se trata de un tríptico realizado unas imágenes extraídas de mi serie “Orden y Caos

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foto: Giuseppe Satriani

y otra extraída de la serie “Speculazioni”. Esta última imagen es una versión alternativa de la imagen de portada de este artículo; me gustaría que la gente opinara sobre cuáles de las dos es la más lograda desde un punto de vista “Escheriano”

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Foto: Giuseppe Satriani

Todas las imágenes de la obra de Escher cuyo link se ha incluido en esta entrada pertenecen a la Escher Company – the Netherlands. All rights reserved. www.mcescher.com

Asturias en la mirada de Chema Madoz

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imagen de Chema Madoz – pertenece al sitio web de la exposición en el Conde Duque

Ir a una exposición de Chema Madoz es como volver a casa de tus padres. Sabes lo que te vas a encontrar pero deseas fuertemente ir, para volver a sentir emociones, olores y sensaciones profundas, que solo allí se pueden vivir. Me aproximé a la exposición “El viajero inmóvil” en el Conde Duque en Madrid (abierta hasta el 16 de Abril), con este deseo de “vuelta a casa” pero, lo que allí encontré fue otra cosa, igualmente emotiva, pero otra cosa. Se trata de la quinta edición de “Miradas de Asturias”, una iniciativa promovida por la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, en la cual se invita a un prestigioso fotógrafo, a ofrecer una mirada personal sobre aspectos de esta región. Hace dos años vi la edición en la cual la fotógrafa invitada había sido Ouka Leele; este año, la mirada sobre Asturias la ofrece Chema Madoz.

Normalmente, Chema Madoz empieza su recorrido conceptual desde la observación de un objeto, revelándonos nuevas perspectivas simbólicas que están encerradas en aquel objeto, muchas veces con un toque de ironía. En el caso de esta exposición, el autor ha hecho el recorrido invertido: ha convertido en objetos, un espacio geográfico, sus gentes, sus tradiciones y más en general, el concepto de Asturia que se sedimenta después de haber visitado aquella región. El resultado de este viaje ha sido una serie de fotografías en las cuales hay mucha mar, bosques, manzanas, madera; sus objetos creados recuerdan: el tiempo que corre y la lentitud del mismo; la unión del mare y del monte; el contraste entre el áspero tiempo atmosférico y el acogedor calor de sus gentes y de las casa en las cuales viven.

A pesar que el autor ha hecho el recorrido invertido respeto a lo que nos tiene acostumbrados, también a las fotos sobre Asturias, se puede perfectamente aplicar lo que Chema Madoz suele decir sobre sus creaciones: “mis fotos respiran en silencio; dejan ver la meditación que hay detrás de ellas” y a un espectador como yo, le toca “simplemente” ponerse las alas y dejarse llevar por los pensamientos y las sensaciones.

Aprovecho esta entrada sobre Asturias para sugerir de husmear en la obra de un fotógrafo Asturiano, fallecido recientemente y poco conocido, Eladio Begega, que ha dejado un impresionante legado de imágenes altamente emotivas que retraen la vida rural de la gente de Asturias; sus imágenes se dan la manos con las del Gallego Virxilio Vieitez que pude ver en una exposición en Madrid hace ya 7 años.

 

La Tortuga Roja

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Casi nunca escribo entradas sobre películas (la última fue La sal de la Tierra, la pelicula de Wim Wenders sobre la vida de Sebastiao Salgado en Enero del 2015), porque desafortunadamente no tengo muchas oportunidades para ir al cine y también porque los contenidos de este blog me gusta mantenerlos lo más posible alineados a lo que he definido que fuera su alcance: “emotional photography, visual art and visual poetry”. La tortuga roja, la última producción de los míticos estudios Ghibli y dirigida por Michael Dudock De Wit, tiene todos los ingredientes tanto visuales como emocionales, para entrar de par en par en este blog.

Se trata de una película de animación en la cual no se dice ni una palabra, por lo tanto la potencia del mensaje es dejado exclusivamente a las imágenes, a los silencios, a los sonidos de la Naturaleza y a la música. Es un relato visual y emocional repleto de sensibilidad, de belleza y de espiritualidad, que pide al espectador calma y abandono para que su magnetismo se haga con nosotros y nos lleva a probar tensión, sorpresa, empatía, desgarro, tristeza, resignación conmoción; todas emociones de grandísimo calado que me han dejado como vaciado y “limpio”.

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El mensaje que he captado es a la vez sencillo y extremadamente complejo si lo mapeamos con los valores predominantes de nuestra sociedad. Es la vuelta a la esencialidad, a lo que realmente cuenta en el ciclo vital del Hombre: la convivencia respetuosa con la Naturaleza en todo su esplendor y crueldad; la realización en los valores de la familia, del trabajo y del amor; la no necesidad de poseer mucho o “vivir a la grande” para poder alcanzar la felicidad; la perseverancia necesaria para realizar lo que se considere importante; la sabiduría en el aceptar con serenidad los eventos inevitables del ciclo vital; la belleza del más alto acto de amor altruista que un ser humano he llamado a hacer: cuidar, educar y preparar su descendencia, para poderle dar una vida propia y a menudo alejada del mundo en lo que han crecido y donde los padres normalmente se quedan.

Una gran película unos dibujos de una belleza sencilla y profunda, una narración basada en la empatía emocional sobre los grandes temas de nuestra existencia.

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Re-Blog de un artículo de Fernando Puche publicado en DSLR Magazine

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fernando_puche_web_smallEsta semana he decidido compartir esta reflexión de Fernando Puche sobre el acto de hacer fotos que ha llegado hasta a mí, por un conjunto de carambolas que solo la red de conexiones que nos creamos en Internet, permite materializar. No lo he compartido porque en lo que dice Fernando exista  algo revolucionario, si no por una cuestión de empatía con lo que yo mismo pienso.

 

La fotografía, como cualquier otra forma de arte, es un medio expresivo y comunicativo; consecuentemente conlleva un acto de transferencia de nuestro mundo interior (en este caso) en una imagen que, además de representar las cosas que retratamos, nos representa y representa nuestro mundo interior. Teniendo como pre-requisito, no digo el dominio de la técnica, si no por lo menos su control, solo cuando exista esta conexión (mundo interior – mundo exterior), existirá una buena imagen; todo el resto es pura casualidad.

La fotografía no tiene que ver con la luz

Libro Emotionage: micrografías y emociones

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A lo largo de 2015 la comunidad Emotionage: la escritura de la luz ha desarrollado un proyecto de arte multidisciplinar y colectivo. 43 escritores y 64 artistas visuales de España y Latinoamérica que no se conocían los unos con los otros, han creado 97 Micrografías. Cada Micrografía está formada por un microrrelato y una imagen. El significado de micrografía es: “fotografía de lo muy pequeño”. El invisible a los ojos que se hace visible, así como las emociones se representan a quien las siente. De ahí, el nombre Emotionage, el reportaje de las emociones. En las próximas semanas, estará disponible a la venta el libro Emotionage: micrografías y emociones que constituye la recopilación en papel de las micrografías ya publicadas en Facebook y en nuestro blog.

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El proceso de edición, maquetación, producción del libro ha sido realmente largo y complejo; …tan complejo que al final cometí un grave error (que espero sea el único). No he incluido ninguna micrografía en la cual había contribuido una de los mecenas del libro: Elena Magdalena. Por supuesto ya he hablado con ella del problema y la portada de esta entrada quiere ser parte de la reparación del daño que le he hecho. Se trata de su microrrelato “Yo ganaré la guerra” que he querido visualizar a través de mi fotografía en la cual querría representar la soledad y al mismo tiempo la integridad y fuerza de una mujer que, a pesar de las adversidad vividas, tiene todavía la fuerza de querer tener en sus manos las riendas de su vida.