Photoespaña XX: como organizarse para optimizar la visita

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Jardin Botanico, Madrid, PHE, PhotoEspaña

 

Este año PhotoEspaña (31 de Mayo–27 de Agosto) cumple 20 años; un hito muy importante para una manifestación que ha alcanzado una grande resonancia nacional e internacional. También este año he conseguido estar en esta cita que para mí se traduce siempre en un torbellino visual. Realizar mi visita anual a PhotoEspaña, depende de una combinación de muchos factores que, para poderse dar, necesitan mucho trabajo previo y una capacidad extrema de encaje. Esto, por un lado me permite disfrutar con más intensidad de las exposiciones que consigo visitar, por otro lado pero, el tiempo que dispongo es muy limitado respeto a la envergadura del evento y necesito optimizar el tiempo y tomar dolorosas decisiones para descartar alguna exposición (además de renunciar a todas las actividades colaterales que se organizan para el público). Limitándome únicamente a la sede principal de Madrid (hay otras sedes en España y en otras naciones), esta tarea se ha hecho todavía más compleja este año, debido al XX aniversario: el número de exposiciones ha crecido notablemente y están distribuidas en unas 45 sedes diferentes; además de las históricas secciones Oficial y Festival Off, se ha añadido la sección Carta Blanca que ha sido curada por Alberto García-Alix.

 

Comparto aquí los criterios que he aplicado para optimizar la visita y maximizar el número de exposiciones visitadas, con la esperanza que os puedan servir para facilitar la toma de decisión en vuestra visita. En mi caso disponía de un día entero en Junio, algunas tardes a partir de las 19h y un medio día en Julio

Para poder planificar en el detalle la visita, es imprescindible bajarse el plano de la exposiciones e ir husmeando las diferentes exposiciones, navegando en el sitio web de PHE que desafortunadamente (es un fallo importante de esta edición) no proporciona buenos contenidos visuales (mucho texto y muy pocas imágenes para poderse hacer de antemano una buena idea de cada exposición). Lo ideal sería disponer de la Guía PHE que desafortunadamente no se puede adquirir a través de la página web (aunque sea en formato digital); se puede comprar solo en los puntos librería de PHE en Madrid (9.50€).

Disponiendo de este conjunto de información, el problema que se pone es: “qué criterios aplico para seleccionar las exposiciones que voy a ver? Cuáles descarto?” Después de haberlo intentando de diferentes maneras, creo que lo mejor es organizar el tour por contigüidad física de los diferentes espacios expositivos. Como se puede ver en el mapa anterior, personalmente he dividido el mapa en tres zonas A-B-C y, en función de mis criterios (y de la info recopilada en newsletters artísticas) he señalado las expos en el mapa en rojo (MUST), negro (NICE TO GO) y dejando sin señalar aquellas que me parecían prescindibles. Las exposiciones que han quedado fuera de estas tres áreas también las he señalado en rojo o negro para organizar visitas específicas, aprovechando los huecos de disponibilidad que disponía por las tardes. Usar el criterio de contigüidad física de los espacios expositivos, nos permite además limitar bastante el impacto de un factor que quizás muchos no consideran como importante y que pero al final va a condicionar muchísimo nuestra capacidad de realización del plan diseñado cómodamente en nuestra casa: el calor infernal que podemos encontrar en una Madrid veraniega; a mí me han tocado temperaturas máximas de unos 36-40 grados y os aseguro que no es una broma deambular por las calles de Madrid con estas temperaturas, a pesar de agua, protector solar, gorro, etc…

 

En la tabla de abajo, he hecho mis recomendaciones, de acuerdo a mis personales criterios de gusto e interés; la lista incluye todas aquellas exposiciones que seleccioné como merecedoras de una visita, pero he valorado únicamente aquellas que he podido visitar hasta el día de hoy. Espero que mi perspectiva pueda servir para organizar vuestra visita a PHE17 con el objetivo de optimizar los tiempos pero sobre todo para disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente dinámico y feliz. Cualquier comentario o discrepancia respeto a mis sugerencias, bienvenida sea! Estaré encantado adjuntarla a esta entrada para proporcionar puntos de vistas diferentes.

Los dípticos que ilustran esta entrada son de Photosatriani y representan un paralelismo visual de dos espacios mágicos en Madrid: el Jardín Botánico y un sitio multi-uso ubicado en Malasaña: el Paracaidista; ambos dos acogen exposiciones de PHE17. ¡A disfrutar!

Las HUELLAS de la Maestra

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Huellas, La Fabrica, Madrid, Pilar Pequeño

copyright Pilar Pequeño photography

Pilar Pequeño es quizás la persona que más influencia mi manera de entender la fotografía. Su manera de aproximarse al sujeto que retrata, nos habla de una fotografía a tiempo lento que me recuerda la excelente cocina “crudi-vegana” que tanto está de moda, en la cual se preservan todas las cualidades de los ingredientes que componen el plato, gracias a la lentitud de los tiempos de cocción que no suelen superar los 40 grados; así la fotografía de Pilar Pequeño nos hechiza por la delicadeza de la mirada, por la empatía que la fotógrafa establece con los objetos o paisajes y por la “limpieza” de sus imágenes, fruto de su infatigable, paciente y refinado perfeccionismo.

Conocí a Pilar en un taller organizado por PIC.A (mayo 2015); congeniamos de inmediato, tanto que sus enseñanzas tuvieron un profundo calado en mi ser y Pilar Pequeño, junto quizás con Larry Fink (estuve en un taller con él en el muy lejano 1995), son, sin lugar a duda, mis Maestros fotográficos; dos personalidades a los antípodas, que conviven en mi pensamiento fotográfico.

El libro “Huellas” (en la colección de La Fábrica), es el resultado de un largo y pautado trabajo hecho en dos lugares: Baixo Miño y Mar Menor, geográficamente muy distantes pero con fuertes nexos con la vida personal de la autora. Estos dos lugares tan diferentes, se encuentran en el libro, para hablarnos de ruinas (que, como dice Rosa Olivares en el texto de presentación, “constituyen la eternidad, porque están después de la muerte”); de como la Naturaleza se retoma lo que el Hombre le ha robado; del paso del tiempo no solo en el lugar fotografiado, sino también en la mirada de la fotógrafa.

El mismo lugar, ha sido fotografiado por Pilar a distancia de unos 8 años; las imágenes hechas la primera vez son en blanco y negro; aquellas hechas 8 años después son a colores; las dos tomas, intentan mantener la misma perspectiva y condiciones de luz y esto añade un elemento más en nuestro pensamiento cuando miramos las imágenes de “Huellas”, llenas de sugerencias y de vida, entendida como huellas de historias de gente que un tiempo llenó aquellos lugares.

Como comentó de manera magistral María Teresa Gutiérrez Barranco durante la presentación del libro, las “Huellas” de Pilar Pequeño se ofrecen al espectador, mostrándonos una belleza recóndita, que atrae nuestra mirada y nos invita a comprenderlas, hasta llegar a la compenetración.

Las “Huellas” de Pilar Pequeño se transformarán en una exposición en el ámbito del Festival Off de PHE17 (arranca el 31 de Mayo en Madrid); mayores informaciones en http://www.phe.es/es/phe (al momento el contenido no está todavía disponible).

Libro Emotionage: micrografías y emociones

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Emotionage, Micrografía, Nacked, Tree, Woman

A lo largo de 2015 la comunidad Emotionage: la escritura de la luz ha desarrollado un proyecto de arte multidisciplinar y colectivo. 43 escritores y 64 artistas visuales de España y Latinoamérica que no se conocían los unos con los otros, han creado 97 Micrografías. Cada Micrografía está formada por un microrrelato y una imagen. El significado de micrografía es: “fotografía de lo muy pequeño”. El invisible a los ojos que se hace visible, así como las emociones se representan a quien las siente. De ahí, el nombre Emotionage, el reportaje de las emociones. En las próximas semanas, estará disponible a la venta el libro Emotionage: micrografías y emociones que constituye la recopilación en papel de las micrografías ya publicadas en Facebook y en nuestro blog.

El proceso de edición, maquetación, producción del libro ha sido realmente largo y complejo; …tan complejo que al final cometí un grave error (que espero sea el único). No he incluido ninguna micrografía en la cual había contribuido una de los mecenas del libro: Elena Magdalena. Por supuesto ya he hablado con ella del problema y la portada de esta entrada quiere ser parte de la reparación del daño que le he hecho. Se trata de su microrrelato “Yo ganaré la guerra” que he querido visualizar a través de mi fotografía en la cual querría representar la soledad y al mismo tiempo la integridad y fuerza de una mujer que, a pesar de las adversidad vividas, tiene todavía la fuerza de querer tener en sus manos las riendas de su vida.

“El Bosco”: la imaginación al poder

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El Bosco, Imaginación, Madrid, Prado

Nunca había tenido la oportunidad de admirar de cerca las pinturas de “El Bosco”, aunque era algo que quería hacer desde hace mucho tiempo. La oportunidad de cumplir con este deseo se me ha dado gracias a la exposición del V centenario organizada en el Museo del Prado. Mi atracción hacia la obra del “El Bosco”, ha sido siempre fundamentada por dos pilares: el grande poder imaginativo del autor que alcanza crear en los observadores un proceso evocativo que tiene raíces en nuestros miedos, obsesiones, perversiones; el espíritu libertino del autor que en pleno Renacimiento se permitió sin tapujos y con mucho éxito, representar, en su mundo fantástico, dichos miedos, obsesiones y perversiones, siempre alrededor de temas sagrados y religiosos, mezclando así peligrosamente el sagrado con el profano. Todo esto lo consiguió, sin que fuera considerado un loco o un demonio, aunque sí algunos creían que se drogaba.

Sus cuadros son historias del subconsciente, plagadas de pequeños detalles y de seres extraños que están relacionados muy a menudo con “el pecado”. He además aprendido en la exposición que El Bosco usaba un muy peculiar tratamiento de la superficie que iba a pintar y que la versión final de cualquier obra suya era siempre objeto de importantes re-planteamientos que a veces llevaban a cambios significativos de la escena pintada (cosa que en la exposición es posible ver, gracias a las “radiografías” hechas de sus obras).

Los dos trípticos presentes en la exposición en El Prado, que más han capturado mi admiración han sido “Las tentaciones de San Antonio Abad” por la cantidad de seres monstruosos que la imaginación del autor pudo crear para representar el Mal y sin lugar a dudas el Jardín de las Delicias por las centenarias de posible alegorías que podrían encontrar, mirando con detenimiento los minutos particulares del cuadro. Este proceso muy complejo de hacer delante del tríptico original, debido a sus dimensiones y a la cantidad de gente en la sala que no facilita un análisis de los detalles, se puede realizar con facilidad y disponiendo algo de tiempo, gracias a la instalación multi-media Jardín Infinito, en una sala del piso superior del Museo.

Gracias a este instalación, los visitantes más profanos, puedes entrar dentro del tríptico, cómodamente sentados en el suelo de la sala. Es como mirar el cuadro en realidad aumentada, cambiando la dimensión de las cosas para poder así apreciar los detalles y a la vez, generando un juego mental en el espectador que intenta “colocar” estos detalles en el tríptico que se acaba de admirar en el piso inferior. Este “juego” es algo parecido a lo que solemos hacer cuando usamos “Google Map” cuando, identificado un punto concreto que queremos alcanzar, necesitamos luego posicionarlo en una escala más grande para no perder la perspectiva, para luego volver a nuestro destino en el mapa.

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EMOTIONAGE LLEVA LA EMOCIÓN AL PAPEL

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Emotionage, Emotions, Fotografía, Ilustración, Literatura, Microrrelato, Reportage

Emotionage es el reportaje de las emociones. El proyecto Emotionage es un proyecto artístico multi-disciplinar y colectivo (al día de hoy formado por más de 2100 personas) que quiere llevar la emoción al papel. A lo largo del último año 43 escritores y 64 artistas visuales de España y Latinoamérica que no se conocían los unos con los otros, han creado 97 Micrografías. Cada una de ella es una sinfonía artística de dos personas sensibles, compuesta por un micro-relato y una imagen. Una Micrografía es una fotografía del infinitamente pequeño; una Micrografía es el invisible (una emoción generada por un micro-relato) que se hace visible a los ojos (a través de una imagen o de una ilustración).

Micro-relato de Celeste Escobedo – Imagen de Irene Cruz

Todas estas Micrografías se han publicado en la página Facebook y en el Blog asociado pero creemos que el cierre más apropiado del nuevo ciclo de nuestro proyecto colectivo es la publicación de un libro que materialice en un objeto tangible y bien cuidado, todo el entusiasmo, el cariño, el arte y la generosidad que los participantes han tenido con Emotionage.

 

Portada provisional del libro – ilustración Paula Bernal Carro

Hemos arrancado una campaña de crowdfunding con la cual buscamos por lo menos 150 mecenas para que nuestro libro se materialice. APOYA nuestra campaña y llévate a casa la posibilidad de tener una copia de este libro como recompensa. SÉ UNO DE LOS MECENAS de la campaña.

Para eso:

1. accede a la pagina de la campaña
2. dale a APOYAR AHORA
3. ELIGE TU RECOMPENSA entre las que proponemos para nuestros mecenas

En el caso que no vivas en España y quieres ser mecenas de Emotionage, es importante que sepas que los gastos de envío no están incluido en el coste de la recompensa y tendrás que abonarlos a parte; considera pero que existe la posibilidad de elegir como recompensa el e-book que está libre de esta carga adicional.

Haciéndote mecenas del libro, estás haciendo una pre-compra del libro. Si conseguimos reunir los suficientes apoyos (150), el libro es tuyo. Si no fuera así, el dinero se te devuelve. Por esta razón, para aumentar la probabilidad de asegurarte la recompensa que has elegido, te pedimos también de HACER DIFUSIÓN de esta iniciativa en tus redes de contactos (tanto a través del PC como del móvil), círculos, amigos, parientes, citando siempre el link a la página de la campaña:

Micro-relato de Asof Man Well – imagen de Giuseppe Satriani

Madrid, ergo sum

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Blanca Berlín, Coceptual, Exhibitions, Isabel Muñoz, Joan Fontcuberta, Primates

En el post anterior, conté un recorrido fotográfico Bilbaíno, esta vez el recorrido lo hice en Madrid, visitando la exposición en el Canal Isabel II de Joan Fontcuberta (hasta el 27 de Marzo) y la exposición “Album de familia” de Isabel Muñoz en la Galería Blanca Berlín (finalizada el 27 de Febrero). Fue un recorrido sin ningún punto de contacto, ha sido como visitar dos mundos paralelos totalmente diferentes, un recordatorio de que inmenso alcance puede tener la Fotografía.

Se habla tanto, a veces demasiado de “fotografía conceptual” pero la persona que realmente nos ha enseñado a entender qué es realmente un proyecto fotográfico creativo (entendido como una fusión de pensamiento y fotografía), esa persona es Joan Fontcuberta. Un hombre extremadamente culto, innovador, precursor de los tiempos, de una ironía sutil pero afilada como la mejor katana, con una inmensa capacidad de reírse de sí mismo y de los medios que domina; calidades, todas estas, que poseen solo los sabios. En la obra de Joan Fontcuberta no hay solo fotografía. Hay investigación periodística, conocimiento profundo de la historia de la fotografía y del arte en general, capacidad de comunicación, dominio de diferentes medios expresivos y sobre todo (yo creo) tanta, tantísima gana de reírse de los excesos imperantes en nuestra sociedad de la imagen y de la información, utilizándolos para lanzar su propio mensaje, hacernos dudar de lo real y haciéndonos creer real lo que en realidad es ficción. Joan Fontcuberta utiliza un mismo proyecto para desarrollar líneas equivalentes y paralelas, usando medios diferentes de fruición pero manteniendo la fotografía como lenguaje primario de su manera de comunicarse. La exposición en el Canal Isabel II, nos permite entrar en diferentes mundos creados por Fontcuberta a lo largo de su vida artística: Milagros, Fauna, Sputnik, Trepat, Herbarium. Un bellísimo e interesantísimo video, en la azotea de la torre del Canal Isabel II, nos ayuda a leer, interpretar, entender, la propuesta del autor y nos permite acercarnos a su mensaje y a su punto de vista. ¡Realmente aconsejable!

La de Isabel Muñoz es una exposición que retrae, magnificándola y extrapolándola del contexto donde las escenas se daban, la belleza del retrato como forma de transmitir emociones y empatía. Aquí no hay nada de ficción, todo es real pero tan ancestral que la interpretación que el visitante hace delante de las fotografías de Isabel, es la de verse al espejo pero proyectándose atrás en el tiempo. Nuestra humanidad vista a través de los gestos y las expresiones de aquellos que nos hicieron humanos. Amor, preocupación, aburrimiento, ternura, coquetería, enfado, pedantería, ensimismamiento, protección, el orgullo de ser padre, el dolor de la pérdida, la confianza en un ser superior, todos estos son algunos de mis sentimientos o pensamientos que he visto reflejado en las expresiones de los primates retratados por Isabel Muñoz. Isabel, después de haber investigado y retratado los sentimientos humanos, en “Album de familia”, investiga el origen de estos sentimientos.

IKEBANA en FotoNovembre 2015

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FNE, Garachico, Giuseppe Satriani, Ikebana, Tenerife

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Una vez más, he tenido el placer que mi trabajo sobre el silencio y en particular, la serie Ikebana, haya recibido una nueva evidencia de que es algo que llega a la gente y que trasmite emociones. Cuatro fotos de la serie Ikebana han sido seleccionadas para la exposición Atlántica Colectivas en el ámbito de la bienal de fotografía de Tenerife (FNE 15)

Ikebana está expuesto en Garachico , un pueblito precioso situado en la parte oeste de la isla; un lugar apropiado para el tema del silencio porque no es el típico sitio da turismodemasaconalemanesconsandaliasycalcetines; la sala de exposición (Espacio de Arte “La Casa de Piedra” ), se encuentra en una casa lugareña muy antigua que ha sido restaurada con dinero público y ahora es un centro artístico-cultural. La exposición estará abierta hasta el 12 de Diciembre.

Internamente la sala es muy amplia, con un precioso techo en madera y con una luz natural estupenda que hay que suavizar un poquito para que las fotos se puedan ver bien.

Gracias a la edición XIII de Fotonoviembre, la isla se transforma hasta el 6 de Marzo en una importante referencia en el mapa de la fotografía internacional y puede ser una razón más para ir allí donde el verano nunca acaba… Las exposiciones de FNE15 están distribuidas en muchos lugares de la isla, lo que permite hacer un recorrido casi completo de la misma; a parte de Santa Cruz y La Laguna (donde se concentran casi el 70% de las exposiciones), hay otras 12 localidades que hospedan alguna exposición…

El programa completo se puede descargar aquí.

“El Escultor” de Scott McCloud: una inquietante radiografía del mundo del arte

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Arte, Diablo, El esculptor, Lo Scultore, Scott McCloud

http://www.boapublishing.it

La idea che está detrás de este esplendido relato visual, está inspirada al Faust de Goethe aunque, en el caso del relato de Scott McCloud, no hay ninguna redención del alma; El Escultor se limita a las cosas terrenales, así que el pacto llega hasta sus extremas consecuencias… ¡y punto!

Un joven escultor que ya ha vivido la emoción de la fama porque un influyente y rico coleccionista había apostado sobre él (para especular con la ignorancia artística de los que tienen dinero), cae en la más profunda anonimidad porque no quiso estar al juego que “su mecenas” le quería imponer. En la obscuridad más absoluta, en la soledad más profunda, en la más triste desesperación, delante de la clara evidencia que la gente no se fijaba en él y en lo que hacía, sino, más bien en el valor que alguien influyente había decidido dar a lo que hacía, David (el protagonista del relato), llega a un acuerdo con “el diablo” que se presenta bajo la apariencia de un viejo tío. El diablo le otorga la habilidad de poder modelar y esculpir cualquier material, simplemente usando sus propias manos pero a cambio le deja solo 200 días de vida y al finalizarse el cupo, morirá.

“El diablo” se portó muy bien porque, antes de que David decidiera de firmar la oferta, le mostró lo que podría ser su otro futuro en el caso que decidiera no aceptar la oferta. Le mostró algo que podríamos definir “una vida normal”: profesor de arte en un colegio público, marido de una buena chica dispuesta a “soportar” sus extravagancias artísticas, un adosado, dos niños, un labrador, un monovolumen; su arte la haría en el sótano del adosado para su disfrute personal…momento felices, comida, sexo, amor, familia…todo esto no fue pero suficiente para David y por lo tanto aceptó el pacto!

Este relato visual parece el cubo de Rubik con sus miles facetas y posibles combinaciones; en él, se puede encontrar de todo: mecenas que se “enamoran” de un joven y de su obra todavía muy inmadura, simplemente para sacar beneficio personal; personas que se creen artistas sin serlo; personas que para continuar esta efímera ilusión aceptan condiciones que a veces traspasan los límites de la dignidad; mecenas que buscan fútiles pretextos para librarse de jóvenes que ya no soportan porque ya han sido exprimidos lo suficiente; amigos de infancia que fluctúan entre la fuerza de la amistad y el juego hedonístico; parejas en el cual el hombre maneja el dinero y no entiende nada de arte, mientras que la mujer juega el papel de filántropa con el difícil papel de convencer al marido a apostar por algo que no tiene retorno económico inmediato; inspiración que nunca llega cuando sirve; incapacidad de ser pragmático además de creativo; necesidad de abarcar todo e incapacidad en saberse focalizar; incapacidad de acertar lo que los demás esperan de ti y falta de humildad para saberlo; dueño de piso que no va más allá del alquiler mensual; el abismo, la soledad más negra, una generosa Diosa que aparece de la nada que te redime cuando parece todo perdido y que te hace entender quién eres de verdad y de lo que eres capaz; el darse cuenta que el talento no es todo para tener éxito; el amor que empieza tímidamente y que lo ocupa todo; los recuerdos, las decisiones equivocadas, los miedos, el no-atrevimiento, el remordimiento de no haber sabido perseverar en lo que se cree; las capacidades que uno tiene que a menudo no se alinean con la voluntad…y como escenario de todo ese drama, NewYork: bellísima y terrible al mismo tiempo; melancólica y dinámica; la ciudad de las miles oportunidades y de la soledad.

Las fiestas, los ritos sociales; la apariencia que domina por encima de la sustancia, el día a día che sabotea y apaga los destellos de creatividad y de genio; el acto creativo que hace del día a día un escalofrío emocional; la sensación de bienestar que se encuentra en la cosas pequeñas: en una reunión con amigos, en la cotidianeidad vivida cerca a quien te ama…la Muerte y la Nada, siempre presentes, que a la vez constituyen un imán y una repulsión.

Acabo con algunas frases extraídas del relato:

Meg (la Diosa que redime David) a David en plena crisis de inspiración: “concéntrate, busca la profundidad no la amplitud; cierra los ojos; nada hacia el fondo y no pienses en quien te sigue, no pienses en nada…”

Otra vez Meg a David: “no somos indefensos delante al tiempo, si no que nos estamos donando al tiempo con todo nuestro corazón”

David y su amigo de la infancia que es un curador de una galería de arte: David: “pensaba que los galeristas pusieran el arte por encima de cualquier cosa!” por encima de las personas, del sexo, de la política, del dinero”. Amigo: “crees de verdad que existe un “artometro” omnipotente que divide el bueno de lo malo? Es todo malditamente subjetivo, siempre lo ha sido y siempre lo será”. David: “¡NO! Hay cosas absolutas! Existe una diferencia entre un Kandinsky y un colgador!”. Amigo: “¡por supuesto que si! ¡el colgador es útil para algo!”

Al momento no tengo fecha para el siguiente post… pero seguro que la inspiración no tardará en llegar…

Sineresi, el derecho de ser heréticos

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Emotionage, Herético, Imagen, Poesía, Sineresi

Portada de la Revista

Contra-Portada

Sineresi es una revista de arte; es una revista de arte “verdadera”, quiero decir, hecha de papel, que nace con valentía en mi tierra del Sur, la Basilicata, gracias a la pasión y a la voluntad de Anna R. G. Rivelli.

Su subtitulo, “el derecho de ser herético” es para mí revolucionario; la misma Anna Rivelli explica este concepto, en el editorial contenido en el N. 1: “en un momento tan delicado como el actual, es necesario que las personas reclamen el papel de ser heréticos, en el sentido de no reconocer a nadie y a ninguna doctrina, el monopolio sobre la verdad…solo una cultura realmente priva de vínculos y dependencias puede contrarrestar la degradación y el simplismo”.

El proyecto artístico multidisciplinar Emotionage ha encontrado cabida en el N.1 de esta revista, en un artículo escrito por Rossella Croce, que lo presenta como un lugar en el cual las emociones son la obra de arte.

Imagen: Guillermo Carballa – Texto: Sara Tejeradt

Imagen: Giuseppe Satriani – Texto: Anna R.G. Rivelli

El artículo define Emotionage como un desafío a las maneras más convencionales de hacer arte, proponiendo un arte abierta, “democrática” y sobre todo participada; cree que Emotionage alcanza subvertir el binomio “artista-espectador”, arrancando de una aparente “no-lugar” como la Web, para encontrar individualidades que quieren pertenecer a una red basada en un sentir emocional común y que desean expresarse o percibir emociones a través de imágenes y textos. Guillermo Carballa, Sara Tejeradt, Fátima Ruíz, Ges Rules, Nacho Carrasco, además de Anna y de mí, son los “emotionagers” que han sido elegidos por la redacción de la revista y han tenido sus creaciones publicadas en el número 1.

Imagen: Fátima Ruíz – Texto: Ges Rules

Imagen: Nacho Carrasco – Texto: Giuseppe Satriani

Al momento no tengo fecha para el siguiente post, pero será sobre una novela visual que he leído este verano y que tiene a que ver con el arte…

 

Las MICROGRAFÍAS de Emotionage

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Emotionage, Giuseppe Satriani, Micrografía

“Solemos pensar que una obra de arte nos revela y nos expone a una experiencia emocional, que es el resultado de una iluminación, de un destello de genio artístico. ¿Qué pasaría si tratáramos de subvertir este hábito y pensamos en la emoción misma como una obra de arte?” Esto es lo que escribe Rossella Croce en el artículo que la revista cultural Italiana Sineresi (liderada por Anna Rivelli) dedica en su número 1 al proyecto Emotionage y eso a la vez es el reto de este proyecto: salir de un estado de soledad y confusión, a través de un arte abierta, democrática y sobre todo participativa; como la misma Rossella Croce dice en su artículo, “gente común impulsada por el deseo de expresarse se encuentra en el espacio de una emoción que crea a “cuatro manos”, como una sinfonía. Gente común que vive el arte como una posibilidad de regeneración, de auto-comprensión, de colaboración y de exploración”.

En estos momentos el proyecto Emotionage se encuentra en la fase de recepción de las Micrografías, una combinación de micro-relato+imagen+emoción. La génesis de cada micrografía es el texto de un micro-relato que algunos autores han querido proporcionar a Emotionage, que he redistribuido entre los artistas visuales y que ahora están interpretado emotivamente, asociándoles una imagen.

Una micrografía se define como “la imagen obtenida de objetos no visibles mediante la ayuda de instrumentos ópticos o electrónicos como lupas o microscopios”; esta definición encierra la esencia de Emotionage: hacer visible (a través de un instrumento que en nuestro caso es una combinación de literatura y fotografía) el invisible (una emoción).

Hasta al momento se han recibido y publicado 10 micrografías en la página de Emotionage y se esperan hasta el 8 de Septiembre otras 80. Cualquier persona que quisiera sumarse al proyecto, tanto como artista visual que como escritor de micro-relato o también como músico (la idea es dotar cada micrografía de una pieza musical para obtener un audiovisual hecho de palabras, imágenes y sonido), puede escribirme un mensaje en la página Facebook de Emotionage, especificando el tipo de contribución que estaría dispuesto a ofrecer.

Mi idea es dedicar más tiempo al proyecto para llevarlo a una dimensión superior y a una difusión mucho más amplia; me gustaría poder ofrecer la posibilidad a la comunidad de crecer conjuntamente. Para hacer esto, aparte del tiempo, necesitaré ayuda porque no controlo para nada todos los aspectos que se deberían tocar para que el objetivo anterior se cumpla: dominio de las técnicas de blogging, de manejo en las redes sociales, ilustración, video, gestión del crowfounding, etc. Pero también me gustaría poder confrontarme con personas más expertas sobre ideas, contenidos, planes de desarrollo y de continuidad. Invito a cualquier persona que quisiera hacer parte del equipo que lidera el proyecto, de contactarme y proponerme ideas o simplemente decirme como podría contribuir para ayudar a alcanzar el objetivo de que Emotionage y los “Emotionagers” sean más visibles y protagonistas.                     

La semana que viene el post hablará de una decisión dolorosa que he tenido que tomar; se trata de un cambio que espero sea un “arrivederci” y no un adiós…