CONTEMPORANEA: arte e identidad

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Anna Rivelli, Basilicata, Contemporanea, Exhibitions, Exposiciones, Matera, Potenza

Exposición Contemporanea
Museo Acheologico Potenza (Basilicata)

 

Recién llegado de mis vacaciones Navideñas en Basilicata, estaba reflexionando sobre las oportunidades artísticas que mi tierra me ha ofrecido durante mi breve estancia. Sin lugar a dudas, cabe destacar que, a partir del 1 de Enero del 2019, Matera es Capital Europea de la Cultura; esto conllevará un conjunto de eventos a lo largo de todo el año que conviene tener en consideración, para planificar alguna escapada o una estancia más larga en esta ciudad (Matera) y en esta región (Basilicata), que merece un viaje enfocado al descubrimiento pausado de tesoros escondidos en la “marginalidad” en la cual la Basilicata ha sido relegada por demasiado tiempo.

Esta vez también he vuelto a visitar Matera y allí he hecho más fotografías de “I Sassi” que revelaré con ritmo pausado para ir enriqueciendo la serie que dedico a la Capital Europea de la Cultura 2019.

 

I Sassi di Matera
fotografía: Giuseppe Satriani

Este artículo quiero pero dedicarlo a una exposición que he podido ver en el Museo Arqueológico de Potenza y que estará en Matera desde el 16 de Febrero hasta el 10 de Marzo  en el “Ex ospedale San Rocco”. Se trata de la exposición CONTEMPORÁNEA, sobre la generación 1930-1960 de pintores e grabadores Lucani, ideada, realizada y comisariada por Anna Rivelli. Se trata de una exposición que tiene una doble vertiente: por un lado tiene el mérito de recopilar en un único espacio físico, muchas obras de arte visual que, por geografía y por la escasa atención de las entidades públicas locales, nunca habían compartido un mismo espacio y nunca habían llegado a representar una región Italiana a menudo olvidada, a veces hasta con la complacencia de sus gentes; la segunda vertiente de esta exposición es para mí el grito violento y decidido de identidad de un territorio que, al mismo tiempo representa también un claro proyecto de futuro.

Como la misma Anna Rivelli escribe en el magnífico catálogo de la exposición: “la marginalidad geográfica de la Basilicata puede haber incidido negativamente sobre la visibilidad de los artistas, pero seguramente no en la sustancia de sus obras; porque no puede existir ninguna marginalidad allí donde existe el pensamiento del “Hombre”.

Lo mío es una invitación a descubrir la Basilicata, sus tesoros paisajísticos y artísticos, empezando con la exposición CONTEMPORANEA, de la cual he extraído una serie de imágenes de algunos de los autores allí presentes. He elegido aquellas obras con más cercanía a la fotografía, a las cuales he añadido aquellas obras que más impacto emotivo han provocado en mi cuando he visitado la exposición.

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La importancia de las imperfecciones en el proceso creativo

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Proceso Creativo, Reflexiones

imagen: Photosatriani

Propongo nuevamente este artículo, después de haberlo publicado la primera vez como un deseo para tod@s, al comienzo del año y después que la revista Cámara Lucida me lo haya publicado. La razón que me empuja a hacerlo es que últimamente estoy desquiciado por la fiebre de la apariencia que me rodea y que me deprime, con la esperanza que (citando Alcatraz de Diego Cugia) no sea el único albatros a volar en alto, si no que haya otros que quieran tomar el vuelo… 

Consumimos y producimos masivamente pero, ¿Cuándo creamos?

Crear necesita tiempo y trabajo, justo lo que normalmente falta, sobre todo para aquellos creadores que luchan todavía para ser conocidos y reconocidos. La creación es un proceso lento de viaje y de reflexión, que no necesariamente da frutos inmediatos; una persona que crea, o cuando una persona crea, busca y rebusca en sí mismo entre sentimientos, recuerdos, ideas, experiencias, pulsiones, algo que encierre todo este proceso y que además sea capaz de transmitirlo a los demás que miran su creación. La tendencia global que todos vivimos en el día a día y en la que todos estamos metidos, es que se invierte tiempo y esfuerzo en lo fútil porque parece que para que lo creado sea valioso, tiene que transformarse en viral. Poco importa la reflexión, la lentitud, el recorrido. Si tenemos nuestros “me gusta”, si se comparte, si se hace viral, entonces es exitoso. Esta manera de mostrar nuestras creaciones, rápida y cortoplacista, merma la perseverancia de quien crea, tanto que, si se quiere abarcar algún proyecto más profundo o más largo, el esfuerzo necesario nos parece inviable y sobre todo inútil.

Por otro lado, desde que el mundo es mundo y continuará siendo así, una persona que crea y sus creaciones están expuestas constantemente al juicio y a la valoración permanente de quien las miran, analizan, sienten y opinan. Todo esto es muy duro, contribuye a hacer tambalear la confianza porque es como estar permanentemente en un columpio o todavía peor, en una montaña rusa, alternando momentos de poesía con otros de total desarmonía y vértigo.

En este contexto, no existen alternativas: hay que asumir los picos y las valles sin exaltarse y sin deprimirse; hay que asumir la falta de confianza periódica; hay que escuchar lo que dice la gente, sabiendo pero discernir lo que vale del ruido y continuar a andar, recordando que todos los pasos suman y que a veces es legítimo aspirar a una percepción a “baja resolución”, para ignorar los detalles que revelan la mezquindad y para difuminar los contornos.

Crear es una herramienta esencial de crecimiento; es una manera de percibir el mundo usando plenamente los sentidos; crear no es una huida de lo real, sino que es pura inmersión en el real porque quien crea busca la belleza en la cotidianeidad llena de imperfecciones, usando una visión poética o personal, para afirmar su propia originalidad, sin esperar que los demás “nos elijan”. Si nos acostumbramos a habitar con plenitud la parte imperfecta de nuestra vida y sabemos transformarla en posibilidad, en colores, en formas, en perspectivas, en luz, en olores, en pensamientos, entonces estamos creando y si creamos de esta manera, no nos importará si nuestra creación se queda desconocida para el resto del mundo porque lo que hemos creado es suficiente para darnos felicidad y plenitud.

Conversaciones Fotográficas

Hoy, en la revista digital Camara Lucida, se ha publicado un artículo escrito por mi: “Conversaciones fotográficas”, en el cual hago alguna consideración sobre la percepción de la fotografía y sobre lo que podría ser su futuro.

Bill Viola y la videoarte emocional

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Bilbao, Bill Viola, Guggenheim, Videoarte

Hemos llegado a un punto en el cual consideramos la experiencia visual como imprescindible para nuestra experiencia cognitiva. La consecuencia más evidente de esta invasión es que estamos saturados y las imágenes están perdiendo efectividad. Además, en la mayoría de los casos, estas imágenes quieren guiar nuestro pensamiento hacia una interpretación específica. Si esto no lo consiguen con lo visible, habrá seguramente a lado de cada una de estas imágenes, alguna larga explicación “conceptual” que nos… “hace entender” como tenemos que interpretarlas.

Cuando entré en el mundo visual de Bill Viola en el Guggenheim de Bilbao (hasta el 9 de Noviembre), todo lo anterior desapareció. El mundo de Bill Viola es absolutamente sensorial; no se necesita de ninguna explicación y de ninguna palabra, para dar espacio a una experiencia cognitiva perceptiva, emocional y sensorial. Re-tomando unas palabras del mismo autor: “desde lo que yo soy y de lo que yo siento, transformo mi ser en unas imágenes que a vez son capaces de penetrar y romper culturas, mundos personales, historias, vidas y generan más emociones que se transforman en tesoro personal y nos hacen pensar y nos enriquecen”.

He prometido a mí mismo de volver a ver la imperdible retrospectiva en el Guggenheim, comisariada por Lucia Agirre e instaladas en ocho salas del Museo, cuando la horda turística haya bajado de intensidad, para poder disfrutar con mayor plenitud de las obras de videoarte allí instaladas y amplificar las emociones que se generan. Las espectaculares obras de Bill Viola tocan a veces la esencia del sentido de la vida terrenal, exploran conceptos como la muerte o el renacimiento humano después de haber tocado el infierno; por esta razón, sus obras generan en el espectador respuestas profundas y a veces, totalmente inesperadas. En el Guggenheim, se pueden admirar obras cuales: “The dreamers”, “Fire Woman”, “Tristan’s Ascencion”, “Inverted birth”; “The Encounter”, “The Veiling”.

Esta última, aunque no sea tan espectacular como otras, me ha parecido muy íntima y poética y por esto la señalo con especial hincapié. Se trata de una instalación de unas veinte capas de tela translucida, sobre los cuales se proyectan desde los dos extremos, imágenes de un hombre y una mujer acercándose y alejándose de la cámara en varios paisajes nocturnos. Las telas difuminan la luz, de manera que las imágenes son pura presencia en la tela central. Las diferentes capas, hacen que las imágenes asuman una forma tridimensional, que van moviéndose en el espacio oscuro de la sala, permitiendo meditar sobre como una misma realidad pueda ser percibida desde diferentes ángulos y perspectivas. Desde el punto de vista sensorial, la obra genera misterio y descubrimiento, a medida que las imágenes toman forma en las diferentes capas de las telas, para finalmente revelarnos lo que estamos viendo.

Dentro de la exposición en el Guggenheim, hay también un interesantísimo documental de Isabel María, “Tiempos de Tránsito”, en el cual Bill Viola revela su proceso creativo que empieza con el recopilar en un cuaderno que llama “Diario”, cualquier cosa que llama su atención: fragmentos de lecturas, recortes de periódicos/revistas, experiencias personales, ideas. El “Libro de Proyecto” es el cuaderno en el cual toma cuerpo un proyecto específico desde su conceptualización hasta su descripción en los detalles. El “Libro de Producción” es el cuaderno en el cual Bill Viola desarrolla la implementación técnico-práctica del proyecto, llegando a especificar todos los elementos necesarios para luego producir la obra visual: localización, decorado, iluminación, actores, etc…

Una experiencia que me ha “cogido totalmente desprevenido” por la fuerza emocional y sensorial que se vive, presenciando el videoarte de Bill Viola. Sugiero abrazar la fuerza creativa de Bill Viola y entrar en su mundo con: una predisposición mental abierta, la posibilidad de olvidarse del tiempo y un total abandono sensorial. Si se cumplen estas tres premisas, se podrá vivir cognitivamente y sensorialmente algo realmente único; una ascensión a algo que va más allá de lo terrenal.

Los cuadernos de Remo Vilado

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CFC Bilbao, Libro de Autor, Ricky Dávila

Remo Vilado me ha dedicado mi copia de su Cuaderno #1 Zatopek, llamándome compatriota, por algo será…! He acogido en mis manos su cuaderno con mucho cariño, así como se merece el objeto artístico cuidadosamente mimado, tanto por la Editorial Gran Sol y su editor Ricky Dávila, como por Dani Rodríguez de Grafilur.

Poco se sabe de Remo Vilado, hay quien dice que sea un ex-futbolista chungo italiano, otros piensan que sea un ex-actor porno; lo cierto es que de Remo Vilado se habla mucho en estos últimos tiempos, sobre todo desde cuando la editorial Gran Sol ha publicado los primeros dos Cuadernos. Después de haber disfrutado del CRV#1, puedo decir que Remo Vilado es un filósofo visual y un filántropo enrevesado; él ni siquiera lo sabe, pero es seguramente un médico “in pectore” porque descifrar su grafía es una tarea que requiere paciencia y mucha capacidad de intuición. Es un hombre que sabe de no poder encontrar la compresión en lo terrenal y la busca en si mismo y en un ser superior al cual se acerca a través de sus reflexiones escritas y visuales (¡no se pierdan la reflexión sobre el infinito y la eternidad en el Cuaderno #1).

Como el mismo Remo admite en su dedicatoria de mi copia de su Cuaderno, se trata de unos cuadernos locos que merece la pena tener, leer y mirar, para luego reflexionar y llegar a percibir la complejidad intelectual del autor, su perspectiva visual y su submundo tan magnéticamente peculiar.

Aunque el crowdfunding que ha financiado la publicación de los primeros dos Cuadernos ya ha finalizado, es posible tener en vuestras manos una copia de los Cuadernos de Remo Vilado; para eso, es suficiente enviar un e-mail a su editor: ricky@cfcbilbao.com; él se pondrá en contacto con vosotros para cerrar el trato.

 

Photoespaña XX: como organizarse para optimizar la visita

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Jardin Botanico, Madrid, PHE, PhotoEspaña

 

Este año PhotoEspaña (31 de Mayo–27 de Agosto) cumple 20 años; un hito muy importante para una manifestación que ha alcanzado una grande resonancia nacional e internacional. También este año he conseguido estar en esta cita que para mí se traduce siempre en un torbellino visual. Realizar mi visita anual a PhotoEspaña, depende de una combinación de muchos factores que, para poderse dar, necesitan mucho trabajo previo y una capacidad extrema de encaje. Esto, por un lado me permite disfrutar con más intensidad de las exposiciones que consigo visitar, por otro lado pero, el tiempo que dispongo es muy limitado respeto a la envergadura del evento y necesito optimizar el tiempo y tomar dolorosas decisiones para descartar alguna exposición (además de renunciar a todas las actividades colaterales que se organizan para el público). Limitándome únicamente a la sede principal de Madrid (hay otras sedes en España y en otras naciones), esta tarea se ha hecho todavía más compleja este año, debido al XX aniversario: el número de exposiciones ha crecido notablemente y están distribuidas en unas 45 sedes diferentes; además de las históricas secciones Oficial y Festival Off, se ha añadido la sección Carta Blanca que ha sido curada por Alberto García-Alix.

 

Comparto aquí los criterios que he aplicado para optimizar la visita y maximizar el número de exposiciones visitadas, con la esperanza que os puedan servir para facilitar la toma de decisión en vuestra visita. En mi caso disponía de un día entero en Junio, algunas tardes a partir de las 19h y un medio día en Julio

Para poder planificar en el detalle la visita, es imprescindible bajarse el plano de la exposiciones e ir husmeando las diferentes exposiciones, navegando en el sitio web de PHE que desafortunadamente (es un fallo importante de esta edición) no proporciona buenos contenidos visuales (mucho texto y muy pocas imágenes para poderse hacer de antemano una buena idea de cada exposición). Lo ideal sería disponer de la Guía PHE que desafortunadamente no se puede adquirir a través de la página web (aunque sea en formato digital); se puede comprar solo en los puntos librería de PHE en Madrid (9.50€).

Disponiendo de este conjunto de información, el problema que se pone es: “qué criterios aplico para seleccionar las exposiciones que voy a ver? Cuáles descarto?” Después de haberlo intentando de diferentes maneras, creo que lo mejor es organizar el tour por contigüidad física de los diferentes espacios expositivos. Como se puede ver en el mapa anterior, personalmente he dividido el mapa en tres zonas A-B-C y, en función de mis criterios (y de la info recopilada en newsletters artísticas) he señalado las expos en el mapa en rojo (MUST), negro (NICE TO GO) y dejando sin señalar aquellas que me parecían prescindibles. Las exposiciones que han quedado fuera de estas tres áreas también las he señalado en rojo o negro para organizar visitas específicas, aprovechando los huecos de disponibilidad que disponía por las tardes. Usar el criterio de contigüidad física de los espacios expositivos, nos permite además limitar bastante el impacto de un factor que quizás muchos no consideran como importante y que pero al final va a condicionar muchísimo nuestra capacidad de realización del plan diseñado cómodamente en nuestra casa: el calor infernal que podemos encontrar en una Madrid veraniega; a mí me han tocado temperaturas máximas de unos 36-40 grados y os aseguro que no es una broma deambular por las calles de Madrid con estas temperaturas, a pesar de agua, protector solar, gorro, etc…

 

En la tabla de abajo, he hecho mis recomendaciones, de acuerdo a mis personales criterios de gusto e interés; la lista incluye todas aquellas exposiciones que seleccioné como merecedoras de una visita, pero he valorado únicamente aquellas que he podido visitar hasta el día de hoy. Espero que mi perspectiva pueda servir para organizar vuestra visita a PHE17 con el objetivo de optimizar los tiempos pero sobre todo para disfrutar de este baño visual que a mí siempre me entusiasma, me inspira y me rende extremadamente dinámico y feliz. Cualquier comentario o discrepancia respeto a mis sugerencias, bienvenida sea! Estaré encantado adjuntarla a esta entrada para proporcionar puntos de vistas diferentes.

Los dípticos que ilustran esta entrada son de Photosatriani y representan un paralelismo visual de dos espacios mágicos en Madrid: el Jardín Botánico y un sitio multi-uso ubicado en Malasaña: el Paracaidista; ambos dos acogen exposiciones de PHE17. ¡A disfrutar!

Las HUELLAS de la Maestra

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Huellas, La Fabrica, Madrid, Pilar Pequeño

copyright Pilar Pequeño photography

Pilar Pequeño es quizás la persona que más influencia mi manera de entender la fotografía. Su manera de aproximarse al sujeto que retrata, nos habla de una fotografía a tiempo lento que me recuerda la excelente cocina “crudi-vegana” que tanto está de moda, en la cual se preservan todas las cualidades de los ingredientes que componen el plato, gracias a la lentitud de los tiempos de cocción que no suelen superar los 40 grados; así la fotografía de Pilar Pequeño nos hechiza por la delicadeza de la mirada, por la empatía que la fotógrafa establece con los objetos o paisajes y por la “limpieza” de sus imágenes, fruto de su infatigable, paciente y refinado perfeccionismo.

Conocí a Pilar en un taller organizado por PIC.A (mayo 2015); congeniamos de inmediato, tanto que sus enseñanzas tuvieron un profundo calado en mi ser y Pilar Pequeño, junto quizás con Larry Fink (estuve en un taller con él en el muy lejano 1995), son, sin lugar a duda, mis Maestros fotográficos; dos personalidades a los antípodas, que conviven en mi pensamiento fotográfico.

El libro “Huellas” (en la colección de La Fábrica), es el resultado de un largo y pautado trabajo hecho en dos lugares: Baixo Miño y Mar Menor, geográficamente muy distantes pero con fuertes nexos con la vida personal de la autora. Estos dos lugares tan diferentes, se encuentran en el libro, para hablarnos de ruinas (que, como dice Rosa Olivares en el texto de presentación, “constituyen la eternidad, porque están después de la muerte”); de como la Naturaleza se retoma lo que el Hombre le ha robado; del paso del tiempo no solo en el lugar fotografiado, sino también en la mirada de la fotógrafa.

El mismo lugar, ha sido fotografiado por Pilar a distancia de unos 8 años; las imágenes hechas la primera vez son en blanco y negro; aquellas hechas 8 años después son a colores; las dos tomas, intentan mantener la misma perspectiva y condiciones de luz y esto añade un elemento más en nuestro pensamiento cuando miramos las imágenes de “Huellas”, llenas de sugerencias y de vida, entendida como huellas de historias de gente que un tiempo llenó aquellos lugares.

Como comentó de manera magistral María Teresa Gutiérrez Barranco durante la presentación del libro, las “Huellas” de Pilar Pequeño se ofrecen al espectador, mostrándonos una belleza recóndita, que atrae nuestra mirada y nos invita a comprenderlas, hasta llegar a la compenetración.

Las “Huellas” de Pilar Pequeño se transformarán en una exposición en el ámbito del Festival Off de PHE17 (arranca el 31 de Mayo en Madrid); mayores informaciones en http://www.phe.es/es/phe (al momento el contenido no está todavía disponible).

Libro Emotionage: micrografías y emociones

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Emotionage, Micrografía, Nacked, Tree, Woman

A lo largo de 2015 la comunidad Emotionage: la escritura de la luz ha desarrollado un proyecto de arte multidisciplinar y colectivo. 43 escritores y 64 artistas visuales de España y Latinoamérica que no se conocían los unos con los otros, han creado 97 Micrografías. Cada Micrografía está formada por un microrrelato y una imagen. El significado de micrografía es: “fotografía de lo muy pequeño”. El invisible a los ojos que se hace visible, así como las emociones se representan a quien las siente. De ahí, el nombre Emotionage, el reportaje de las emociones. En las próximas semanas, estará disponible a la venta el libro Emotionage: micrografías y emociones que constituye la recopilación en papel de las micrografías ya publicadas en Facebook y en nuestro blog.

El proceso de edición, maquetación, producción del libro ha sido realmente largo y complejo; …tan complejo que al final cometí un grave error (que espero sea el único). No he incluido ninguna micrografía en la cual había contribuido una de los mecenas del libro: Elena Magdalena. Por supuesto ya he hablado con ella del problema y la portada de esta entrada quiere ser parte de la reparación del daño que le he hecho. Se trata de su microrrelato “Yo ganaré la guerra” que he querido visualizar a través de mi fotografía en la cual querría representar la soledad y al mismo tiempo la integridad y fuerza de una mujer que, a pesar de las adversidad vividas, tiene todavía la fuerza de querer tener en sus manos las riendas de su vida.

“El Bosco”: la imaginación al poder

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El Bosco, Imaginación, Madrid, Prado

Nunca había tenido la oportunidad de admirar de cerca las pinturas de “El Bosco”, aunque era algo que quería hacer desde hace mucho tiempo. La oportunidad de cumplir con este deseo se me ha dado gracias a la exposición del V centenario organizada en el Museo del Prado. Mi atracción hacia la obra del “El Bosco”, ha sido siempre fundamentada por dos pilares: el grande poder imaginativo del autor que alcanza crear en los observadores un proceso evocativo que tiene raíces en nuestros miedos, obsesiones, perversiones; el espíritu libertino del autor que en pleno Renacimiento se permitió sin tapujos y con mucho éxito, representar, en su mundo fantástico, dichos miedos, obsesiones y perversiones, siempre alrededor de temas sagrados y religiosos, mezclando así peligrosamente el sagrado con el profano. Todo esto lo consiguió, sin que fuera considerado un loco o un demonio, aunque sí algunos creían que se drogaba.

Sus cuadros son historias del subconsciente, plagadas de pequeños detalles y de seres extraños que están relacionados muy a menudo con “el pecado”. He además aprendido en la exposición que El Bosco usaba un muy peculiar tratamiento de la superficie que iba a pintar y que la versión final de cualquier obra suya era siempre objeto de importantes re-planteamientos que a veces llevaban a cambios significativos de la escena pintada (cosa que en la exposición es posible ver, gracias a las “radiografías” hechas de sus obras).

Los dos trípticos presentes en la exposición en El Prado, que más han capturado mi admiración han sido “Las tentaciones de San Antonio Abad” por la cantidad de seres monstruosos que la imaginación del autor pudo crear para representar el Mal y sin lugar a dudas el Jardín de las Delicias por las centenarias de posible alegorías que podrían encontrar, mirando con detenimiento los minutos particulares del cuadro. Este proceso muy complejo de hacer delante del tríptico original, debido a sus dimensiones y a la cantidad de gente en la sala que no facilita un análisis de los detalles, se puede realizar con facilidad y disponiendo algo de tiempo, gracias a la instalación multi-media Jardín Infinito, en una sala del piso superior del Museo.

Gracias a este instalación, los visitantes más profanos, puedes entrar dentro del tríptico, cómodamente sentados en el suelo de la sala. Es como mirar el cuadro en realidad aumentada, cambiando la dimensión de las cosas para poder así apreciar los detalles y a la vez, generando un juego mental en el espectador que intenta “colocar” estos detalles en el tríptico que se acaba de admirar en el piso inferior. Este “juego” es algo parecido a lo que solemos hacer cuando usamos “Google Map” cuando, identificado un punto concreto que queremos alcanzar, necesitamos luego posicionarlo en una escala más grande para no perder la perspectiva, para luego volver a nuestro destino en el mapa.

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EMOTIONAGE LLEVA LA EMOCIÓN AL PAPEL

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Emotionage, Emotions, Fotografía, Ilustración, Literatura, Microrrelato, Reportage

Emotionage es el reportaje de las emociones. El proyecto Emotionage es un proyecto artístico multi-disciplinar y colectivo (al día de hoy formado por más de 2100 personas) que quiere llevar la emoción al papel. A lo largo del último año 43 escritores y 64 artistas visuales de España y Latinoamérica que no se conocían los unos con los otros, han creado 97 Micrografías. Cada una de ella es una sinfonía artística de dos personas sensibles, compuesta por un micro-relato y una imagen. Una Micrografía es una fotografía del infinitamente pequeño; una Micrografía es el invisible (una emoción generada por un micro-relato) que se hace visible a los ojos (a través de una imagen o de una ilustración).

Micro-relato de Celeste Escobedo – Imagen de Irene Cruz

Todas estas Micrografías se han publicado en la página Facebook y en el Blog asociado pero creemos que el cierre más apropiado del nuevo ciclo de nuestro proyecto colectivo es la publicación de un libro que materialice en un objeto tangible y bien cuidado, todo el entusiasmo, el cariño, el arte y la generosidad que los participantes han tenido con Emotionage.

 

Portada provisional del libro – ilustración Paula Bernal Carro

Hemos arrancado una campaña de crowdfunding con la cual buscamos por lo menos 150 mecenas para que nuestro libro se materialice. APOYA nuestra campaña y llévate a casa la posibilidad de tener una copia de este libro como recompensa. SÉ UNO DE LOS MECENAS de la campaña.

Para eso:

1. accede a la pagina de la campaña
2. dale a APOYAR AHORA
3. ELIGE TU RECOMPENSA entre las que proponemos para nuestros mecenas

En el caso que no vivas en España y quieres ser mecenas de Emotionage, es importante que sepas que los gastos de envío no están incluido en el coste de la recompensa y tendrás que abonarlos a parte; considera pero que existe la posibilidad de elegir como recompensa el e-book que está libre de esta carga adicional.

Haciéndote mecenas del libro, estás haciendo una pre-compra del libro. Si conseguimos reunir los suficientes apoyos (150), el libro es tuyo. Si no fuera así, el dinero se te devuelve. Por esta razón, para aumentar la probabilidad de asegurarte la recompensa que has elegido, te pedimos también de HACER DIFUSIÓN de esta iniciativa en tus redes de contactos (tanto a través del PC como del móvil), círculos, amigos, parientes, citando siempre el link a la página de la campaña:

Micro-relato de Asof Man Well – imagen de Giuseppe Satriani